Guide Survie Illustrateur [PDF]

Zitiervorschau

« Depuis sa création en 1983, Illustration Québec a mis sur pied de multiples outils de promotion à l’intention des illustrateurs. Elle a également conçu des documents traitant de droits d‘auteur, de contrats, de licences et d’autres questions reliées au métier d’illustrateur. Forte de son expérience, Illustration Québec a jugé bon de concevoir ce Guide de survie (2e édition). Cet outil répondra aux questions les plus fréquentes tout en fournissant les pistes de recherche permettant d’obtenir de plus amples informations sur un sujet précis. Il est toutefois indéniable que l’aide provenant de nombreux corps de métiers dont il sera question tout au long de cet ouvrage est irremplaçable. Illustration Québec souhaite ardemment que vous soyez satisfaits de résultat et que ce document puisse vous être d’une grande aide... Bonne lecture ! »

Guide de survie de l’illustrateur - 2e édition

guide de survie de l’illustrateur - 2e édition

CRÉDITS directeur de production / chargé de projet Nicolas Trost

textes Amélia Giroux-Gagné Nicolas Trost

avec les contributions particulières de : Charles Montpetit et Thierry Sauer

collaborateurs spéciaux Maître Véronyque Roy (avocate) Michelle Blanc (spécialiste Internet et réseaux sociaux)

révision linguistique Martine Théberge

table ronde pour l’élaboration et la mise à jour de la grille tarifaire Simon Dupuis François Escalmel

couverture Marie-Ève Tremblay – représentée par www.colagene.com/fr/

illustrations intérieures Farah Allègue 45 Isabelle Angell 123 Frédéric Back 19 François Berger 185 Patricia Brière 91 Marie-Anne Campeau Duplessis 97 Julien Castanié 21 Yves Dumont 113 Élisabeth Eudes-Pascal 25 Isabelle Fortier 53 Sébastien Leblanc 105 Oussama Mezher 173 Frédéric Normandin 191 Sophie PA 145 Guillaume Perreault 63 Christine Roy 29 Richard Vallerand 75

photo Crépô 11

graphisme : www.kakee.ca impression : www.marquisbook.com/accueil

Nous reconnaissons l’appui financier du gouvernement du Canada par l’entremise du Fonds du Canada pour les périodiques qui relève de Patrimoine canadien.

dépôt légal

Bibliothèque et Archives nationales du Québec Bibliothèque Nationale du Canada ISBN 978-2-922921-32-5

GUIDE

DE SURVIE DE L’ILLUSTRATEUR !

SOMMAIRE

X MOTS INSPIRANTS

11

X MOT DE FRÉDÉRIC BACK

19

XX INTRODUCTION

21

XXX LE MARCHÉ

25

1 LE STATUT DE TRAVAILLEUR AUTONOME : LE CAS DE L’ARTISTE ILLUSTRATEUR…

29

1.1 UN PLAN ? BON PLAN !------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------ 30 1.2 COOP, LTÉE, INC. ET COMPAGNIE !------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------ 31 1.3 IMMATRICULÉ ? EN ROUTE !--------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------33 1.4 TAXES EN SUS ?----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------33 1.5 BUDGÉTER, COMPTER, FINANCER... SANS RAGER !----------------------------------------------------------------------------34 1.6 L’ARTISTE ET LA CSST------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------ 41 1.7 LES ASSURANCES------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------ 41 1.8 LIENS UTILES---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------43

2 L’AIDE FINANCIÈRE ET LE SOUTIEN QUE L’ON PEUT OBTENIR DE DIVERSES SOURCES

45

2.1 S’IL VOUS PLAÎT, MONSIEUR LE BANQUIER...------------------------------------------------------------------------------------------ 46 2.2 LES AIDES GOUVERNEMENTALES POUR DÉMARRAGE, C’EST PAYANT ?---------------------- 47 2.3 LES CONCOURS OU « GAGNER SA VIE ! »------------------------------------------------------------------------------------------------------ 48 2.4 LES ORGANISMES-------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 49 2.5 QUELQUES LIENS SUPPLÉMENTAIRES----------------------------------------------------------------------------------------------------------- 51

3 L’ILLUSTRATEUR, LE CRÉATEUR D’IMAGES

53

3.1 ILLU...QUOI ? ILLU...MINÉ ?-------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------54 3.2 ILLUSTRER, D’ACCORD ! MAIS QUOI...ET COMMENT ?---------------------------------------------------------------------55 3.3 SAVOIR SE RÉINVENTER...----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 56 3.4 DE LA PAGE BLANCHE À LA RECONNAISSANCE------------------------------------------------------------------------------------ 57 3.5 PERFECTIONNER LES TECHNIQUES ET OPTIMISER L’UTILISATION DES OUTILS-------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 59 3.6 LE PARRAINAGE---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------61

4 L’ILLUSTRATION : UN UNIVERS ET SES GALAXIES !

63

4.1 MAMAN, RACONTE - MOI UNE HISTOIRE ! : LE MONDE DE L’ÉDITION JEUNESSE----- 64 4.2 EN PREMIÈRE PAGE – LA FAMEUSE COUVERTURE !------------------------------------------------------------------------ 65 4.3 L’ILLUSTRATION ÉDITORIALE, ÇA PRESSE !--------------------------------------------------------------------------------------------- 66

4.4 ILLUSTRER POUR LA PUBLICITÉ-------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------67 4.5 LES PRODUITS DÉRIVÉS OU COMMENT SE RETROUVER SUR UN RIDEAU DE DOUCHE---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 69 4.6 COMMENT TRAVAILLER AVEC LES DESIGNERS GRAPHIQUES----------------------------------------------- 72 4.7 LIENS UTILES--------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 73

5 LES OUTILS DE PROMOTION

75

5.1 JE SUIS... JE FAIS... ET JE SUIS LE MEILLEUR !---------------------------------------------------------------------------------------76 5.2 L’IMPORTANCE DU PLAN DE COMMUNICATION-----------------------------------------------------------------------------------76 5.3 LE PORTFOLIO CONVENTIONNEL... DÉMODÉ OU INCONTOURNABLE ?-------------------------- 77 5.4 LA PROMOTION PASSIVE---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------78 5.5 LA PROMOTION ACTIVE----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 82 5.6 SE FAIRE VOIR ! MAIS CHEZ QUI ?---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 85 5.7 VENTE OU PROMOTION ?----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------87 5.8 LIENS UTILES------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 88

6 LES AGENTS

91

7 LE SITE INTERNET

97

7.1 CONCEPTION ET ÉVOLUTION------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------ 98 7.2 QUOI Y METTRE... ---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 99 7.3 ATTIRER LA VISITE !--------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 101 7.4 LE PETIT PLUS... ----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 102 7.5 LIENS UTILES------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------ 103

8 LES MÉDIAS SOCIAUX

105

8.1 FACEBOOK OU LA COMMUNAUTÉ DE PARTAGE... ----------------------------------------------------------------------------- 106 8.2 TWITTERA, TWITTERA PAS... ?----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 107 8.3 ET LINKEDIN, C’EST UTILE ?-----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------108 8.4 LE BLOG ALORS, ÇA SERT À QUOI ?----------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 109 8.5 AUTRES UTILITÉS DU WEB ET DERNIÈRES RECOMMANDATIONS------------------------------------ 110 8.6 LIENS UTILES-------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 111

9 LE DROIT D’AUTEUR

113

9.1 QU’EST-CE QUE C’EST ?--------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 114 9.2 CONDITIONS DE PROTECTION------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 114 9.3 À QUI BÉNÉFICIENT CES DROITS ?-------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 115 9.4 DURÉE-------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 117

SOMMAIRE

9.5 DROITS MORAUX---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 117 9.6 ASPECTS CONTRACTUELS---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 118 9.7 VIOLATIONS DU DROIT D’AUTEUR----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------119 9.8 ADRESSES UTILES----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 120

10 LES CONTRATS

123

10.1 KONTRA ? COMMENT ÇA S’ÉCRIT ?-----------------------------------------------------------------------------------------------------------------125 10.2 ET LES CLAUSES, ELLES SERVENT À QUOI ?----------------------------------------------------------------------------------------125 10.3 ON PEUT VOIR DE QUOI ÇA A L’AIR, UN BON CONTRAT ?--------------------------------------------------------- 127 10.4 LE CONTRAT, TOUJOURS PAREIL ?---------------------------------------------------------------------------------------------------------------134 10.5 ET LA FACTURE ?-------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------135 10.6 LES DIFFICULTÉS DE PAIEMENT-------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 138 10.7 LIENS UTILES----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------143

11 LE GUIDE DE TARIFICATION

145

11.1 L’ILLUSTRATION ET L’ÉQUITÉ SALARIALE---------------------------------------------------------------------------------------------- 146 11.2 LA MARCHE À SUIVRE POUR FIXER UN PRIX------------------------------------------------------------------------------------- 146 11.3 LA SOUMISSION---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------155 11.4 STAGNATION DES PRIX--------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 157 11.5 L’IMPORTANCE DE DIRE NON... ------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 157 11.6 COMMENT RECONNAÎTRE UN CLIENT À PROBLÈMES---------------------------------------------------------------- 157 11.7 LE TRAVAIL GRATUIT (CODE ÉTHIQUE)----------------------------------------------------------------------------------------------------- 157 11.8 LES PRIX PLANCHERS----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 162 11.9 EUH... VRAIMENT DÉSOLÉ, MAIS... POURRAIT-ON ME PAYER, S.V.P. ?------------------------- 163 11.10 OUI, BON...MAIS COMBIEN ?------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------ 163 11.11 ENFIN, UNE RÉFÉRENCE !------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 164

12 LES AFFAIRES

173

12.1 QUELQUES TRUCS POUR ÊTRE MEILLEUR EN AFFAIRES-------------------------------------------------------- 174 12.2 COMMENT GARDER UNE SANTÉ FINANCIÈRE ET PRÉVOIR L’IMPRÉVISIBLE (ACCIDENT, MALADIE, ETC.)-------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 175 12.3 LES VIEUX JOURS---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 177 12.4 DU TEMPS ET DE L’ARGENT !------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 177 12.5 LES EXCUSES DES CLIENTS ET COMMENT Y RÉPONDRE...----------------------------------------------------178 12.6 LA NÉGOCIATION------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------179 12.7 QUELQUES PETITES ERREURS À NE PAS COMMETTRE... ------------------------------------------------------- 181 12.8 LES DÉFIS DE L’ILLUSTRATION... ------------------------------------------------------------------------------------------------------------------ 182

13 S’EXPOSER

185

13.1 D’ABORD, TROUVER OÙ...----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- 186 13.2 QUOI FAIRE QUAND ÇA MARCHE ?----------------------------------------------------------------------------------------------------------------187 13.3 LE MARCHÉ DE L’ART AU QUÉBEC, QU’EN EST-IL ?----------------------------------------------------------------------- 188

14 BIBLIOGRAPHIE

191

X

mots inspirants

Crépô – 1985 Titre : Souvenir des débuts d’Illustration Québec Sur la photo : André Boisvert dit « Bois », Mireille Levert, Philippe Brochard, Suzanne Duranceau, Philippe Béha, Danielle Poisson, Paule-Andrée Lagacée, Richard Parent, Daniel Sylvestre, Pol Turgeon, Stéphane Daigle, Charles Monpetit, Normand Cousineau

Voici quelques textes écrits par d’anciens présidents et par des membres honoraires, qui au travers de leurs mots, vous partagent leurs motivations d’avoir créé et soutenu l’association professionnelle qu’est Illustration Québec et de continuer à y adhérer.

11

« Étant un des membres fondateurs de l’association, je suis toujours là aujourd’hui. Pour moi l’association demeure un phare, une appartenance, une famille. Elle a été là pour moi pendant des années, c’est à moi maintenant d’être là pour elle comme aîné. »

philippe béha 


illustrateur,
membre fondateur d’iq, membre honraire

« Un regroupement ne naît jamais du hasard, mais est toujours le fruit d’un besoin profond, d’une nécessité. C’est avec beaucoup de joie que je me remémore les premières rencontres, dans des cafés de Montréal, d’illustrateurs, jusque-là isolés, qui ont mené à la formation de l’Association des illustrateurs. Presque trente ans plus tard, je garde toujours la conviction que ce métier formidable, qui lie une grande créativité à un savoir artistique indéniable et qui est volontairement tourné vers la communication, demande un regroupement. Le monde de la communication visuelle s’est transformé d’une façon phénoménale et à un rythme vertigineux. L’existence d’« Illustration Québec » m’apparaît plus que jamais primordiale afin d’évoluer, grandir, unir nos expertises et nos forces. »

mireille levert, 


illustratrice, membre fondatrice,
ancienne présidente d’iq (1986 à 1988) 

« Existe-t-il le moindre doute, dans l’esprit d’aucun, que l’union fait la force ? Qu’à permettre l’expression de plusieurs points de vue on parvient toujours à une vision plus complète et plus juste ? Que la variété des perspectives et des expériences nous enrichit collectivement ? Que dans tout marché un équilibre des forces est nécessaire pour le bien commun ? Que l’implication du plus grand nombre dans un projet collectif en assure le succès et la pérennité ? La pensée crée ! Et toutes les assertions mentionnées ici ont créé Illustration Québec et l’ont maintenue vivante et active depuis près de 30 ans. En 1983, nous avons cru qu’il était temps pour les artistes-illustrateurs du Québec de se regrouper afin de promouvoir leur art et de donner un cadre structuré et reconnu à leur pratique artistique. Un marché plus difficile et compétitif qu’à l’époque justifie encore davantage l’existence d’Illustration Québec aujourd’hui. Lieu de rencontres et d’échanges, lieu de discussions et de choix collectifs, lieu de soutien et de formation, lieu d’engagement communautaire, espace d’expression et de diffusion, tremplin pour tous les projets individuels et collectifs autour de l’art de l’illustration : Illustration Québec a toujours, et plus que jamais, sa place dans la communauté ! L’artiste visuel, utilisant l’illustration comme médium, occupe une place prépondérante et trop souvent ignorée dans la société. L’artiste-illustrateur lui-même, ignorant de son pouvoir, se met au service de chacun en négligeant de considérer sa propre réflexion et sa propre expérience. Il est un facteur de développement sociétal lorsqu’il infuse la conscience collective avec des images porteuses de sens. Tous nos choix sont créatifs ! Il nous faut prendre conscience de notre pouvoir et agir en conséquence. » 

stéphan daigle 


illustrateur, ancien président d’iq (1990)

12

MOTS INSPIRANTS

« Depuis maintenant 30 ans, Illustration Québec joue un rôle essentiel auprès de ses membres. Que ce soit le partage et la diffusion d’informations pertinentes sur le métier, la promotion des illustrateurs à travers différents outils marketing, etc, c’est un regroupement incontournable qui a besoin de soutien afin de consolider ses acquis et de poursuivre son développement. Longue vie à Illustration Québec. »

nathalie nassif 


directrice générale d’iq (1992 à 1997)

« Il est bien connu que la culture québécoise s’exporte de brillante façon à l’étranger. Le Cirque du Soleil, Robert Lepage et autres Moment Factory font rayonner leur talent et connaissent un immense succès à l’échelle internationale. Sachez qu’il en est de même pour l’illustration québécoise. Il n’est pas rare de voir les œuvres des illustrateurs et illustratrices d’ici dans les prestigieuses pages du New York Times, de Libération ou The Economist. Leurs livres sont traduits en plusieurs langues et appréciés de par le monde, primés à Bologne ou Angoulême. Certains d’entre eux présentent leurs films d’animation dans les plus grands festivals et se rendent même parfois aux Oscars ! J’ai fait mes débuts en 1991. À cette époque, notre association, du haut de ses huit années d’existence, était déjà très dynamique. Déjà, elle était portée à bout de bras par des artistes désireux de faire connaitre leur profession et de diffuser leur talent. Les illustrateurs qui parvenaient à exporter leurs images hors du Québec étaient fort peu nombreux alors. À force de travail et de passion, les choses ont changé pour le mieux et la réputation des illustrateurs québécois est maintenant bien établie hors de nos frontières. À mon avis, Illustration Québec a été le catalyseur de cette émancipation. L’illustration comme l’écriture est un travail solitaire. L’association permet de briser cet isolement. Elle est le lien entre chacun de ses membres, le fil qui nous relie. Elle nous informe. Elle nous renseigne sur le droit d’auteur, l’éthique, la négociation, la promotion, etc. Des choses qui ne sont pas enseignées dans les écoles. Elle permet d’échanger avec les pairs, de partager ses expériences, bonnes ou mauvaises. Elle permet d’inventer de nouveaux outils de promotion et de diffusion. De promouvoir les métiers de l’illustration auprès des médias et surtout dans l’industrie, auprès de clients potentiels. Enfin, elle crée un sentiment d’appartenance. Nous évoluons dans un marché hyper compétitif. Malgré tout, je retrouve à l’association un esprit communautaire très chaleureux où règne une saine émulation. En plus de vingt ans de métier, je n’ai jamais été témoin d’un tel esprit de corps ailleurs, d’une telle solidarité. Voilà pourquoi Illustration Québec me tient tant à cœur. »

luc melanson 


illustrateur, ancien président d’iq (1996)

« Les avocats ont le Barreau, j’ai l’Association - fort heureusement, d’ailleurs. C’est à travers elle que j’ai véritablement amorcé ma croissance en tant qu’illustrateur : elle m’a permis de rencontrer des gens qui avaient réponse à mes questions, j’y ai trouvé des pairs à qui parler, avec qui normaliser les situations problématiques, les perceptions, les inquiétudes. L’isolement n’enrichit personne. Il rend vulnérable. Et le marché est un loup. Le site illustrationquebec. com, quant à lui, malgré le fait que je possède déjà un site commercial et des blogs très fréquentés, représente à ce jour mon plus bel outil de promotion en carrière : plus de 70 % des mandats obtenus le sont grâce à cet outil magnifique qui est mis à notre disposition, une chance extraordinaire, surtout si on considère les coûts reliés à s’exposer sur d’autres sites semblables et qui sont souvent exorbitants. Pourquoi je vous écris aujourd’hui ? Par intérêt personnel : j’ai tout avantage à voir cette association prospérer, puisque je prospère à ses côtés. Je vous souhaite le meilleur des succès parmi nous. »

yvon roy 


illustrateur, ancien président d’iq (2004-2005)

13

« Par la présente, j’aimerais vous signifier l’importance d’Illustration Québec, au sein de la profession des illustrateurs et illustratrices du Québec, depuis une trentaine d’années. J’ai débuté ma carrière en 1986, et depuis cette année-là, je suis membre d’Illustration Québec (anciennement Association des Illustrateurs et Illustratrices du Québec, j’y réfèrerai d’ailleurs à plusieurs reprise dans ce texte comme étant « l’association »), c’est dire mon attachement à cet organisme ! J’y ai joué plusieurs rôles, dont membre du conseil d’administration, membre du conseil exécutif, puis présidente en 2005. Au fil des années, j’ai été à même de constater l’apport positif et enrichissant de cette association quant au rayonnement de notre métier. Cette idée d’association est née, il y a trente ans, du désir de quelques illustrateurs souhaitant s’assembler afin de pouvoir ensemble définir les règles de pratique de la profession, et ainsi créer une force de regroupement dans le milieu de la communication visuelle au Québec, où tout était à faire, à élaborer. Année après année, l’association s’est voulue comme une sorte de chien de garde, protégeant les droits de ses membres et les représentant dans diverses positions devant être prises face aux décisions politiques régissant le droit d’auteur et la propriété morale de l’œuvre visuelle. Elle a toujours été aussi d’un grand conseil pour éclairer ses membres quant à la pratique de leur métier d’illustrateur, je cite ici quelques-unes de ses actions au fil des ans : P romotion de notre talent ici et à l’étranger
 N  égociation des contrats avec nos clients
 C  réation d’outils toujours plus pertinents et efficaces, tels que répertoires visuels et site internet pour la promotion de nos oeuvres
 C  onseils pratiques pour la gestion de nos microentreprises de créateurs
 L ieu d’échanges professionnels stimulants entre illustrateurs
 P arrainage des illustrateurs novices
 C  onférences sur la pratique de la profession. 
 L’association a une position mondialement respectée sur l’échiquier du commerce des oeuvres visuelles, et ce, depuis bien longtemps déjà. Combien d’illustrateurs du Canada et d’ailleurs dans le monde nous envient cette complicité et cette force associative, qui, de tout temps, nous a épaulés dans notre travail d’artisans de l’image... Je suis reconnaissante de son apport dans ma vie professionnelle depuis tout ce temps, et souhaite longue vie à Illustration Québec. »

anne villeneuve


illustratrice,
ancienne présidente d’iq (2005-2007)

« Sans Illustration Québec, je ne serais pas illustrateur aujourd’hui. Je n’aurais jamais pu profiter des conseils et du support d’illustrateurs plus expérimentés... je n’aurais jamais pu percer. C’est aussi simple que ça. »

louis-philippe st-laurent


illustrateur, ancien président d’iq (2008-2009)

« Avec le temps, pour le marché des acheteurs d’images, Illustration Québec s’est positionnée comme la vitrine des illustrateurs d’ici, elle est la référence quant aux pratiques qui entourent la commande d’illustrations, et la solution pour la recherche d’un illustrateur inspirant. Pour nous, illustrateurs, c’est une pépinière de dialogue, d’éducation, et un bouillonnement de débats pour l’avancement de la profession d’illustrateur
, une association qui légitime et encadre notre métier. Pourquoi s’en passer ?»

sophie casson

illustratrice,
ancienne présidente d’iq (2009-2010)

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MOTS INSPIRANTS

« Le métier d’illustrateur, de par sa nature créative et autonome, en est un d’unicité et de solitude. Il y a autant de façons de le pratiquer qu’il y a de marchés et de pratiquants. Ainsi, un illustrateur de livres pour enfants ne vivra jamais la même réalité qu’un illustrateur publicitaire ou qu’un illustrateur éditorial, et ainsi de suite. Certes, tous sont illustrateurs, mais ils travaillent à leur façon bien personnelle dans des niches bien spécifiques. Tous ces paramètres créent une multitude d’identités qui peuvent parfois sembler difficiles et abstraites à réunir sous un seul et même profil. Illustration Québec répond à ce besoin depuis (presque) 30 ans. Elle constitue ce ciment professionnel et social qui rassemble les forces et aptitudes de chacun, sans jamais amoindrir la richesse de leur spécificité, donnant ainsi à la voix de l’illustration québécoise, par la force de la collectivité, une plus grande portée. C’est pour cette raison qu’IQ constitue un acteur essentiel dans notre domaine, tant pour les illustrateurs que pour ceux qui consomment de l’illustration. Si tel est votre cas, nous vous remercions sincèrement de votre appui. »

vincent gagnon


illustrateur, ancien président d’iq (2010-2013)

« Je suis impliqué au sein de l’association des illustrateurs du Québec (Illustration Québec) depuis ses débuts en 1983. Dès sa création, son influence s’est manifestée avec force en brisant l’isolement dans lequel nous nous trouvions tous à l’époque, tout en facilitant un échange d’informations cruciales qui nous a permis de mieux défendre nos droits, mieux négocier nos contrats ou évaluer de façon plus pertinente la valeur d’une commande, et de faire circuler des informations de première importance qui ne trouvaient aucun véhicule pour être diffusées de façon efficace. Ce fantastique lieu de ralliement et de connaissances qu’est devenu IQ est maintenant bien implanté dans la communauté des illustrateurs, à tel point qu’il est devenu aujourd’hui carrément indispensable. Cette diffusion d’informations ainsi que les multiples services concrets qu’offre IQ a permis aux illustrateurs de consolider leur métier, leur pratique, leur revenu, bref, à obtenir un encadrement nécessaire pour faire face à cette profession multiple et, somme toute, complexe. Illustration Québec aura 30 ans cette année. Il est fondamental que cet anniversaire signale le maintien d’une association forte, en mesure d’envisager l’avenir avec espoir et stabilité. L’argent étant, comme toujours, le nerf de la guerre, il est nécessaire d’appuyer IQ afin de lui donner les moyens de continuer à grandir et à soutenir ses membres avec vigueur. Encouragez Illustration Québec : appuyez-nous ! »

pol turgeon

illustrateur, artiste visuel, professeur d’illustration,
 membre honoraire d’illustration québec, membre professionnel du raav

Pour moi Illustration Québec est plus qu’une simple association professionnelle. Certes, on y trouve appuis, outils, support et références pour nous guider dans notre carrière d’illustrateur, mais c’est aussi et surtout une grande famille ; un endroit chaleureux où partager, où rêver, où s’accomplir, où s’affirmer collectivement. Les rencontres que j’y ai faites et les projets dans lesquels je me suis impliquée se sont toujours avérés très enrichissants. Avec ses 30 années d’existence, Illustration Québec est devenue un phare tant pour les illustrateurs que pour ceux qui les embauchent. Je suis très fière de faire partie de la grande famille des illustrateurs d’ici. Longue vie à Illustration Québec.

sonia roy

illustratrice, présidente actuelle d’iq

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MOTS INSPIRANTS

« Un regroupement ne naît jamais du hasard, mais est toujours le fruit d’un besoin profond, d’une nécessité. » Mireille Levert

17

X

mot

de frédéric back

Frédéric Back

illustrateur et membre honoraire texte paru dans la première version du guide de survie de l’illustrateur

19

XX

introduction

Julien Castanié Selon le dictionnaire de l’Académie française, un illustrateur est un artiste chargé de l’illustration d’un ouvrage. Dans un sens plus large, un illustrateur est un artiste graphique qui met ses talents au service d’un projet afin de l’imager ; c’est donc un créateur d’images.

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La nature du projet auquel contribuera l’illustrateur peut différer d’un contrat à un autre. En effet, il peut s’agir d’illustrer un livre, de produire une illustration de mode pour la haute couture, pour un magazine, un jeu vidéo ou encore de participer à une campagne publicitaire pour vanter un produit. Évidemment, la liste des possibilités est encore bien longue.

L’Association des Illustrateurs et Illustratrices du Québec (AIIQ) a vu officiellement le jour le 26 janvier 1983. Sa mission est de promouvoir et de diffuser l’illustration, ainsi que de regrouper et soutenir les illustrateurs. L’illustration consiste donc à communiquer un message par l’intermédiaire de l’image. Cette pratique est d’ailleurs très ancienne. Pensons par exemple aux nombreuses fresques décorant les murs des cavernes où l’humanité a connu ses premiers balbutiements. À défaut de documents écrits, nous pouvons considérer ces fresques comme un moyen de communication entre ces êtres primitifs et nous, un récit historique en quelque sorte, que nous admirons encore aujourd’hui. Sous cette optique, considérons donc que l’illustrateur pratique l’un des plus vieux métiers du monde. En effet, le métier d’illustrateur est probablement plus ancien que

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l’on oserait le croire. Les textes de lois d’Hammourabi, sixième roi de Babylone, dans la Mésopotamie antique, sont illustrés de son portrait. Les moines du Moyen Âge illustraient aussi les manuscrits qu’ils étaient chargés de transcrire. On peut toutefois considérer que la profession d’illustrateur telle que nous la connaissons aujourd’hui est apparue avec la Renaissance, après l’arrivée de l’imprimerie et des techniques modernes de gravure. Dans le domaine de la mode, elle a connu son apogée au début du XXe siècle, avec des artistes comme Erté ou Gruau, et continue d’évoluer grâce aux médias actuels comme Internet. Certains esprits critiques, sans doute attendris par l’image romantique du peintre crève-la-faim, ont, par le passé, reproché aux illustrateurs de marchander leur art. Il faut cependant se souvenir que le mécénat existe depuis des siècles et que Michel-Ange n’a pas illustré la chapelle Sixtine uniquement par amour de l’art. Vincent van Gogh, pour sa part, figure parmi la longue liste de génies morts dans le besoin. Il est probable que ces artistes auraient aimé vendre un peu plus d’œuvres de leur vivant… C’est donc dans cette optique qu’en 1981, au Québec, un groupe d’illustrateurs a décidé de créer une association. L’Association des Illustrateurs et Illustratrices du Québec (AIIQ), dont le nom changea en novembre 2009 pour Illustration Québec, a vu officiellement le jour le 26 janvier 1983. Sa mission est de promouvoir et de diffuser l’illustration, ainsi que de regrouper et soutenir les illustrateurs. Illustration Québec est fière de regrouper des illustrateurs de renommée internationale autant que des artistes amateurs, qui sont unis dans un même désir de création artistique et dans une même volonté de succès.

INTRODUCTION

Depuis sa création, l’Association a mis sur pied de multiples outils de promotion à l’intention des illustrateurs. Elle a également conçu des documents traitant de droits d’auteur, de contrats, de licences et d’autres spécificités reliées au métier d’illustrateur. Elle offre des formations, des conférences et des services-conseils dans le but d’aider les artistes à développer leur carrière. Sa connaissance des aléas de la profession fait en sorte que l’Association constitue un allié de grande importance pour tous les illustrateurs. Forte de son expérience, Illustration Québec est consciente des nombreuses difficultés jalonnant le parcours des illustrateurs souhaitant mener une carrière florissante. Elle a donc jugé bon de concevoir ce Guide de survie. Ce guide est un outil qui, tout en répondant aux questions les plus fréquentes, fournira les pistes de recherche permettant d’obtenir de plus amples informations sur un sujet précis. Il est toutefois indéniable que l’aide provenant des nombreux corps de métiers dont il sera question tout au long de cet ouvrage est irremplaçable. La première version de ce Guide date de 2009. Celle que vous lisez en ce moment est une nouvelle édition, mise à jour et bonifiée en 20132014. Comme nous le savons tous, les mondes autour desquels gravite l’illustration sont plutôt changeants et ils évoluent rapidement. Il se peut donc que les informations se trouvant dans ce guide changent encore au fil du temps, notamment en ce qui concerne les impôts, les revenus de droit d’auteur ainsi que les contrats. Entre temps, Illustration Québec souhaite ardemment que vous soyez satisfaits du contenu et que ce document puisse vous être d’une grande aide… Bonne lecture !

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XXX

le marché

Élisabeth Eudes-Pascal Les fréquentes enquêtes effectuées par Illustration Québec depuis 2006 ont permis de dresser un portrait du marché de l’illustration au Québec. Bien que voulant nous concentrer sur la réalité québécoise, nous avons pu remarquer que les tendances principales sont approximativement les mêmes dans tous les pays industrialisés. Il existe cependant quelques particularités propres au marché québécois.

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En effet, il s’agit d’un marché assez protectionniste, dans la mesure où il privilégie généralement les contacts et les entreprises de régions environnantes. La particularité liée à la condition francophone minoritaire du Québec, au sein d’un continent presque unilingue anglophone, justifie aussi cette attitude. Toutefois, les gouvernements provincial et fédéral, grâce aux diverses subventions et crédits d’impôts, entre autres pour les maisons d’édition et les magazines, soutiennent le secteur en stimulant la diversité culturelle et en favorisant la qualité des contenus écrits et visuels.

Les illustrateurs ne sont plus uniquement en compétition avec un petit nombre d’artistes œuvrant dans la même région, mais avec des illustrateurs qui habitent aux quatre coins du monde. Malgré cela, le marché dans son ensemble demeure limité, compte tenu du nombre important d’illustrateurs qui tentent de s’y démarquer. C’est pourquoi il est stratégique, pour tout illustrateur, d’étendre le plus possible le secteur géographique de son activité, afin de rejoindre une clientèle plus nombreuse. En effet, le marché québécois ne peut fournir qu’un nombre restreint de contrats par année. À ces caractéristiques particulières s’ajoutent les divers changements

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qui ont marqué le marché de l’illustration ces dernières années. Les techniques de création ont évolué, laissant de plus en plus de place à l’outil informatique, l’illustrateur devant ainsi se perfectionner et s’adapter en numérisant ses œuvres afin de répondre aux standards de l’industrie. Évidemment, cela entraîne plusieurs conséquences pour l’illustrateur, qu’elles soient financières ou qu’elles soient liées au temps qu’il devra consacrer à l’apprentissage de ces nouvelles méthodes. Cependant, ses efforts seront sûrement récompensés, car ils plairont sans doute aux clients, qui auront ainsi accès plus facilement et rapidement aux créations des artistes s’étant ajustés aux nouvelles options offertes par les avancées technologiques. De plus, il faut prendre en considération la mondialisation du marché, qui bat son plein. Cela se traduit par une augmentation de la concurrence. Les illustrateurs ne sont plus uniquement en compétition avec un petit nombre d’artistes œuvrant dans la même région, mais avec des illustrateurs qui habitent aux quatre coins du monde. À cela s’ajoute la compétition provenant des banques d’images et des autres corps de métier, en l’occurrence les photographes et les designers graphiques. D’autre part, nous remarquons une baisse constante des tarifs proposés aux illustrateurs en échange de leurs services. La multiplication des supports possibles voués à la promotion d’un produit – la publicité télévisuelle, les sites Web, les encadrés de magazine, par exemple – a entraîné une segmentation des budgets alloués à cette promotion, diminuant conséquemment les montants disponibles pour l’achat d’illustrations. Autrement dit, les agences de publicité et les maisons d’édition, pour ne nommer que

LE MARCHÉ

celles-là, utilisent différents moyens pour rejoindre des clientèles très précises, ce qui entraîne une segmentation des dépenses, résultant fréquemment en une diminution des cachets disponibles pour la rémunération des artistes créateurs d’images. Par contre, les supports qui se multiplient (Internet, packaging, vêtements, alimentation, etc.) n’entraînent pas que des soucis. Les contrats sont certes moins importants (en termes de durée et de revenus), mais la diversité des supports proposés stimule la créativité des illustrateurs et multiplie les sources potentielles de revenus. Il faut aussi mentionner que le marché de l’illustration est dépendant, comme tout autre marché, de la situation économique globale. Il suffit de penser au tristement célèbre 11 septembre 2001… Bien que de prime abord ces évènements ne semblent pas être en lien direct avec le domaine de l’illustration, nous avons pu remarquer, en discutant avec certains illustrateurs professionnels ainsi que d’autres associations (CAPIC, Society of Illustrators de New York) que le nombre de contrats circulant dans le domaine a significativement diminué après cette date fatidique. Il aura fallu attendre l’hiver 2008 pour que le nombre des contrats soit similaire à celui d’avant le 11 septembre. Dans le même esprit, la crise financière de l’automne 2008 a provoqué une diminution semblable dans plusieurs domaines d’activité économique. Ces crises sont toujours difficiles à traverser. D’ailleurs, il en résulte ce que l’on pourrait appeler une sélection naturelle. Indéniablement, les illustrateurs se trouvant dans une situation plus précaire n’ont pas les ressources nécessaires pour tenir le coup. Les conséquences de cette sélection se traduisent donc généralement par une réduction du nombre d’illustrateurs actifs, diminuant quelque peu le degré de concurrence. Attention par contre : pour bénéficier de cette ouverture forcée, il aura préalablement fallu faire figure de professionnel bien équipé et faire preuve d’habileté en gestion pour ne

pas se retrouver plutôt parmi ceux ayant été naturellement expulsés du marché… Évidemment, cette description du marché québécois de l’illustration est très sommaire et constamment sujette aux changements. Il s’agit donc d’une vision globale ne tenant pas compte des particularités propres au style de chaque illustrateur. Rappelons que le style particulier d’un illustrateur définit souvent la nature de sa clientèle et que ces considérations participent à confirmer ou non les informations rapportées ci-dessus.

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1

LE STATUT DE TRAVAILLEUR AUTONOME : LE CAS DE L’ARTISTE ILLUSTRATEUR...

Christine Roy Bien sûr, le statut de travailleur autonome est accompagné de son lot de complications… Surtout lorsque vient la saison des comptes et des impôts ! Cette section vise à vous donner l’essentiel des informations à ce sujet et des astuces de base pour atteindre une certaine sécurité financière.

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CHAPITR E 1

Pour en savoir plus, nous vous invitons à consulter les sites Internet des gouvernements ou encore un comptable professionnel connaissant les particularités des déclarations des travailleurs autonomes. Ce dernier vous accompagnera dans les méandres de l’administration, vous montrant la voie à suivre pour atteindre la lumière au bout du tunnel… Il vous fera probablement gagner beaucoup de temps, tout en vous assurant de démarrer votre activité convenablement. Cela dit, les informations suivantes pourront vous guider judicieusement si vous souhaitez faire les démarches vous-même. En effet, il s’agit ici de vous fournir les informations de base afin que vous puissiez vous poser les bonnes questions.

1.1

UN PLAN ? BON PLAN ! Le plan d’affaires est un document indispensable pour toute personne qui souhaite démarrer son entreprise. Il vous permettra d’écrire noir sur blanc les différentes étapes de votre projet et ainsi de voir s’il est réalisable ou non. De plus, c’est un très bon moyen d’éclaircir certains points ou de tout simplement approfondir vos connaissances. D’ailleurs, il s’avère indispensable si vous souhaitez obtenir des bourses ou des prêts auprès des institutions financières ou gouvernementales. Il existe plusieurs formes de plan d’affaires, mais les grandes lignes sont toujours, à peu de choses près, les mêmes.

à savoir :

Qui êtes-vous ? Qu’offrez-vous  ?  uels sont vos secteurs d’activité, votre marché Q cible ? Quelle est la concurrence ?

E xiste-t-il des lois ou des règlements qui régissent votre métier ? Quelle est votre stratégie de vente, de promotion ? Quelles sont vos prévisions budgétaires ?

Avez-vous un plan d’action accompagné d’un échéancier réaliste ?

Nous vous invitons fortement à vous exercer à remplir un plan d’affaires. Cela ne peut que vous aider. Il est possible de trouver des modèles prêts à remplir sur Internet, dans un centre de coopération et de développement économique communautaire (CDEC), dans un centre local de développement (CLD) ou encore dans un centre local d’emploi (CLE). Michael Fleishman, dans son livre Starting your Career as a Freelance Illustrator or Graphic Designer, fournit aussi des informations très utiles pour la rédaction d’un plan d’action. Il souligne tout d’abord l’importance d’avoir des buts qui refléteront vos valeurs professionnelles et personnelles, sans quoi vous serez éventuellement aux prises avec des dilemmes moraux compliqués qui auraient pu être évités dès la rédaction du plan d’affaires. Il est aussi primordial de vous fixer des buts réalistes et de vous donner le temps nécessaire à l’accomplissement des diverses étapes de votre plan. Le but n’est pas de vous créer volontairement des contraintes et de vous tuer à la tâche avant d’avoir obtenu votre premier contrat. Dans cette optique, il est avantageux d’évaluer le temps que chaque étape de préparation peut exiger et de déployer vos efforts en fonction d’une liste de priorités préétablies. Fleishman propose aussi de concevoir un plan d’action réparti sur un an, que l’on pourra ensuite fractionner en douze mois en suivant la logique des priorités et les saisons du marché dans lequel vous œuvrez. Il peut être utile de préparer des « sous–plans » qui couvriront les différentes catégories à étudier avant de bâtir votre entreprise. Par exemple, évaluez vos besoins en ce qui concerne d’abord toute la promotion de votre entreprise, voire de votre personne même ; ensuite, tout ce qui concerne la facturation (le taux horaire auquel vous travaillerez ou la tarification des différents services que vous offrirez, etc.) ; finalement, tout ce qui relève de la sphère administrative (la paperasse). Ces subdivisions ne sont que des suggestions. Vous verrez vous-même ce qui convient le mieux à votre projet personnel. Après tout, vous êtes travailleur autonome, non ? Penser à long terme est probablement le meilleur conseil quant à la conception du plan d’affaires. Marc Burckhardt, dans la rubrique « Ask a pro » du site www.illustrationmundo.com, spécifie que la réflexion à

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LE STATUT DE TRAVAILLEUR AUTONOME : LE CAS DE L’ARTISTE ILLUSTRATEUR….

court terme signifie aussi une carrière à court terme… Il importe avant tout de bien comprendre la fonction du plan d’affaires. Il sera très utile pour fixer des balises, mais ne devra pas devenir un handicap. Idéalement, il devra compter une douzaine d’éléments et demeurer souple pour éviter qu’il soit ruiné (et vous de même) dès l’apparition des premières complications. Vous pourrez le réécrire autant de fois que nécessaire. Voilà pourquoi il est fortement conseillé de le rédiger alors que vous possédez des réserves financières importantes (voire avant de quitter votre emploi conventionnel). Jean-Benoît Nadeau, pour sa part, dans son Guide du travailleur autonome : tout pour faire carrière chez soi, suggère de garder en tête, lors de la rédaction de votre plan d’affaires, qu’il devra plaire aux banquiers, à vos futurs associés ainsi qu’à vos clients, raison pour laquelle il doit être propre et correspondre le plus possible à vos envies et ambitions. Selon lui, il est fortement recommandé de prévoir un plan B, qui s’avérera très utile advenant un problème majeur. Quoi qu’il en soit, il importera de garder votre plan bien en vue et de vous y référer dès que vous sentirez le besoin de vous rafraîchir la mémoire quant à vos objectifs et aux voies à suivre pour les atteindre…

1.2

COOP, LTÉE, INC. ET COMPAGNIE ! Il existe de multiples formes juridiques d’entreprise. En fonction de nos intérêts, nous ne détaillerons que l’entreprise individuelle (la situation du travailleur autonome à proprement parler), la société en nom collectif, la compagnie (l’entreprise incorporée) et la coopérative. En effet, ce sont les formes juridiques d’entreprise les plus communes. Certes, diverses caractéristiques de votre entreprise et de votre situation financière guideront votre choix quant à la forme juridique que vous choisirez. Gardez bien en tête que chacune entraîne différentes obligations et qu’il n’existe aucune formule miracle pouvant vous dégager de toute responsabilité. Voici donc une liste des principales caractéristiques de chacune des options. Nous vous invitons à consulter le site Internet La boussole entrepreneuriale pour passer le test et trouver la forme juridique qui vous convient le mieux. La liste que nous présentons ici est tirée du Guide du travailleur autonome : tout pour faire carrière chez soi de J.-B. Nadeau.

les principales caractéristiques de l’entreprise individuelle :

 ne seule personne est propriétaire de l’actif U de l’entreprise ;  ’entreprise n’est pas une personne morale disL tincte du propriétaire, mais se confond avec lui ;  e patrimoine de l’entreprise se confond égaleL ment avec celui du propriétaire ;  n cas de faillite, les biens personnels du proE priétaire peuvent être saisis ;  e propriétaire possède l’entièreté de l’actif de L l’entreprise ;  e propriétaire perçoit les revenus et assume L toutes les responsabilités financières et administratives ;  i le nom complet du propriétaire apparaît dans S la raison sociale, l’immatriculation n’est pas obligatoire ; Il n’y a aucune obligation d’incorporation.

Cette forme d’entreprise est la plus courante chez les travailleurs autonomes. Elle existe dès qu’une personne exerce une activité économique donnée dans le but d’offrir un bien ou un service. Dans cette situation, il n’est même pas nécessaire d’être incorporé pour embaucher quelqu’un d’autre, advenant que les contrats coulent à flots. De plus, cette formule bénéficie des mêmes avantages fiscaux que les autres formules énumérées plus loin (Nadeau, 2007). Aussi, lorsque le travailleur autonome est le seul représentant de son entreprise, son revenu imposable annuel comprendra la totalité du bénéfice ou de la perte nette de son entreprise. Pour toute autre forme d’entreprise, son revenu sera soit proportionnel à sa part dans l’entreprise, soit en fonction des montants que lui verse sa société.

les principales caractéristiques de la société en nom collectif (SENC) :

 ette forme d’entreprise exige le regroupeC ment d’au moins deux personnes physiques ou morales (associés) ;  haque associé a le pouvoir d’administrer la C société ;  es fondateurs peuvent nommer un associé ou L un administrateur extérieur rémunéré pour gérer la société ;  es décisions sont prises à la majorité des voix, L sauf celles qui concernent la modification de la convention sociétaire, qui doivent être prises à l’unanimité ;  a participation aux bénéfices et aux dettes est L égale entre les associés, sauf avis contraire ;  es responsabilités juridiques et financières des L associés sont illimitées (les avoirs personnels respectifs des associés pourraient être saisis si la société devenait insolvable ou faisait faillite) ;

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CHAPITR E 1

 es associés ont une responsabilité solidaire L (advenant qu’un associé soit poursuivi par un client et doive déclarer faillite, les dettes de cette personne incomberont aux autres associés de la société). Cette forme juridique exige l’immatriculation. Il est aussi fortement conseillé de rédiger une convention sociétaire avec un avocat ou un notaire. S’il arrive qu’un associé désire quitter la société, la disposition de ses parts sera clairement établie selon une formule préétablie qui figurera dans la convention.

elle demande beaucoup de temps et d’énergie en paperasserie. D’ailleurs, si le chiffre d’affaires d’une entreprise ne dépasse pas 100 000 $, des motifs autres que pécuniaires devraient être envisagés pour songer à l’incorporation. Même au-delà de cette limite, il est conseillé de voir un spécialiste pour bien peser toutes les implications d’une telle démarche.

les principales caractéristiques de la compagnie

 inq (5) fondateurs sont requis pour demander C la constitution d’une coopérative ;

(aussi appelée « personne morale à but lucratif », « société par actions » ou «entreprise incorporée»)

 a compagnie est formée d’une ou de L plusieurs personnes physiques ou morales (actionnaires) ; Il s’agit d’une personne morale, distincte des actionnaires ;  a compagnie possède une mise de fonds appeL lée « capital-actions » composée de l’ensemble des actions ;  a responsabilité des actionnaires est limitée à L leur mise de fonds ;  a compagnie peut être constituée sous le L régime d’une loi provinciale ou fédérale. Si vous avez l’intention de faire des affaires uniquement au Québec, il serait probablement plus approprié que la société soit constituée sous le régime d’une loi provinciale. Toutefois, si elle est constituée en vertu d’une loi fédérale (L .R.C. (1985), ch. C-44), sa dénomination sociale sera protégée partout au Canada;  es bénéfices sont répartis entre les actionnaires L sous forme de dividendes ;  n actionnaire peut également être employé et U recevoir un salaire à ce titre.

Puisque la compagnie est tout à fait dissociée des personnes que sont les actionnaires, elle emprunte en son propre nom et fait ses propres déclarations de revenus (elle doit conséquemment produire ses états financiers chaque année). Au Québec, le taux d’imposition des sociétés est particulièrement avantageux. Investissement Québec nous informe que ce taux (28,4 %) est un des plus bas en Amérique du Nord. Bien évidemment, les risques personnels pour les actionnaires y sont beaucoup moins élevés, mais il faut préciser que leur poids décisionnel se détermine en fonction du capital investi. De prime abord, cette solution semble idéale, mais

les principales caractéristiques de la coopérative :

Il faut répondre à des besoins économiques et sociaux communs (exploiter une entreprise pour profiter de ses services) ;  a coopérative est une personne morale disL tincte des membres ;  a coopérative possède un capital social (parts L sociales, parts privilégiées, etc.) ;  a responsabilité des membres est limitée à la L valeur des parts souscrites ;  a coopérative est constituée en vertu d’une loi L précise, la Loi sur les coopératives.

La coopérative n’est pas moins paperassière que la compagnie. Toutefois, le pouvoir décisionnel de chacun est également réparti, quelle que soit la valeur de la mise de fonds investie par chaque membre. Par contre, l’un des avantages d’une incorporation en coopérative est le coût très minime de l’investissement de démarrage, contrairement aux compagnies incorporées de façon « classique ». Il existe différentes formes de coopératives : de travail, de solidarité, de consommateur, financière, de vente au détail, de services, de producteurs ou encore à partenaires multiples. Pour de plus amples informations, vous pouvez visiter le site suivant : www.coop.gc.ca/coop Il existe encore une autre option susceptible de convenir aux travailleurs autonomes, qui ne constitue toutefois pas une forme juridique d’entreprise en soi. Il s’agit de la société de dépenses. Cette solution relève plutôt de l’entente tacite entre individus ayant besoin des mêmes ressources. Ils lient leurs activités non pour partager leurs profits, mais plutôt pour mettre en commun leurs dépenses et réduire ainsi les coûts de location d’un bureau, par exemple ; tout comme des colocataires, des illustrateurs peuvent décider de partager un studio. Bien sûr, avant d’opter pour l’une ou l’autre des solutions énumérées ci-dessus, nous vous suggérons de consulter un avocat, un comptable agréé ou un fiscaliste… et pourquoi pas les trois, si le temps (et l’argent) vous le permet ! Une fois que vous aurez opté pour une forme ou une autre d’entreprise, il sera important pour

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LE STATUT DE TRAVAILLEUR AUTONOME : LE CAS DE L’ARTISTE ILLUSTRATEUR….

vous d’aller consulter la définition du travailleur autonome fournie par Revenu Québec, puisque c’est selon cette définition que seront modulées vos déclarations de revenus ainsi que vos responsabilités fiscales face à l’État. Aussi, des détails s’appliquant au statut de travailleur autonome du domaine artistique sont intéressants à connaître. Pour de plus amples informations à ce sujet, visitez ce lien : www.revenuquebec.ca/fr/ citoyen/situation/travailleur_autonome/travailleur_autonome_salarie/criteres/default. aspx

1.3

IMMATRICULÉ ? EN ROUTE ! L’immatriculation n’est pas toujours obligatoire. En effet, l’exercice d’une entreprise individuelle n’exige pas forcément l’immatriculation. De fait, une seule situation particulière demande que l’entreprise individuelle soit immatriculée. Quiconque exploite une entreprise individuelle au Québec, sous un nom d’entreprise n’étant pas constitué du nom complet ainsi que du prénom du propriétaire (par exemple, Illustrations Rémy D.), doit s’enregistrer auprès du Registraire des entreprises (www.registreentreprises.gouv. qc.ca) avant d’utiliser ce nom pour affaires. L’immatriculation d’une entreprise doit absolument se faire dans les 60 jours suivant le début de ses activités. D’ailleurs, le Registraire vous permet maintenant de remplir votre demande d’immatriculation en ligne. Si vous préférez, vous pouvez toujours remplir le formulaire disponible aux différents points de service du Registraire des entreprises du Québec. Vous pourrez d’ailleurs y recevoir encore plus de renseignements sur les formalités d’immatriculation relatives à chaque forme juridique d’entreprise. Enregistrer un nom d’entreprise sert à le protéger en vous garantissant son exclusivité dans un territoire donné, en l’occurrence le Québec.

registre des entreprises afin d’immatriculer la coopérative. La coopérative doit cependant produire une déclaration initiale dans les 60 jours suivant la date de son immatriculation au registre des entreprises.

les personnes morales (les compagnies) de droit privé qui sont constituées en vertu des lois du Québec doivent aussi procéder à une immatriculation. Pour plus d’informations, visitez le site : www.registreentreprises.gouv.qc.ca/fr/ demarrer/constituer-cie.aspx Les documents à fournir sont assez imposants et il peut vous en coûter en moyenne 1 500 $ si vous faites affaire avec un avocat ou un notaire.

1.4

TAXES EN SUS ?

la société en nom collectif est

toujours tenue de s’immatriculer. Là aussi, l’immatriculation doit s’opérer dans les 60 jours suivant le début de ses activités. Il vous en coûtera toutefois une cinquantaine de dollars.

la coopérative, pour sa part, doit se constituer auprès du Ministère des Finances et de l’Économie (www.mdeie.gouv.qc.ca). Celui-ci transmet une copie des statuts de constitution de la coopérative au Registraire, qui les déposera au

Le travailleur autonome dont le montant des ventes taxables et détaxées est inférieur à 30 000 $ (seuil de petit fournisseur) pour les quatre derniers trimestres n’est pas obligé de s’inscrire à la TPS et à la TVQ auprès de Revenu Québec. Par contre, au-delà de ce montant, il est tenu de le faire. En ce qui concerne l’inscription aux taxes, il est important de préciser que l’année fiscale peut être différente de l’année civile.

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CHAPITR E 1

En effet, les déclarations de revenus doivent se faire en fonction du calendrier civil. Toutefois, les états financiers d’une entreprise ne doivent pas nécessairement suivre ce même calendrier, tant et aussi longtemps qu’ils sont produits une fois l’an. Le travailleur autonome qui a un exercice financier décalé devra toutefois redresser ses revenus et dépenses en fonction de l’année civile pour préparer ses déclarations de revenus. Si une entreprise dépasse le seuil de petit fournisseur pendant l’année fiscale, elle devra obligatoirement s’inscrire à la TPS et à la TVQ. Par contre, c’est l’étalement de votre dépassement de revenu qui prescrira le délai que vous aurez pour vous y inscrire (selon que vous aurez atteint 30 000 $ au cours des quatre derniers trimestres civils ou dans un seul trimestre civil). Cette précision est importante, car l’entreprise qui n’aura pas prévu de tels revenus et ne se sera pas inscrite auprès de Revenu Québec n’aura pas facturé les taxes à ses clients, mais elle aura tout de même à les payer dans ses déclarations de taxes. Si le travailleur autonome n’est pas inscrit aux taxes fédérale et provinciale, il ne peut pas percevoir ces deux taxes sur ses ventes et ne peut pas non plus réclamer le remboursement de celles-ci sur ses achats. Cependant, une fois que le travailleur est inscrit, les taxes sur les achats faits dans le cadre des activités commerciales peuvent lui être remboursées. La TPS et la TVQ devront par contre être facturées pour tous les services qu’il offrira à sa clientèle. Il faut aussi mentionner que les taxes ne peuvent être appliquées qu’aux ventes faites sur les territoires où elles sont en vigueur. Si vous choisissez de vous inscrire, vous devrez compter quelques semaines pour obtenir vos numéros de facturation des taxes. Si vous ne comprenez pas tout, tout de suite, soyez sans crainte : Revenu Québec a pensé à produire un cahier d’instructions qui vous sera acheminé avec vos numéros. Si votre chiffre d’affaires est inférieur à 200 000 $ par année, nous vous conseillons de produire une déclaration annuelle plutôt que trimestrielle. Si les dépenses pour lesquelles vous payez des taxes ne sont pas trop élevées, il peut être avantageux d’opter pour la méthode du calcul rapide, qui vous exemptera de calculer les taxes sur chacun de vos achats. Faire ces choix au moment de l’inscription pourrait vous simplifier la tâche, diminuer la paperasse et vous éviter les échéances trop nombreuses. Autre petit conseil judicieux : détaillez vos factures de façon à ce que le client puisse voir facilement à combien s’élèvent la TPS et la TVQ reliées à ses achats. De toute façon, la loi exige que vous inscriviez vos numéros de taxes, en plus d’indiquer si les taxes sont incluses ou non

dans le total de la facture. Pour des factures de 30 $ et moins, vous n’êtes pas tenus d’inscrire la TPS (la TVQ toujours, par contre), mais question de transparence et de confiance, nous vous suggérons fortement de prendre l’habitude de toujours indiquer le montant des deux taxes (lorsque celles-ci s’appliquent, évidemment). De votre côté, déposez l’argent reçu en vertu des taxes dans un compte séparé qui sera consacré au fisc ; cela facilitera les choses lors de vos paiements d’impôts (Nadeau, 2007). Détail important, si vous n’êtes pas considéré comme un petit fournisseur (revenus inférieurs à 30 000 $), vous devez obligatoirement remplir une demande d’inscription à la TVQ avant d’effectuer votre première vente taxable. Toute entreprise exerçant des activités commerciales au Québec, qu’elle souscrive ou non au programme de TPS et de TVQ, doit s’inscrire aux fichiers de Revenu Québec (www.revenu. gouv.qc.ca/fr/sepf/services/l_taxes.aspx). Ce site vous fournira toutes les informations nécessaires pour vous inscrire et vous pourrez même le faire en ligne !

formulaire LM-1 (www.revenu.gouv.qc.ca/fr/sepf/formulaires/ lm/lm-1.aspx) « Ce formulaire s’adresse à tout particulier en affaires, à toute société, à toute association et à tout autre type d’entreprise qui veut s’inscrire aux différents fichiers de Revenu Québec (retenues à la source, TPS / TVH, TVQ, autres taxes, etc.) ».

1.5

BUDGÉTER, COMPTER, FINANCER… SANS RAGER ! Si vous doutez de vos habiletés en gestion financière, il est toujours recommandé de recourir aux services d’un comptable. Toutefois, il importe de choisir judicieusement la personne à qui vous ferez confiance. De plus, veillez à travailler avec un comptable qui aura de l’expérience avec les travailleurs autonomes, le droit d’auteur et plus précisément avec le domaine des arts ou de la culture. Son expertise vous fera probablement épargner temps et argent. D’ailleurs, il vous sera certainement possible de trouver des références de comptables sur les sites d’associations ou en discutant avec vos collègues illustrateurs. Malgré tous les bons conseils que vous fournira votre comptable, il est impératif, à la base, de savoir budgéter. Évidemment, si votre budget mensuel est bien défini et que vous arrivez à vous

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LE STATUT DE TRAVAILLEUR AUTONOME : LE CAS DE L’ARTISTE ILLUSTRATEUR….

y tenir, vous ne ferez pas face à des dépenses supplémentaires imprévues ou pire, à un déficit important en fin d’année. Scratchmann, dans son manuel Illustration 101: Streetwise Tactics for Surviving as a Freelance Illustrator, vous suggère d’établir un budget en trois étapes. La première étape consiste en l’élaboration de la liste des dépenses mensuelles fixes (téléphone, loyer, Internet, assurances, etc. ; en ce qui concerne l’électricité, le système à paiements égaux est l’idéal pour budgéter). De cette manière, vous connaîtrez le montant mensuel nécessaire à la survie de votre entreprise. Une fois cette étape accomplie, vous devrez vous constituer une réserve dans un compte d’épargne indépendant seconde étape. D’après l’auteur, ce compte devrait à lui seul contenir assez d’argent pour couvrir trois mois de dépenses mensuelles. C’est ce que l’on appelle couramment un coussin financier. L’idéal est d’ouvrir un compte épargne à taux d’intérêt élevé. Vous ne devrez pas non plus vous balader avec la carte de guichet de ce compte dans vos poches. Il s’agit d’épargner le plus possible et de n’utiliser cet argent qu’en cas d’urgence. Scratchmann vous suggère d’y déposer l’équivalent de 20 % de vos revenus mensuels, comme s’il s’agissait d’une facture à payer chaque mois. Vous pouvez même demander à ce qu’un versement automatique se fasse chaque mois de votre compte courant à votre compte épargne. La troisième étape de votre plan budgétaire est de prévoir une manière d’économiser pour les dépenses que vous devez engager lors d’occasions spéciales (Noël, par exemple). Il s’agit aussi de la planification du budget à très long terme, y compris vos cotisations à des REER. Éventuellement, vous pouvez prévoir du capital pour tout autre investissement. Vous devrez aussi prévoir une date ou un moment précis – trois ou quatre fois par année admettons – pour revoir votre budget de façon à ce qu’il tienne compte de vos revenus réels, advenant une baisse ou une hausse de ces derniers.

Par contre, avant même de lancer votre entreprise, vous aurez à calculer la somme minimale nécessaire à sa mise en route. D’après Fleishmann, il s’agit de faire une liste de ce qu’il appelle les « start-up costs » (coûts de démarrage), c’està-dire le cumul des coûts de l’équipement que vous aurez à acheter, des coûts d’immatriculation (le cas échéant), des licences nécessaires et de toute autre dépense pour faire la promotion de votre entreprise. Il va sans dire que la publicité constitue une dépense constante, mais vous

Malgré tous les bons conseils que vous fournira votre comptable, il est impératif, à la base, de savoir budgéter. pourrez par la suite l’inclure dans votre budget mensuel. Lorsque vous aurez calculé le montant nécessaire au lancement de votre entreprise, il sera plus facile de savoir de combien d’argent vous devrez disposer dès le départ. De cette manière, vous pourrez évaluer la viabilité de votre projet en fonction des revenus escomptés. Vous serez également à même d’estimer de façon réaliste le taux horaire auquel vous devrez travailler pour vous assurer des revenus suffisants. Fleischmann suggère d’épargner pour couvrir la totalité de vos coûts de démarrage et, si possible, pour survivre de six à douze mois, avant même de vous lancer en affaires. Cette suggestion se base sur la réticence des institutions bancaires à prêter des sommes importantes aux travailleurs autonomes. Il sera effectivement plus facile d’obtenir un emprunt pour subventionner une entreprise déjà en fonction. D’ailleurs, ces prêts ne

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CHAPITR E 1

Frais de bureau : 100 % de vos dépenses en la matière sont déductibles.

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sont pas toujours la meilleure des solutions, compte tenu des taux d’intérêt très élevés ou des conditions d’emprunt souvent défavorables pour qui emprunte sans détenir une grande valeur de garantie (hypothèque, voiture, cosignataire, etc.). En effet, il vaut mieux, au départ, garder votre capital pour investir dans votre entreprise et soumettre une demande de prêt une fois que la viabilité de votre projet pourra être clairement démontrée aux prêteurs. Pour les mêmes raisons, gardez toujours un œil sur votre historique de crédit. Toutes ces mesures vous permettront d’établir de meilleures relations avec votre banquier. Aussi, soyez certain de pouvoir fournir les réponses aux questions de ce dernier lorsque vous le rencontrerez pour contracter un emprunt. Évidemment, il vous faudra prouver que vous pourrez facilement rembourser votre dette. En d’autres mots, le banquier voudra s’assurer de la sécurité de son propre investissement. Pour ce faire, il investiguera inévitablement sur votre historique de crédit. Il est donc possible que vous préfériez emprunter de votre famille ou même de vos amis si cette option se révèle possible. N’oubliez toutefois pas de remplir un contrat semblable à ce que la banque vous demanderait de signer. Cela pourra d’ailleurs aider à mettre vos proches en confiance. Jean-Benoît Nadeau y va aussi de ses conseils éclairés à l’égard des demandes de prêts. Il s’agit de pouvoir présenter un plan d’affaires clair et réaliste. Ne tentez pas de gonfler les chiffres, tenezvous-en aux faits. De plus, assurez-vous que vos documents soient courts et faciles à lire. Il peut s’avérer très utile de pouvoir démontrer que vous avez une source parallèle de revenus. Aussi, il est évident qu’une lettre d’intention écrite par un client potentiel vous aidera à obtenir des fonds. Finalement, votre historique bancaire doit être bien présenté. Ne cachez aucune information au banquier, il voudra et pourra tout savoir et il vaudrait mieux que l’information lui soit fournie par vous-même, cela démontrera votre bonne foi.

LE STATUT DE TRAVAILLEUR AUTONOME : LE CAS DE L’ARTISTE ILLUSTRATEUR….

Une fois votre budget bien ficelé, il s’agit de s’y tenir, mais surtout, de bien tenir ses livres comptables ! Dans son guide L’art de gérer sa carrière, le Conseil des ressources humaines du secteur culturel expose très bien les nécessités d’une bonne comptabilité. La tenue de livre peut se faire selon trois modèles. Celui de « la boîte » consiste en un ramassis de toutes vos factures pêle-mêle… Une boîte de Pandore lorsqu’arrive le temps des impôts, quoi ! Vous aurez compris que ce n’est pas la méthode à privilégier. Vous pouvez plutôt opter pour la méthode de « l’accordéon », un tantinet plus compliquée, mais tellement plus efficace, qui vise à procéder à un classement de vos factures dès leur réception. Vous identifiez les onglets de votre accordéon en catégories : revenus de projets X, dépenses de projet Y, etc… Cela vous facilitera grandement la tâche ! Toutefois, pour être le plus préparé possible et pour garder un contrôle certain sur vos finances, l’idéal est d’opter pour le livre de comptes à proprement parler, avec toutes les colonnes d’intrants et d’extrants que ce dernier puisse contenir. Vous pouvez utiliser un fichier Excel, une feuille quadrillée ou encore le fameux livre comptable relié aux pages à colonnes… L’avantage est effectivement de vous procurer un contrôle plus serré. Cette méthode vous permet de suivre la trajectoire de votre argent à la facture près. Avec cet outil, vous réussissez même à prévoir si vous aurez à négocier au plus serré vos versements d’honoraires, à demander un prêt pour boucler quelques mois plus difficiles ou encore à profiter d’un projet lucratif pour faire des épargnes en vue d’une dépense importante annoncée. Et comme nous le rappelle bien le Conseil des ressources humaines du secteur culturel, « dix minutes aujourd’hui peuvent vous éviter quelques heures de travail plus tard ». Il vous sera également très utile de bien connaître la manière appropriée de remplir vos formulaires de déclarations de revenus. Dès le début de votre activité, il est important de garder les reçus de toutes vos dépenses d’entreprise, pour les déduire de votre revenu annuel et pour faciliter le paiement ou le remboursement de la TPS et de la TVQ (si vous êtes inscrit, ce remboursement a lieu tous les trimestres). Si vous utilisez la méthode générale du calcul des taxes, le montant du chèque que vous recevrez ou que vous devrez envoyer sera égal à la différence entre les taxes perçues et les taxes payées. Si vous utilisez la méthode du calcul rapide, le montant à envoyer ou à percevoir est un pourcentage des taxes perçues, moins les taxes que vous avez payées sur les biens en immobilisation, c’està-dire des biens que l’on amortit sur plusieurs années (par exemple, un ordinateur).

Il est important de préciser que le montant à déduire de vos impôts n’est pas le même si vous êtes enregistré à la TPS et à la TVQ. Si vous êtes inscrit et que vous facturez ces deux taxes à votre clientèle, les montants déductibles doivent être calculés avant taxes. Par contre, si vous utilisez la méthode du calcul rapide, vous inscrivez le total des dépenses admissibles incluant les taxes, mais vous devez ajouter à vos revenus la différence entre le montant réel des taxes perçues et la somme remboursée au gouvernement (il arrive en effet, selon cette méthode de calcul, qu’on doive rembourser moins de taxes que celles qu’on a réellement perçues). Dans ce cas, les immobilisations sont calculées avant taxes. Si vous n’êtes pas inscrit au programme de TPS / TVQ du gouvernement, les montants pouvant être déduits incluent les taxes (voir le guide d’impôt pour les différentes catégories). Hormis le remboursement des taxes, une autre raison, plus réjouissante encore, prescrit la comptabilisation consciencieuse de vos dépenses, puisque plusieurs d’entre elles sont déductibles d’impôt pour les travailleurs autonomes. Voici une liste non exhaustive des principales déductions reliées à votre activité qui sont acceptées lors de la soumission de votre déclaration de revenus. Certaines dépenses non admissibles pour les déductions sur le revenu peuvent toutefois faire l’objet de crédit d’impôt. À noter que les déductions permises sont à peu de choses près les mêmes au fédéral et au provincial, mais pour en connaître les détails et les spécificités, consultez les brochures suivantes : www.revenuquebec.ca/documents/fr/publications/in/in-155(2012-10).pdf http://www.cra-arc.gc.ca/F/pub/tg/t4002/ t4002-12f.pdf

frais de bureau : 100 % de vos dépenses en la matière sont déductibles. Mais attention, le mobilier de bureau par exemple ou encore les calculatrices et les classeurs sont pour leur part considérés comme des dépenses en capital. Pour en connaître davantage sur la nature des dépenses admissibles en frais de bureau, vérifiez auprès de Revenu Québec.

fournitures : En termes de fournitures, vous pourrez aussi déduire vos achats d’encre, de papier, de logiciel et de tout outil ayant servi indirectement à la production de biens et de services.

téléphone, électricité, chauffage et eau : 100 % des dépenses reliées au travail. Attention : si vous partagez votre ligne téléphonique professionnelle avec votre ligne téléphonique

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personnelle (c’est le cas pour l’illustrateur qui travaille chez lui), seule la portion utilisée pour le travail pourra être déduite.

loyer : 100 % lorsqu’il s’agit d’un local ou d’un studio commercial. S’il s’agit d’un bureau à domicile (comme c’est le cas pour plus de 75 % des illustrateurs), il n’est possible de déduire que la portion de la maison consacrée à vos activités (le nombre de pièces réservées au travail par rapport au nombre de pièces total de la maison, augmenté de la part correspondant au chauffage et à l’entretien ménager). Si vous êtes propriétaire, vous pouvez déduire les frais financiers (intérêts sur hypothèque) et les frais variables, mais pas le remboursement du capital. D’autres restrictions sur les frais de bureau à domicile sont appliquées par Revenu Québec.

automobile : 100 % des dépenses reliées à votre activité. Là encore, attention : s’il s’agit de la voiture familiale, il convient de faire la part entre les dépenses liées aux activités professionnelles et les dépenses de la famille. Ces dépenses comprennent l’essence, le permis de conduire, les assurances, les réparations, le stationnement, les frais d’immatriculation, les intérêts liés à l’achat, les frais d’entretien (par exemple, le lavage, la lubrification ou la mise au point), les frais de location et l’amortissement.

transport : 100 % des dépenses, du taxi au métro, sans oublier le transport de marchandises, soit tout ce qui permet d’acheminer quelqu’un ou quelque chose d’un point A à un point B, toujours dans le cadre unique de votre activité professionnelle, bien entendu.

repas et frais de représentation : 50 %, mais le gouvernement provincial plafonne au moindre des deux montants suivants : 2 % de votre chiffre d’affaires (s’il est de 32 500 $ ou moins) ou 650 $ jusqu’à un revenu brut de 52 000 $, et à 1,25 % du chiffre d’affaires par la suite.

publicité : 100 % de tout ce qui assure votre visibilité et la promotion de votre entreprise (cartes professionnelles, annonces, cadeaux de Noël aux clients, page dans un répertoire ou un portfolio Web, etc.). À Revenu Québec, les cotisations professionnelles doivent être retranchées des dépenses et réclamées en crédit sur le formulaire de déclaration de revenus.

taxes d’affaires et permis : 100 % des frais d’une licence ou d’un permis obligatoire à l’exercice de votre métier.

mauvaises créances : 100 % du montant que votre client ne vous a pas payé. Eh oui, il existe des mauvais payeurs dans tous les métiers du monde, il faut simplement arriver à les cerner au plus vite pour éviter de tomber dans leurs filets !

frais de congrès : le travailleur autonome peut déduire les frais liés à un maximum de deux congrès par année auxquels il aura assisté. Ces congrès doivent avoir été tenus par un organisme commercial ou professionnel et s’être déroulés dans un lieu situé sur le territoire où le travailleur autonome offre ses services. La limite des pourcentages applicables pour les frais de repas et de divertissements consommés lors d’un congrès s’applique. honoraires et frais de consultation : 100 % des frais facturés par votre comptable, avocat, programmeur Web ou tout autre travailleur autonome que vous avez dû embaucher.

impôts fonciers (taxes municipales et scolaires) : 100 % des impôts fonciers relatifs aux bâtiments et biens qui servent à l’exploitation de votre entreprise. Cela comprend également les taxes municipales, les taxes scolaires, les taxes d’eau, d’égout, de voirie et d’enlèvement des ordures, les taxes propres à un secteur pour les installations ou les services publics et les taxes de financement des municipalités ou des communautés urbaines. Consultez le site Web de Revenu Québec pour les détails : www.revenuquebec.ca/documents/fr/publications/in/ in-155(2012-10).pdf

intérêts sur prêt : 100 % des intérêts que vous payez sur tout prêt contracté pour le fonctionnement de votre entreprise.

frais : 100 % des frais de gestion et d’administration reliés à votre entreprise ainsi que tous les frais bancaires reliés à votre carte de crédit d’entreprise, compte d’entreprise, marge de crédit d’entreprise. S’il s’agit d’un compte personnel utilisé pour le travail ou d’une carte servant également à vos dépenses familiales, il convient alors de définir le pourcentage qui représente les dépenses liées à votre activité professionnelle pour connaître le montant exact pour lequel vous pourrez demander un crédit d’impôt. frais d’entretien et de réparation : 100 % des dépenses reliées au matériel qui vous est utile en tant que travailleur autonome. Cela va de l’ordinateur à l’appareil photo, en passant par le télécopieur.

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dépenses courantes ou dépenses en capital (au fédéral) : Toute dépense d’entretien courante. Par exemple, les frais que vous engagez pour faire repeindre vos locaux sont des dépenses courantes ; toute dépense en capital pour améliorer ou prolonger la durée de vie d’un bien.

frais de démarrage d’une entreprise (au fédéral) : Frais de démarrage engagés dans l’année de l’exercice. Il sera important de spécifier la date à laquelle votre entreprise aura commencé à fonctionner.

frais de voyage (au fédéral) : Les dépenses en transport public, en hébergement et en repas pour les voyages visant à gagner un revenu sont admissibles sous certaines conditions. Le coût des repas, des boissons et des divertissements engagés pendant un voyage est habituellement soumis à la règle de 50 %.

assurances : 100 % des assurances couvrant votre studio et votre matériel. S’il s’agit d’une pièce de votre domicile, nous revenons alors à la règle du prorata que représentent les frais liés à votre bureau par rapport au reste du domicile. Pour les travailleurs inscrits aux taxes, il faut savoir que la TVQ sur les assurances ne peut pas être réclamée dans les intrants. Vous pouvez également déduire une assurance vie temporaire cédée à un prêteur sur un investissement et au fédéral, vous pourrez déduire des frais d’assurance maladie d’un régime privé.

cotisation à une association artistique professionnelle reconnue : Dépense déductible au fédéral uniquement. Toutefois, au Québec, la cotisation à une association professionnelle, sans être déductible, peut donner droit à un crédit d’impôt. Aussi, la partie d’une cotisation professionnelle afférente à l’assurance responsabilité professionnelle peut être considérée.

le principe d’amortissement : Vous ne pouvez jamais déduire l’entièreté du coût d’un bien que vous achetez pour votre entreprise. Toutefois, vous pouvez fractionner ce coût et en déduire une partie à chaque année, aussi longtemps que vous possédez le bien par exemple, jusqu’à la totalité de sa valeur. Assurez-vous de consulter la brochure de Revenu Québec sur les revenus d’entreprise ou de professions IN-155 pour connaître les modalités du principe d’amortissement.

Rappelons que pour avoir droit au statut de travailleur autonome et ainsi pouvoir déduire les dépenses décrites plus haut, il faut, dans l’année, avoir conclu un ou des contrat(s) avec un ou plusieurs client(s), à condition que ce soit dans un domaine visé par la loi sur le statut du travailleur autonome. Donc, s’il satisfait à cette norme, le travailleur autonome peut déduire de son revenu brut la plupart des dépenses qu’il a engagées dans l’exercice de ses activités artistiques. Dans cette section, il est également question des revenus provenant des droits d’auteur. Ici, nous visons à fournir l’information nécessaire pour remplir adéquatement la déclaration de revenus. La définition législative des droits d’auteur ainsi que la manière de résoudre les problèmes qui y sont liés seront abordées ultérieurement. Par contre, spécifions déjà que pour pouvoir déclarer des revenus de droits d’auteur, il convient avant tout que votre facture reflète vos revenus perçus en honoraires professionnels pour la conception de l’illustration, de l’œuvre ou du texte (pour les écrivains), ainsi que vos revenus perçus en droits d’auteur pour l’utilisation de votre création. Il est important que ces montants soient dissociés à même les factures que vous aurez envoyées à votre clientèle. Pour déclarer des revenus provenant de droits d’auteur, il faut, bien entendu, que vous soyez le premier titulaire des droits. Il existe aussi un Guide de l’impôt pour l’écrivain et l’artiste publié par l’UNEQ (Union nationale des écrivains du Québec), mis à jour chaque année et qui fournit une foule d’informations pertinentes.

au provincial (québec) Au Québec, les déductions des revenus provenant de droits d’auteur (incluant les droits provenant de prêts publics) sont calculées en fonction de la somme perçue par l’artiste pendant l’année. Lorsque ces revenus ne dépassent pas 30 000 $ par année, l’artiste a le droit de déduire tous ses revenus de droits d’auteur, pour un maximum de 15 000 $. Par contre, dans le cas où l’artiste a gagné entre 30 000 $ et 60 000 $, la déduction régresse progressivement jusqu’à devenir nulle pour les revenus atteignant le 60 000$. En effet, si l’artiste a reçu plus de 60 000 $ en revenus provenant de droits d’auteur, ceux-ci ne sont plus déductibles ; ils seront imposés dans leur totalité.

tableau des déductions admissibles selon les revenus de droits : DROITS PERÇUS

10 000 $ 15 000 $ 20 000 $ 25 000 $ 30 000 $ 40 000 $ 50 000 $ 60 000 $

DÉDUCTION ADMISSIBLE

10 000 $ 15 000 $ 20 000 $ 25 000 $ 30 000 $ 40 000 $ 50 000 $ 60 000 $

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Il convient d’exiger de l’entreprise (éditeur ou autre) dont vous percevez des droits d’auteur qu’elle vous fournisse un relevé 3 avec le montant inscrit à la case H (redevances de source canadienne). Ce relevé est normalement utilisé pour le versement de revenus de placement, mais il sera important de stipuler au client qui ne le saura pas qu’il s’agit également du relevé utilisé pour déclarer les revenus de droits d’auteur. Le relevé en question est disponible sur le site de Revenu Québec : www.revenu.gouv.qc.ca/ fr/sepf/formulaires/rl/rl-3.aspx. Attention, si vous ne respectez pas les exigences de la Loi sur le statut d’artiste professionnel des artistes des arts visuels, des métiers d’art et de la littérature et sur les contrats avec les diffuseurs (L.R.Q., chapitre S-32.01), vous ne pourrez pas vous prévaloir des déductions sur les revenus provenant de droits d’auteur. Au Québec, les critères du statut professionnel d’un artiste sont exactement les mêmes que ceux qui sont appliqués par Illustration Québec pour accorder le statut de membre professionnel. Cependant, Illustration Québec n’est pas une association reconnue par le gouvernement en ce qui concerne la reconnaissance du statut d’artiste professionnel aux yeux de la loi. En fait, dans le secteur des arts visuels, cette tâche a été donnée au RAAV (Regroupement des artistes en arts visuels du Québec). Comme nous l’avons mentionné plus haut, si le total de vos revenus provenant de droits d’auteur figurant à la case H du relevé 3 ne dépasse pas 60 000 $, vous avez droit à une déduction. Dans ce cas, remplissez la grille de calcul 297 de votre déclaration de Revenus et inscrivez-en le montant à la ligne 297 de votre déclaration. On vous demandera également d’inscrire le numéro correspondant à la déduction à la case 296 (les revenus pour droits d’auteur correspondent au numéro 16). Il se peut que Revenu Québec considère vos revenus de droits d’auteur comme des revenus de placements. Pour éviter cette fâcheuse situation, pensez à inscrire, sur votre relevé 3, à l’extérieur des cases, que le montant inscrit à la case

H correspond à des revenus de droits d’auteur. La mention « revenus de droits d’auteur » à côté de la case H devrait suffire. Si toutefois Revenu Québec considère quand même ces revenus comme des revenus de placement, l’administration va modifier votre cotisation et vous enverra une facture sous prétexte que vous n’avez pas déclaré l’intégrité de vos revenus de placements. Si cela vous arrive, respirez un bon coup et communiquez directement avec votre bureau de l’impôt pour faire corriger cette erreur. Le Guide de l’impôt pour l’écrivain et l’artiste de l’UNEQ fournit les informations nécessaires pour demander cette correction. « La plupart des interlocuteurs vous demanderont de leur fournir la liste des revenus d’entreprise que vous avez déclarés afin d’apporter la correction demandée. Mais ne vous laissez pas intimider par une personne qui vous dira que les revenus de droits d’auteur doivent être déclarés à la ligne 130 de votre déclaration. N’étant pas des revenus de placements, ils doivent plutôt être consignés à la ligne 164 sous la rubrique « revenus d’entreprise ». Le fait de les inscrire à la ligne 130, non seulement fausse votre revenu d’artiste, mais peut avoir comme conséquence de réduire ou d’annuler votre admissibilité aux frais de bureau à domicile, ainsi qu’aux frais de repas et de divertissement. »

au fédéral À ce palier gouvernemental, les revenus de droits d’auteur sont toujours imposables. Toutefois, il est possible de les déclarer comme une redevance. Selon l’Agence du revenu du Canada : « Une redevance est un paiement de toute nature reçu à titre de compensation pour utiliser, ou avoir droit d’utiliser, un droit d’auteur, un brevet, une marque de commerce, une formule ou un procédé secret. Ce terme inclut aussi des paiements à l’égard de films cinématographiques et d’œuvres sur films ou de bandes magnétoscopiques servant à la télévision. Le montant de votre redevance peut être indiqué à la case 17 du feuillet T5 [État des revenus de placements, de votre déclaration de revenus]. Si la redevance concerne un ouvrage ou une invention auquel aucune dépense n’est associée, ce montant doit être déclaré comme autres revenus d’emploi à la ligne 104. Si des dépenses lui sont associées, la redevance doit être déclarée comme revenu d’un travail indépendant à la ligne 135. (…) Inscrivez à la ligne 104 les redevances sur un ouvrage ou une invention dont vous êtes l’auteur, pour lequel vous n’avez engagé aucune dépense. Inscrivez à

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LE STATUT DE TRAVAILLEUR AUTONOME : LE CAS DE L’ARTISTE ILLUSTRATEUR….

la ligne 135 les redevances sur un ouvrage ou une invention auquel des dépenses sont associées. Inscrivez les autres redevances à la ligne 121 ». (www.cra-arc.gc.c a/tx/ndvdls/tpcs/ ncm-tx/rtrn/cmpltng/rprtng-ncm/lns101170/104/rylts-fra.html)

acomptes provisionnels et cotisations Si vous touchez des revenus pour lesquels aucun impôt n’est retenu à la source et que vous jugez devoir payer plus de 1 800 $ en impôt à chaque palier du gouvernement et que votre impôt net à payer dépassait les 1 800 $ pour l’une ou l’autre des deux années précédentes, on vous demandera de payer votre impôt par acomptes provisionnels pour l’année en cours. Cela signifie qu’au lieu de verser vos impôts en un seul montant à la fin de l’année, vous devrez les payer en quatre versements, soit les 15 mars, 15 juin, 15 septembre et 15 décembre. Ces acomptes sont basés sur votre revenu des deux années précédentes. Il se peut que vous deviez payer un supplément d’impôt à la remise de votre déclaration de revenus si vos revenus ont augmenté par rapport aux années précédentes. Pour éviter cela, rien ne vous empêche d’augmenter vos versements durant l’année. Le travailleur autonome doit également payer des cotisations au Fonds de services de santé (FSS), au Régime de rentes du Québec (RRQ) et au Régime québécois d’assurance parentale (RQAP). Ces cotisations s’effectuent soit lors de la production de votre déclaration de revenus, soit par acomptes provisionnels.

1.6

L’ARTISTE ET LA CSST Saviez-vous que même si vous n’êtes pas salarié, vous pourriez avoir droit à la couverture de la Commission de la santé et de la sécurité du travail (CSST) ? En tant qu’artiste, vous êtes considéré comme travailleur autonome si vous agissez pour votre propre compte et que vous n’avez pas d’employé. Pour bénéficier de la protection de la loi, il vous suffit de vous inscrire personnellement auprès de la CSST et d’en payer les cotisations. Cette protection demeure facultative, mais le travailleur n’y ayant pas souscrit ne pourra pas se prévaloir de la loi sur les accidents du travail et les maladies professionnelles. Comme la protection personnelle est facultative, elle pourra être abolie en tout temps sous présentation d’une demande écrite à la CSST (si

vous n’avez jamais fait de demande de prestation, bien sûr). Votre contribution est calculée d’une part en fonction de la nature de vos activités et de l’autre, de votre revenu déclaré (qui n’est pas nécessairement votre revenu annuel réel, mais le revenu brut pour lequel vous désirez être assuré). Normalement, chaque début d’année, la CSST vous envoie le formulaire de déclaration des salaires. Vous devez y inscrire le total de votre salaire pour l’année qui vient tout juste de se terminer et le retourner avant le 15 mars suivant. Suivra ensuite votre avis de cotisation. La CSST vous envoie alors un avis pour vous informer du montant de votre prime et de l’échéance de cette dernière. En octobre, vous recevrez finalement la décision de la classification de vos activités ainsi que votre taux de prime pour la prochaine année et vos taux de versements périodiques. Vos paiements de prime doivent se faire périodiquement à Revenu Québec. Les travailleurs bénévoles peuvent aussi bénéficier de cette protection (www.csst.qc.ca).

1.7

LES ASSURANCES En tant que travailleur autonome, il est important d’avoir un plan B advenant que votre capacité à gagner votre vie soit mise en péril à plus ou moins long terme ou encore simplement pour protéger votre matériel de travail… Qu’il s’agisse de problématiques de santé, de la chute soudaine du marché ou du vol de votre ordinateur, plusieurs facteurs peuvent avoir des répercussions sur votre compte en banque et votre capacité à travailler… À moins d’avoir un compte en banque très bien fourni vous permettant de vivre plusieurs mois sans travail, voire le restant de vos jours, il s’avère judicieux de souscrire une assurance invalidité, une assurance salaire et/ ou une assurance santé en plus d’une assurance de biens pour protéger vos outils de travail. Plusieurs banques ou courtiers d’assurances offrent des assurances invalidité ou salaire ainsi que des assurances de biens qui vous permettraient de vaquer à vos occupations l’esprit tranquille. Alors que certains vous offriront des polices spécifiques, d’autres vous proposeront simplement d’accorder vos polices habitation ou voiture existantes en conséquence de l’utilisation professionnelle que vous en faites… L’important, tout comme lorsque l’on veut souscrire une assurance vie, c’est de magasiner et de demander le plus de soumissions possible. Le site Web d’Infoassurance fournit de bonnes informations sur l’assurance de biens pour les

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travailleurs autonomes. Sachez d’abord que la plupart des assurances habitation ne prévoient que 2 000 $ pour couvrir les frais des meubles, des instruments professionnels, des ordinateurs, des livres et de tout autre matériel à la suite d’un sinistre. Il est donc nettement plus prudent de souscrire une assurance particulière. Les cotisations à la plupart de ces assurances sont toutes calculées en fonction des mêmes données, soit du type d’entreprise exploité, de la nature des risques qui s’y rattachent et des besoins que vous avez. Infoassurance indique aussi que la valeur de la franchise peut grandement jouer sur le montant des primes. Une tactique envisageable est d’accumuler un bon montant que l’on met de côté pour débourser une éventuelle franchise. De cette manière, vous pourrez faire augmenter la valeur de la dite franchise dans un contrat donné et ainsi faire diminuer les primes. De plus, le Centre d’information sur les assurances d’Infoassurance peut vous être grandement utile. Les agents peuvent intervenir auprès du coutier qui refuse de vous couvrir ou encore pour vous aider dans vos démarches si elles s’avèrent plus difficiles que prévues. « Lorsque vous appelez le Centre d’information, vous devez toutefois avoir entrepris des démarches. Il faut avoir été refusé par cinq assureurs après les avoir contactés. Gardez les noms et les numéros de téléphone des agents et courtiers que vous avez contactés. » www.infoassurance.ca Concernant l’assurance salaire ou invalidité, les travailleurs autonomes canadiens ont maintenant accès à plusieurs prestations spéciales de l’assurance-emploi via le gouvernement. Dans la liste des prestations leur étant accessibles, on retrouve les prestations de maternité, les prestations parentales, les prestations de maladie et les prestations de compassion. Les travailleurs autonomes québécois ont toutefois déjà droit aux prestations de maternité, de paternité et parentales offertes par le Régime québécois d’assurance parentale (RQAP), puisque, comme mentionné plus haut, vous devez obligatoirement y cotiser! Donc, si vous choisissez de vous inscrire au programme d’assurance emploi, ce sera uniquement pour bénéficier des prestations de maladie et de compassion de l’assurance emploi, ce qui peut quand même s’avérer être un excellent avantage ! Avant de vous inscrire au programme, vous pourrez lire toute l’information liée à cette nouvelle mesure en consultant ce lien Web : www.servicecanada.gc.ca/fra/ sc/ae/ta/index.shtml. Les cotisations au programme fédéral des travailleurs autonomes du Québec ont été évidemment ajustées afin qu’ils ne paient pas en double le service d’assurance parentale. Vous devrez donc, en souscrivant au

programme d’assurance emploi, verser 1,52 $ en cotisations d’assurance emploi pour chaque tranche de 100 $ de revenus, jusqu’à un maximum de 720,48 $ par année. Les cotisations à l’assurance emploi sont calculées par l’Agence du revenu du Canada (ARC) en fonction de votre revenu de travailleur autonome, lui-même calculé selon les règles énoncées dans la Loi de l’impôt sur le revenu. Cette nouvelle mesure du gouvernement fédéral est assez abordable et pourrait vous être grandement utile à un moment ou à un autre de votre carrière où, pour une quelconque raison, vous ne seriez plus en mesure de travailler. Il y a toutefois quelques informations pertinentes à prendre en considération. Les cotisations au programme sont payables au 30 avril de l’année suivant celle de votre inscription. Vous pourrez aussi demander à payer vos cotisations à l’ARC au même moment où vous ferez vos paiements d’acomptes provisionnels. Prenez bien en note que vous devrez payer des cotisations d’assurance-emploi en fonction de votre revenu de travailleur autonome pour toute l’année, peu importe la date de votre inscription. Ainsi, que vous vous inscriviez en avril 2013 ou en décembre 2013, vous devez payer des cotisations d’assurance-emploi en fonction de votre revenu de toute l’année 2013. Encore une fois, ce programme facultatif est résiliable à tout moment, à condition que vous n’ayez pas reçu de prestations dans le cadre du programme, bien sûr ! Une fois que vous aurez reçu des prestations du programme, vous devrez payer des cotisations tant et aussi longtemps que vous recevrez des revenus de votre travail autonome, que la nature de ce travail change ou non… Il sera également de mise de magasiner une assurance salaire chez les banques et autres courtiers d’assurances et de voir si les soumissions proposées seraient plus abordables que le programme fédéral. En tous les cas, consultez bien le lien Web mentionné plus haut avant de prendre une décision. Finalement, dans l’éventualité où vous n’auriez pas encore souscrit à une assurance vie, il serait probablement grand temps de la faire. Que ce soit simplement pour épargner à vos héritiers de devoir rembourser vos dettes, particulièrement si votre salaire constituait la source principale du revenu familial, magasinez-vous une assurance vie dès maintenant ! Aussi, il n’est pas bête de prendre une assurance vie et/ou invalidité sur tous les prêts que vous contracterez ainsi que sur le solde de vos cartes de crédit… De toute manière, ne soyez pas inquiet, la plupart des banques vous le suggèreront dès le moment où elles vous accorderont ces prêts et/ou crédits.

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LE STATUT DE TRAVAILLEUR AUTONOME : LE CAS DE L’ARTISTE ILLUSTRATEUR….

1.8

LIENS UTILES l es différentes formes juridiques www2.gouv.qc.ca/entreprises/portail/ quebec/creer?lang=fr&g=creer&sg=&t=s&e=3733407055

prestations spéciales pour

l’assurance emploi des travailleurs autonomes (Gouvernement fédéral) www.servicecanada.gc.ca/fra/sc/ae/ta/ index.shtml

l ’immatriculation au québec www.registreentreprises.gouv.qc.ca/fr/ demarrer/immatriculer

i nfoassurance 514-288-4321 1 877 288-4321 www.infoassurance.ca

bureau du ministère du revenu

du québec

la boussole entrepreneuriale – trouvez la forme d’entreprise qui vous convient

1 800 267-6299 www.revenu.gouv.qc.ca

www.boussoleentrepreneuriale.com

revenu québec (statut du

travailleur autonome)

assurart

www.revenuquebec.ca/fr/citoyen/situation/travailleur_autonome/travailleur_autonome_salarie/criteres/default.aspx

www.assurart.scassurance.com

a gence des douanes et du revenu du canada 1 800 959-7383 1 800 959-7775 www.ccra-adrc.gc.ca

UNEQ Guide de l’impôt pour l’écrivain et l’artiste 514-849-8540 1 888 849-8540 www.uneq.qc.ca

communication-jeunesse 514-873-2111 www.communication-jeunesse.qc.ca

info entrepreneurs 514-496-4636 1 800 322-4636 www.infoentrepreneurs.org

investissement québec 1 866 870-0437 www.investquebec.com

saje Service d’aide aux jeunes entrepreneurs Montréal métropolitain 514-861-7253 www.sajeenaffaires.org

emploi-québec Visitez le CLE le plus près de chez vous www.emploiquebec.net/index.asp

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2

l’aide

financière et le soutien que l’on peut obtenir de diverses sources

Farah Allegue On le sait, la recherche d’aide financière est laborieuse et parfois même rébarbative ! Souvenez-vous d’abord que cette recherche peut être encore plus payante si elle est faite en amont de votre démarrage.

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CHAPITR E 2

2.1

S’IL VOUS PLAÎT, MONSIEUR LE BANQUIER… Avant de vous lancer en affaires, il est important de rencontrer votre banquier pour lui parler de votre projet. Comme nous l’avons précédemment expliqué, il faut idéalement avoir en main un bon plan d’affaires et, si possible, une ou deux lettres d’intention signées par des clients potentiels. Cela témoignera de votre sérieux. Toutefois, seulement 7 % des travailleurs autonomes obtiennent du financement de la part des banques. Il est toujours avantageux de posséder un capital personnel le plus élevé possible pour démarrer son entreprise. En principe, 80 % du capital de financement de l’entreprise doit provenir de vos poches ou de ce que l’on appelle communément « love money » (investissements de vos proches, d’associés ou autres). Par contre, il n’est pas toujours possible de détenir l’entièreté de la somme nécessaire. Vous pouvez toujours tenter de contracter un prêt auprès d’une banque. Sur cette question, J.-B. Nadeau fournit encore une fois des informations précieuses et des conseils judicieux. Comme nous vous l’avons suggéré dans le premier chapitre de ce guide, pour obtenir un emprunt, il est indispensable d’avoir en main un dossier de démarrage d’entreprise (plan d’affaires) le plus complet possible. Vous devez donc disposer d’un plan d’affaires solide, avoir fait vos propres calculs et fournir à la banque des garanties de remboursement. En effet, pour être prêt à répondre aux (nombreuses) questions de votre banquier, il s’avère sage d’avoir préalablement fait un bilan de tous les biens que vous possédez (voiture, placements, etc.). Une fois ce bilan fait, soustrayez-en vos dettes (hypothèque, prêts antérieurs, etc.). Si vous constatez que le résultat de cette opération est négatif, peut-être vaudrait-il mieux attendre quelque temps avant de soumettre votre demande de financement. Si le résultat du calcul est positif et assez important, il est temps de passer à la prochaine étape. Il vous faudra établir clairement la somme dont vous avez besoin. La démarche pour contracter un prêt est semblable à celle que vous utilisez pour faire une

soumission à une entreprise, mais en situation inverse : l’institution bancaire vous prêtera uniquement la somme qu’elle vous jugera capable de rembourser. Sans gonfler abusivement vos besoins, vous pouvez songer à demander une bonne somme, compte tenu que les institutions ont tendance à revoir le montant de votre prêt à la baisse. En effet, elles doivent prendre le moins de risques possible. Bien qu’elles ne soient pas à plaindre côté profits, ce n’est pas leur propre capital qu’elle vous prête, mais bien l’argent des déposants (Nadeau, 2007) ! Si les conditions auxquelles la banque suggère de vous financer ne vous conviennent pas, ne vous sentez pas obligé d’accepter simplement pour aller plus vite, vous le regretterez plus tard… La meilleure façon d’obtenir les conditions d’emprunt les plus favorables est de magasiner. Eh oui, les institutions bancaires sont légion et n’offrent pas toujours les mêmes conditions ! Permettez-vous de faire des demandes dans trois ou quatre institutions différentes et vous serez surpris des résultats. Vous serez d’ailleurs dans une meilleure position pour juger de la pertinence des conditions que vous impose une banque en particulier… Par contre, n’oubliez pas que la préparation des dossiers demande beaucoup d’heures de travail. Évitez de trop vous éparpiller… Aussi, lorsque vous calculerez vos remboursements mensuels, assurez-vous d’y inclure le montant de votre assurance salaire/invalidité sur ledit prêt bancaire et n’acceptez que des termes de remboursement que vous êtes certain de pouvoir rembourser ! D’ailleurs, il est primordial de vous garder une petite marge de manœuvre : le remboursement de votre prêt ne doit pas ronger toutes vos économies. On ne rencontre pas son banquier uniquement pour demander un prêt. Il peut s’agir d’ouvrir un second compte chèque pour dissocier les transactions personnelles des transactions professionnelles, de demander une carte de crédit supplémentaire pour l’entreprise ou encore d’ouvrir une marge de crédit à taux négocié. Ajoutons que cette tactique de différenciation des comptes bancaires est astucieuse, car elle vous permettra de connaître et de suivre de plus près la santé financière de votre entreprise sans toutefois mettre à mal les finances familiales… Il est d’ailleurs recommandé dès le départ d’ouvrir un compte bancaire spécifique et une marge

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L’AIDE FINANCIÈRE ET LE SOUTIEN QUE L’ON PEUT OBTENIR DE DIVERSES SOURCES

de crédit pour l’entreprise. Cela vous aidera à mieux gérer vos flux de trésoreries, notamment la marge lorsqu’un client met plus de 30 jours à vous payer. Même si nous avons mentionné plus haut que les banques sont plus réticentes à aider des travailleurs autonomes dont l’entreprise n’a pas encore fait ses preuves, il peut s’avérer utile de faire des demandes auprès de votre banquier dès le départ car, si vous tombez dans un « trou » financier et que vous avez besoin d’argent rapidement, il est évident que vous ne pourrez pas alors compter sur sa coopération. Par contre, si votre demande n’est pas approuvée tout de suite, cela n’est pas dramatique. Lorsque vous reviendrez, disons un an plus tard, avec de nouveaux chiffres (plus que des estimations) et que vous montrerez que vous avez bien réussi, il sera facile de renégocier. D’autant plus que vous aurez déjà établi une relation d’affaires avec le banquier en question. Cela pourrait même être perçu comme de la ténacité et du sérieux de votre part. D’ailleurs, il est important de voir son banquier comme un allié et non comme un ennemi ; il faut créer une relation de confiance avec lui.

2.2

leur processus d’expansion. Dans tous les cas, les suggestions présentées ici pourront vous être d’une grande aide et nous vous encourageons fortement à aller faire des recherches sur les sites Internet fournis… Ça pourrait réellement être payant !

la banque de développement du canada www.bdc.ca 1 877 232-2269 La Banque de Développement du Canada (BDC) est probablement l’entreprise la plus ferrée en aide aux entrepreneurs canadiens. Elle possède plus d’une centaine de bureaux à la grandeur du pays et a comme principale mission d’encourager l’entrepreneuriat en fournissant aux entrepreneurs des services de financement, de capital de risque et de consultation sur mesure. Il s’agit plus particulièrement d’une institution financière appartenant au gouvernement canadien. La BDC offre une tonne d’aides différentes, que ce soit pour le renouvellement de votre équipement, pour des investissements dans des logiciels spécifiques et en nouvelles technologies ou tout simplement pour le démarrage de votre entreprise. Allez faire un tour sur leur site Web pour plus d’informations !

gouvernement du québec (cld ou services québec - entreprises)

LES AIDES GOUVERNEMENTALES POUR DÉMARRAGE, C’EST PAYANT ? On le sait, la recherche d’aide financière est laborieuse et parfois même rébarbative ! Souvenezvous d’abord que cette recherche peut être encore plus payante si elle est faite en amont de votre démarrage. Vous éviterez ainsi de devoir faire des démarches sous le stress des créanciers et autres responsabilités financières déjà engagées. Commencez tout doucement par vous faire une liste des mesures accessibles qui pourraient vous aider à vous lancer en affaires. Subventions, prêts à faible taux, mesures spéciales… Les gouvernements et les institutions financières offrent plusieurs modes d’aide dont les modalités de remboursement et les termes diffèrent. En effet, plusieurs programmes gouvernementaux ou paragouvernementaux ont pour mission de valoriser l’entrepreneuriat et le démarrage de PME au Québec ou au Canada. Nous avons récolté pour vous des informations pertinentes à ce sujet. Tantôt les mesures visent à aider les jeunes entrepreneurs, tantôt elles visent à accompagner les entrepreneurs dans

www.economie.gouv.qc.ca/objectifs/financement/demarrage/ 1 866 463-6642 Le ministère des Finances et de l’Économie du Québec a intégré, sur son site Internet, une page visant à mettre de l’avant les divers programmes et ressources disponibles aux entrepreneurs en quête de financement. Pour mener à bien ces programmes d’aide, le gouvernement provincial fait appel à deux partenaires importants, soit les CLD (Centres locaux de développement), qui sont généralement répartis un peu partout sur le territoire, et Services Québec – Entreprises. Nous vous présentons ici les différentes mesures qu’offre le gouvernement et vous indiquerons, dans chacun des cas, vers quel partenaire vous tourner.

le fonds local d’investissement (FLI) www.acldq.qc.ca/fr/entrepreneur-fli.php Géré par les CLD, est une mesure permettant l’aide financière pour le démarrage ou l’expansion d’une entreprise. Attention toutefois, il s’agit ici de prêt et non pas de subvention. Pour plus d’information, consultez le CLD de votre région.

le programme d’aide à l’entrepreneuriat (PAEN) – volet relève : arts et culture www.mdeie.gouv.qc.ca/artsetculture/ 514-873-9913

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CHAPITR E 2

Montréal est une aide au démarrage pour les coopératives de travail ou OBNL du domaine des arts, mais il est à noter que la mesure est accessible uniquement aux entreprises œuvrant sur le territoire de l’île de Montréal. Plusieurs autres critères d’admissibilité s’appliquent et les détails sont disponibles sur la page Web.

les CLD, en plus d’être partenaires du Gouvernement du Québec pour la gestion de certains programmes, sont des OBNL qui offrent d’autres mesures intéressantes dans l’optique du démarrage d’entreprise. En effet, la mission première des Centres locaux de développement est de supporter et de conseiller les entrepreneurs dans la réalisation de leur projet d’affaire sur un territoire donné. Pour trouver votre CLD, vous pouvez utiliser le moteur de recherche de l’Association des centres locaux de développement du Québec: www.acldq.qc.ca/fr/trouver-un-cld.php (Dépendamment des territoires, les organismes responsables d’administrer ces prochaines mesures peuvent varier, mais ces dernières sont techniquement disponibles sur tout le territoire québécois) : soutien au travail autonome (STA) www.acldq.qc.ca/fr/entrepreneur-sta.php www.emploiquebec.gouv.qc.ca/citoyens/ demarrer-son-entreprise/soutien-au-travailautonome/ Il s’agit d’une aide financière et technique, en deux volets d’une durée maximum combinée de 52 semaines, offerte par les Centres locaux d’emploi (CLE), les Centres locaux de développement (CLD) ou les organismes accrédités par les CLD pour soutenir l’entrepreneuriat et qui vise à vous aider à créer un plan d’affaires et à mettre sur pied votre entreprise. Il faut cependant satisfaire à certains critères qui sont clairement définis sur le site d’Emploi-Québec, dont l’adresse est inscrite ci-haut. Vous retrouverez aussi cette liste de critères à votre Centre d’emploi local.

fonds jeunes promoteurs www.acldq.qc.ca/fr/entrepreneur-jp.php Ce fonds se veut également une mesure de soutien financier et technique aux jeunes âgés entre 18 et 35 ans qui voudraient créer ou acquérir une mini-entreprise ou encore devenir travailleur autonome. Le fonds ne peut servir à financer le roulement d’une entreprise déjà existante, mais peut financer la création d’une entreprise, les étapes de la concrétisation d’un projet ou la formation de l’entrepreneur. Les critères d’admissibilité peuvent varier d’un CLD à l’autre, mais les plus importants sont présentés sur la page Web mentionnée ci-haut.

En plus des diverses mesures d’aide financière, les CLD sont aussi capables d’apporter un soutien technique non négligeable aux nouveaux entrepreneurs. Formations, service-conseil, support à la gestion… Leur domaine d’intervention est large et tout jeune entrepreneur voudra se faire ami avec son CLD !

2.3

LES CONCOURS OU « GAGNER SA VIE ! » Nous savons maintenant qu’une panoplie de mesures gouvernementales est disponible. Par contre, il y a également des concours et des bourses auxquels vous êtes admissible en tant que nouvel entrepreneur. Alors que nous parlerons davantage de concours en illustration visant la promotion de votre travail plus loin dans ce guide, il est ici question de concours entrepreneuriaux qui pourraient vous permettre de démarrer ou de faire fructifier votre entreprise. En effet, participer à ces concours auxquels sont rattachés des bourses financières peut consister en un mode de financement très profitable et ainsi briser la monotonie habituelle entourant la recherche de sous… Voici donc quelques alternatives à connaître en tant que travailleur autonome entrepreneur.

prix jeunes entrepreneurs de la banque de développement du canada (BDC) www.prixjeuneentrepreneurbdc.ca/ details.php La BDC organise annuellement un concours en entrepreneuriat et bien qu’il ne soit pas une aide au démarrage, il peut tout de même s’avérer bien utile. Il s’agit d’une aide financière accordée pour une entreprise se trouvant à la croisée des chemins et ayant besoin de ressources supplémentaires pour monter la marche suivante. Il faut d’abord être âgé entre 18 et 35 ans et exposer la solution envisagée à notre dilemme dans une courte vidéo qu’on soumettra par la suite au concours. Le premier prix est une bourse de 100 000 $ pour engager notre plan d’expansion et en deuxième prix, des services de consultation d’une valeur de 25 000 $ sont offerts. En plus de ce concours, la Banque de Développement du Canada offre une foule d’informations pertinentes sur son site Web ainsi que plusieurs autres formes de financement qui pourraient s’avérer intéressantes.

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L’AIDE FINANCIÈRE ET LE SOUTIEN QUE L’ON PEUT OBTENIR DE DIVERSES SOURCES

concours québécois en entrepreneuriat www.concours-entrepreneur.org/ Ce concours, particulier au Québec, se donne comme mission de récompenser les efforts de jeunes Québécois qui ont un projet d’entreprise et qui en sont à leurs balbutiements dans la réalisation de ce dernier. Pour participer au volet création d’entreprise, il faut être âgé de 18 ans et plus et faire preuve de rigueur et de discipline dans son plan d’affaires. La notoriété acquise par la participation à ce concours réputé ne manquera d’ailleurs pas de faire son impression auprès des banquiers lorsque l’étape de les consulter viendra.

2.4

LES ORGANISMES Il existe plusieurs organismes, provinciaux, fédéraux, à but lucratif ou non, qui ont pour mission d’aider les travailleurs autonomes à se lancer en affaires et à prendre de l’expansion, et ce, même pendant la période de stabilisation. Nous regrouperons dans cette section les principaux organismes qui offrent du soutien technique ou financier, mais nous vous invitons néanmoins à faire une petite recherche de votre côté. En effet, selon la région où vous habitez et la nature de votre projet, il peut exister un programme qui ne soit disponible que pour vous ou que pour une ville bien déterminée. Nous y avons également inclus quelques organismes dont la mission première est de soutenir les artistes en mettant à leur disposition diverses bourses, de création, par exemple.

centre des petites entreprises pour consommateurs www.subventionspretsentreprise.com 1 800 763-0945 Enfin, des organismes non gouvernementaux peuvent aussi vous prêter main-forte dans la recherche de financement pour le démarrage de votre entreprise. C’est le cas du Centre des petites entreprises pour consommateurs qui est un organisme de recherche et d’édition privé et qui facilite grandement la recherche de subventions pour les entrepreneurs. L’organisme offre, en plus d’une panoplie d’informations pertinentes, un moteur de recherche qui, selon les critères que vous spécifierez, vous permettra de connaître toutes les subventions gouvernementales qui sont disponibles. Une aide bien précieuse dans les méandres des multiples programmes fédéraux et provinciaux !

fondation canadienne des jeunes entrepreneurs FCJE www.fcje.ca 1 866 646-2922 La Fondation canadienne des jeunes entrepreneurs est une OBNL dont la mission première est de contribuer au développement économique de notre pays en offrant du soutien aux jeunes entrepreneurs de 18 à 39 ans. Une foule d’informations pertinentes est disponible sur son site Web et leur aide peut être utile au pré et post démarrage de votre entreprise. N’hésitez pas à les consulter !

service d’aide aux jeunes entrepreneurs (SAJE) www.sajeenaffaires.org 514-861-7253 Il s’agit d’un organisme de soutien aux entrepreneurs (démarrage ou période de croissance). Il fournit du soutien durant les quatre premières années de votre entreprise. Sa mission est de conseiller, informer, soutenir et encadrer l’entrepreneur.

service québec aux entreprises www2.gouv.qc.ca/entreprises/portail/quebec 1 877 644-4545 514-644-4545 418-644-4545 Cet organisme gouvernemental diffuse de l’information sur les divers services et programmes qui sont offerts au Québec. Il publie le guide

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CHAPITR E 2

« Démarrer une entreprise », qui fournit une foule d’informations et notamment les principales sources de subventions et d’aide financière. Attention : les informations s’adressent à tous les types d’entrepreneurs et ne tiennent donc pas toujours compte de la particularité du statut d’artiste ou de travailleur autonome.

service canada aux entreprises www.entreprisescanada.ca 1 888 576-4444 Il s’agit d’un site Web du gouvernement fédéral qui regroupe beaucoup d’informations pertinentes, financières, techniques ou tout simplement inspirantes. Attention cependant à ne pas trop vous égarer.

info entrepreneurs www.infoentrepreneurs.org 1 800 322-4636 514-496-4636 Info entrepreneurs est le leader en matière d’informations intégrées et de qualité sur les services et programmes gouvernementaux destinés aux gens d’affaires. De plus, il constitue une source privilégiée d’informations commerciales, contribuant ainsi à la croissance économique des PME. Le site vous donne accès à des renseignements provenant des ministères fédéraux et provinciaux (quelle que soit votre province de résidence). En plus, des sections spéciales sont consacrées aux travailleurs autonomes, au démarrage d’entreprise et à la création d’un plan d’affaires interactif.

fondation de l’entrepreneurship www.entrepreneurship.qc.ca 1 800 661-2160 La Fondation de l’entrepreneurship est un organisme sans but lucratif activement engagé dans la promotion du développement de la culture entrepreneuriale comme moyen privilégié d’assurer le développement économique et social du Québec.

affaires et développement québécois www.aedq.org 514 990-0519 1 877 979-7973 Association fondée en 1993, Affaires et développement québécois (AEDQ) est le plus grand regroupement privé d’entrepreneurs autonomes au Québec. Réseautage, formation, conférences, ateliers d’échange et rabais aux membres ne sont que quelques-uns des outils qui sont mis à la disposition des membres de l’AEDQ pour briser l’isolement, créer un réseau de contacts d’affaires, augmenter les occasions de vente, favoriser les échanges et la collaboration, accroître leur visibilité et demeurer informés.

conseil des arts de montréal (cam)

participation des citoyens à la vie artistique montréalaise. Sur ce site, vous trouverez diverses bourses et subventions pour lesquelles vous pourrez présenter une demande.

conseil des arts et des lettres du québec (calq) www.calq.gouv.qc.ca 1 800 897-1707 1 800 608-3350 (Mtl) 1 800 897-1707 (Qc) Sur ce site, vous trouverez toutes les subventions et bourses auxquelles les artistes en arts visuels ont accès. Il est impératif de faire une recherche préalable et de définir clairement votre projet. Il sera ainsi plus facile de savoir de quel programme celui-ci relève. Attention aux dates d’inscription et aux différents critères d’admissibilité.

conseil des arts du canada (cac) www.conseildesarts.ca 1 800 263-5588 Ce site du gouvernement fédéral énumère les différentes subventions et bourses qui existent pour les artistes.

la fondation du maire de montréal pour la jeunesse www.fondationdumaire.ca/fr Des bourses sont offertes pour les jeunes entre 18 et 35 ans qui ont un revenu se trouvant sous le seuil de la pauvreté, habitant Montréal et désirant se lancer en affaires dans le secteur des arts. Encore une fois, il est important de vérifier les différents critères à respecter.

artère : pour la relève artistique montréalaise www.artere.qc.ca Ce portail Internet a pour but de créer une communauté virtuelle autour des artistes de la relève de la scène montréalaise. Ce site fourmille d’informations et de liens utiles. Il permet également d’entrer en contact avec des artistes qui sont dans la même situation que vous, c’est-à-dire en transition vers le travail autonome.

chambre de commerce du montréal métropolitain w w w. c c m m . q c . c a / f r / e n t re p re n e u r i a t / 514-871-4000

regroupements locaux N’oubliez pas de communiquer avec votre Chambre de commerce locale et votre Centre local de développement, qui fournissent tous deux un appui de base aux entreprises dans leur région.

www.artsmontreal.org 514-280-3580 Le Conseil des arts de Montréal favorise la

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L’AIDE FINANCIÈRE ET LE SOUTIEN QUE L’ON PEUT OBTENIR DE DIVERSES SOURCES

2.5

QUELQUES LIENS SUPPLÉMENTAIRES blog du SAJE - les principales

ressources pour le démarrage www.metier-entrepreneur.org/2012/10/ ou-trouver-du-financement infoentrepreneurs – financer

son projet

www.infoentrepreneurs.org/fr/financement

s ervices Québec – aides financières www2.gouv.qc.ca/entreprises/portail/quebec/ recherche?lang=fr&x=AideFinanciere répertoire fundica - aide à la

recherche de financement www.fundica.com

conseil montérégien de la culture

et des communications guide ressources (financement, fondations, organismes, associations, prix et bourses) www.culturemonteregie.qc.ca/LiensArts-visuels

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3

l’illustrateur, le créateur d’images

Isabelle Fortier N’avoir que soi-même pour patron représente un Eldorado pour plus d’un. Toutefois, sachez que dans cette situation, personne ne se chargera de vous donner le coup de pied nécessaire dans les moments de relâchement. Vous ne pourrez compter que sur vous-même pour vous inspirer un deuxième souffle face à l’adversité !

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CHAPITR E 3

3.1

ILLU…QUOI ? ILLU…MINÉ ? Avant même de discuter de formation, il est important de mettre de l’avant quelques détails concernant la personnalité de l’illustrateur. En effet, cette profession, comme bien d’autres d’ailleurs, demande de posséder quelques aptitudes de base. Selon Darrel Rees, dans son ouvrage How to Be an Illustrator, l’illustrateur qui réussira à mener une carrière prolifique possédera un instinct de chasseur. Il est en effet nécessaire, pour tout travailleur autonome, de jouir d’un instinct hors pair lorsque vient le temps de partir « à la chasse aux clients ». Cet instinct permettra aussi de prendre les bonnes décisions aux bons moments. Par exemple, il n’est pas toujours évident de savoir quand exactement le marché sera fructueux, qui est susceptible, à un moment particulier, d’être intéressé par votre travail ou même quel client saura mettre de l’avant votre travail à sa juste valeur. Pour toutes ces raisons (et pour bien d’autres encore), votre instinct sera mis à contribution. Vous aurez toutefois compris que l’objectif de cette présente section n’est pas de dresser une liste exhaustive des qualités nécessaires à la réussite, mais bien de vous faire prendre conscience que le talent en dessin n’est pas le seul atout qui vous permettra de percer. D’ailleurs, en plus de cette habileté particulière, Rees cite également la curiosité parmi les qualités importantes. Pour créer des illustrations aptes à satisfaire votre clientèle, il vous sera utile de bien connaître le produit ou le service que vous aurez à illustrer. La recherche documentaire représente en effet une étape importante de votre démarche artistique et faire preuve d’une curiosité intellectuelle naturelle vous sera probablement d’une très grande aide. Il s’avère aussi utile, pour exercer ce métier, de posséder la passion, le feu sacré pour l’illustration, pour les arts et plus particulièrement pour l’imagerie. Il est important d’être déterminé, de croire en soi et surtout, de se donner les moyens d’atteindre ses objectifs. Le talent n’est rien sans une détermination à toute épreuve et un minimum d’ambition.

Bien entendu, le sens des affaires est un atout. Cependant, l’histoire nous a appris qu’artiste ne rime pas souvent avec homme d’affaires. C’est pourquoi il est important de savoir s’entourer des bonnes personnes, celles qui sauront vous pousser, vous stimuler, vous aider et parfois même vous guider. Finalement, la dernière aptitude que Rees prend la peine de souligner et qui s’avère sûrement des plus importantes est la capacité à la motivation personnelle. N’avoir que soi-même pour patron représente un Eldorado pour plus d’un. Toutefois, sachez que dans cette situation, personne ne se chargera de vous donner le coup de pied nécessaire dans les moments de relâchement. Vous ne pourrez compter que sur vous-même pour vous inspirer un deuxième souffle face à l’adversité ! Cette énumération vous donne une idée générale des aptitudes mises à contribution dans la progression d’une carrière en illustration en tant que travailleur autonome. Ce ne sont toutefois que des idées générales pour vous aider à évaluer votre aptitude à travailler dans le domaine. La vision du métier change d’un illustrateur à un autre et ces approches possibles sont très liées à la personnalité. Il s’agit donc d’opter pour une approche qui vous conviendra et vous évitera de vous sentir à l’étroit ou dépassé par les choses… De plus, il existe plusieurs domaines différents au sein même du monde de l’illustration sur lesquels nous jetterons un bref regard dans le chapitre suivant. Par exemple, les gens œuvrant principalement en édition jeunesse ne mettront probablement pas à contribution les mêmes aptitudes que les illustrateurs en animation Web. En vous connaissant bien, vous arriverez à mieux définir quelle voie vous gagnerez à exploiter. En ce qui concerne les études, l’illustrateur a généralement suivi une formation reliée à l’art ou au design graphique (dans plus de 50 % des cas). Certains ont même suivi un programme spécialisé en illustration. Cependant, il n’y a pas beaucoup d’options actuellement au Québec quant à la formation publique visant précisément l’illustration. Notons quand même le programme du Collège Dawson et le programme en bande dessinée de l’Université du Québec en Outaouais. Les autres programmes publics ne contiennent que quelques cours en illustration à l’intérieur d’un cursus visant un apprentissage élargi en arts graphiques ou visuels,

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L’ILLUSTRATEUR, LE CRÉATEUR D’IMAGES

comme le baccalauréat en design graphique ou encore celui en arts visuels, tous deux offerts à l’Université du Québec à Montréal (UQAM). Un programme spécifiquement dédié à l’illustration et au dessin animé devrait voir le jour dans les prochaines années. En effet, le MELS (ministère de l’Éducation, des loisirs et du sport) travaille conjointement avec les différents intervenants de l’industrie (le Collège Dawson, Illustration Québec, le Cégep du Vieux-Montréal et les illustrateurs) pour créer et mettre en place ce nouveau programme. Il existe également des programmes privés qui, moyennant des frais de scolarité souvent plus élevés que les frais de scolarité universitaire, vous donneront des formations de durée et de reconnaissance variées. Illustration Québec ne privilégie aucun de ces programmes en particulier, car son mandat n’est pas de recommander une institution plutôt qu’une autre, mais plutôt de vous aider à tirer profit de la formation que vous aurez reçue et du cheminement que vous aurez choisi. Vous êtes en effet mieux placé que quiconque pour choisir le parcours qui convient le mieux à vos ambitions. Tous les programmes, qu’ils soient privés, publics, collégiaux ou universitaires ont cependant un point en commun : ils visent à vous enseigner des techniques de base. Ils vous initient aux différents médiums et à certains logiciels informatiques. Si vous ne vous sentez pas artiste, si vous n’avez pas à la base quelques préférences, ces programmes ne vous transformeront pas en illustrateur. Il est à la portée de tous d’apprendre des techniques et de s’initier à l’utilisation de logiciels, mais si vous n’avez pas un peu de talent, cela ne servira à rien. En outre, les formations offertes ont une autre lacune : elles ne vous préparent que très peu aux difficultés, contraintes et autres réalités de la vie de travailleur autonome. C’est d’ailleurs pour pallier ce manque que le présent guide a été conçu. Il n’est donc pas obligatoire d’avoir une formation scolaire dans le domaine pour être illustrateur, mais il faut toutefois savoir que plusieurs avantages découlent du fait de posséder un diplôme. En vérité, être diplômé est souvent vu comme un gage de qualité et de savoir-faire par vos clients. Hormis l’avantage d’avoir accès gratuitement au matériel, les cours que vous aurez pris vous auront permis de vous faire la main plus rapidement que si vous n’aviez que votre temps libre à consacrer à ces apprentissages. De plus, la certification consiste en une plus-value dans un domaine aussi compétitif, car vos études vous permettront aussi de bâtir votre réseau de contacts (professeurs, collègues, etc.) et de vous constituer un portfolio bien garni. N’oubliez pas toutefois que votre portfolio est quand même

plus important que vos diplômes pour décrocher un contrat… L’illustrateur a donc deux choix quant à sa formation. Il peut être autodidacte et décider de se former tout seul en trouvant les réponses à ses questions au hasard des rencontres, des visites, des lectures et autres méthodes qu’il privilégiera. Il peut aussi s’inscrire à un programme collégial ou universitaire en design graphique ou en illustration, ce dernier choix pouvant être réalisé au Québec ou encore à l’étranger, dans une école de beaux-arts, par exemple. Toutefois, avant de choisir l’un ou l’autre parcours, il est important d’analyser vos propres forces et faiblesses en matière de création d’images. Cette analyse vous permettra de trouver aisément quel chemin emprunter. Bien entendu, l’autocritique n’est pas toujours facile à faire. C’est pourquoi il convient souvent de valider sa vision des choses auprès d’experts en illustration, par exemple des professeurs, des acheteurs d’illustrations ou encore des illustrateurs plus expérimentés. Tous ces professionnels sauront vous donner l’heure juste quant à votre travail et aux options de formation qui s’offrent à vous. Soulignons qu’Illustration Québec peut également être de bon conseil.

3.2

ILLUSTRER, D’ACCORD ! MAIS QUOI…ET COMMENT ? Il n’est pas facile de répondre à cette question. Comme pour beaucoup d’autres interrogations portant sur le domaine de l’illustration, les réponses sont multiples et nuancées ! Heller et Arisman, dans Inside the Business of Illustration, exposent différents regards sur le débat entourant la question du style. Ils soulignent d’abord que le style sert à différencier ; différencier le vieux du neuf, le « dernier cri » de l’intemporel ou même l’original du plagiat. D’ailleurs, d’après ces auteurs, le style consiste en une forme de monnaie d’échange pour l’illustrateur, car son style particulier fera de lui une rareté. Tous les économistes vous confirmeront que la valeur d’un bien est proportionnelle à sa rareté. Pour certaines personnes, il est même impensable que l’illustrateur possède plusieurs styles, parce qu’un style est une marque de commerce qui saura le distinguer de ses nombreux collègues. C’est aussi pour son style particulier que l’on s’adressera à un illustrateur plutôt qu’à un autre. En quelque sorte, le style donne de la

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CHAPITR E 3

voix à l’illustrateur. Cependant, il faut garder en tête qu’un style bien défini peut vous emprisonner dans un secteur d’activité (par exemple, le livre jeunesse). Pour certains, l’avenir se trouve dans la multiplication des styles. Le pluralisme de styles permet en effet de répondre aux clients en mettant de l’avant l’idée selon laquelle vous n’êtes pas ancré dans un créneau, mais que vous pouvez vous adapter et répondre à toutes leurs demandes. Là encore, il convient d’avoir les capacités nécessaires pour assumer cette polyvalence. Si cela n’est pas le cas, vous pouvez toujours fonctionner en équipe avec d’autres illustrateurs et créer ainsi des illustrations sous un mode collectif. Il faut toutefois être conscient que l’illustration collective n’est plus votre propriété personnelle, mais celle de l’entité (que ce soit une entreprise ou une coopérative) pour laquelle vous travaillez. L’avantage de ces regroupements est que vous participez à une plus grande variété de projets. Aussi, pour ceux que la diversité de styles inquiète, il est possible pour vous, comme pour l’écrivain, d’utiliser un nom d’emprunt. Alors que Rémy D. donne plutôt dans l’illustration jeunesse en vectoriel, Déré My, lui, utilisera davantage la technique du collage. Cela vous permettra de courtiser un plus grand nombre de clients,

tout en gardant une distinction très claire entre vos deux portfolios. Gardez toutefois à l’esprit que vous devrez alors faire des efforts de promotion simultanément pour les deux « facettes » de l’illustrateur que vous êtes…Donc, que vous soyez illustrateur uniquement pour le jeunesse ou bien encore illustrateur au sens large, votre choix doit se faire en fonction de vos qualités et de vos aspirations, ou encore des secteurs géographiques ou d’activité que vous visez. Il y a en effet de la place pour tous les talents. Gardez aussi en tête que le questionnement sur le style est récurrent dans la carrière d’un illustrateur. En effet, un artiste prolifique, par le nombre d’expérimentations qu’il lui sera donné de faire, remettra son style en question plusieurs fois au cours de sa carrière. Cela ne témoigne pas d’une incapacité à se démarquer de la part de cet artiste, mais bien de sa capacité à se remettre en question et à évoluer. Finalement, la question à se poser est la même que dans beaucoup de métiers : vaut-il mieux être un spécialiste ou un généraliste ? La réponse à cette interrogation dépendra évidemment de vos forces, de vos faiblesses et de vos aspirations. Encore une fois, n’oubliez pas que vous êtes votre propre patron. Vous pouvez vous permettre de proposer plusieurs options à un client qui n’est pas certain de vouloir opter pour votre travail. Seulement, proposer n’importe quoi pour plaire à tout prix viendra à bout de vos convictions et vous vous sentirez rapidement abusé. Gardez en tête qu’il est courant de devoir retravailler une esquisse, mais pas d’abandonner son style au cours du processus. Restez ouvert à la critique constructive, c’est nécessaire, mais ne détruisez pas votre passion en compromettant votre intégrité.

3.3

SAVOIR SE RÉINVENTER… Certes, comme tout artiste, l’illustrateur est amené, au fil des années, à améliorer sa technique et à faire évoluer son style. Certains artistes ont su développer un style intemporel. Ce style étant indépendant de la mode, cela leur permet de toujours avoir un certain nombre de contrats, quelle que soit la tendance du moment. Et si, malgré cela, les contrats se font attendre, il leur est toujours possible d’étendre leur clientèle en visant certains pays étrangers où leur style pourrait être en demande. Après tout, grâce aux agents et à la promotion électronique, il est fini le temps du local, il convient maintenant de penser international ! D’ailleurs, l’image n’a que très

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L’ILLUSTRATEUR, LE CRÉATEUR D’IMAGES

rarement une saveur uniquement régionale. Pour d’autres, l’artiste n’est rien sans transformation, sans métamorphose de son art. Selon eux, l’artiste créateur d’images doit puiser dans ses expériences, mais aussi parmi les nouvelles techniques pour se réinventer ou du moins ne pas se cantonner à un seul style. Bien entendu, il n’est pas recommandé de se conformer à toutes les modes et tendances, car à moyen terme, cela signifierait une perte d’identité distincte pour l’artiste. Ce que l’on suggère ici relève de l’évolution, d’une mutation dans le temps. Cette réinvention de style s’opère en général progressivement. Quoi qu’il en soit, l’artiste ne doit jamais cesser de regarder autour de lui, d’observer le mode de fonctionnement de ses collègues, de s’informer sur leurs techniques et sur les nouvelles technologies disponibles. Cette ouverture sur les autres lui permet de peaufiner son art ou encore d’ouvrir des pistes de recherche quant aux nouvelles techniques de création. La recherche est aussi nécessaire à la réalisation d’esquisses différentes pour un contrat particulier. Un moyen fructueux de fonctionner, lorsqu’on travaille des ébauches, est de faire une liste de tous les mots en lien avec le contrat et de se poser des questions sur la commande et les objectifs de l’illustration en voie de création. Pour ceux que le syndrome de la page blanche inquiète, plusieurs trucs sont efficaces, mais il reste à trouver lequel vous convient… Par exemple, vous pouvez profiter de vos temps libres pour stimuler votre créativité en vous donnant des contrats fictifs inspirés de magazines et d’articles qui vous intéressent. Vous devez aussi nourrir votre esprit en participant à différentes activités culturelles, en fréquentant les musées et les galeries d’art ou encore en participant aux activités organisées par votre chère association… Il existe aussi certains livres discutant de la question de la créativité. Voici quelques titres qui pourront sûrement vous aider : Zing !: Five Steps and 101 Tips for Creativity on Command de Sam Harrison, Caffeine for the Creative Mind: 250 Exercises to Wake Up Your Brain de Stefan Mumaw et Wendy Lee Oldfield ou encore IdeaSpotting: How to Find Your Next Great Idea de Sam Harrison.

3.4

DE LA PAGE BLANCHE À LA RECONNAISSANCE Bien qu’ayant trouvé un style bien à soi et réussi à dégoter de beaux contrats, le défi qui demeure

le plus grand pour l’illustrateur est de se faire comprendre de manière originale et recherchée. Dans leur livre Les fondamentaux de l’illustration, Lawrence Zeegen et l’agence conseil en communication Crush arrivent à présenter d’une façon particulièrement structurée les étapes de l’idéation, de la page blanche au produit final. Effectivement, il est important de bien connaître les étapes cruciales menant à un résultat intelligent, innovant et correspondant à la commande. D’après les auteurs, une chaîne d’étapes toutes aussi importantes les unes que les autres permet de maximiser le temps de travail, d’éviter le syndrome de la page blanche et de s’assurer que le produit fini corresponde à la commande.

comment éviter le syndrome de la page blanche : L’illustrateur doit demeurer en constante veille dans ce monde où les tendances défilent si rapidement et où la diversité fait la richesse. Vous devrez en tout temps être aux aguets de l’inspiration et chercher à stimuler votre imagination et enrichir votre univers visuel. Les auteurs proposent d’abord et avant tout de vous munir d’un cahier de croquis qui deviendra en quelque sorte votre meilleur ami. Comme l’inspiration ne vient généralement pas sur commande, il est fortement recommandé de traîner ce carnet avec soi en permanence et de prendre l’habitude d’y noter tout croquis, citation ou bribe de conversation attrapée au coin de la rue qui fait naître chez vous ne serait-ce que l’ombre d’une idée. Observer et bien connaître le monde qui vous entoure est la meilleure façon de vous assurer que votre langage visuel sera éventuellement compris de ce même monde. Aussi, il est important d’être attentif aux moments et activités propices à faire monter chez vous l’inspiration de manière à pouvoir stimuler celle-ci dans une période plus difficile. Donc, avec un carnet de croquis bien rempli en main, vous ne vous retrouvez jamais devant une page entièrement blanche…

l’importance du concept : Les meilleures illustrations, toujours selon les auteurs de Les fondamentaux de l’illustration, sont celles qui demandent une réflexion au spectateur. « Les grandes illustrations sont comme les grands récits : elles exigent du spectateur qu’il sorte de sa passivité pour bien comprendre le message que l’illustrateur veut faire passer. (…) Les meilleures illustrations sont celles qui conjuguent savoir-faire, technique et réflexion créatrice ». En effet, un concept fort dans une image est gage de qualité et permettra à la carrière de l’illustrateur de perdurer, contrairement aux tendances rattachées aux styles, qui sont souvent passagères.

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CHAPITR E 3

les détails de la commande : Lorsqu’un client vous passe une commande, il utilisera un langage, souvent technique, propre à son domaine. Assurez-vous de bien connaître les termes propres à vos champs de travail (édition jeunesse, éditorial, publicité, story-board, etc…) mais de plus, soyez attentif à la manière qu’utilise le client pour vous expliquer le mandat. Prenez beaucoup de notes lorsque vous dialoguerez avec votre client de manière à comprendre son sentiment personnel envers le projet à illustrer. Aussi, si possible, demandez à voir le cahier de charge du projet ou encore à obtenir un bon de commande le plus détaillé possible. Les informations s’y retrouvant pourront être le point de départ de votre réflexion. Après une lecture attentive de ces documents, notez tout ce qui vous vient à l’esprit, qualificatif, émotion, ambiance… Tantôt ces notes vous serviront dans l’élaboration du concept directement, tantôt elles seront surtout utiles quant à l’aura du projet. Encore une fois, si possible, demandez à rencontrer vos clients en personne. Ce contact joue pour beaucoup dans la prise de notes et la compréhension de la mission qu’on vous accorde.

apprivoiser la bête : Vous serez appelé à illustrer toutes sortes de projets traitant d’une panoplie de sujets. À chaque fois, l’étape de recherche et d’exploration est à faire. Parfois, vous connaîtrez bien le sujet à illustrer, mais lorsque ce ne sera pas le cas, et cela arrivera plus souvent qu’autrement, il sera crucial d’apprivoiser la thématique et de bien la connaître. Plusieurs façons de faire existent quant à la documentation. Vous pouvez d’abord vous établir une liste de mots clés qui vous viennent à l’esprit et à partir de celle-ci en établir une deuxième et une troisième en rayant les mots moins significatifs et en gardant toujours les termes forts. Vous pouvez aussi faire une recherche d’images sur Google à l’aide de votre liste de mots clés, par exemple… Vous pouvez vous créer des babillards (Pinterest peut dans ce cas être un bon outil), avec des codes de couleurs, utiliser les dictionnaires de synonymes ou encore les métaphores. À cette étape, il faudra par contre vous attarder au public cible de votre projet et vous assurer que les références visuelles, linguistiques et métaphoriques utilisées seront bien comprises. Les références de toute nature sont intimement liées à la culture et un excellent concept français ne sera pas systématiquement aussi bien accueilli au Québec, et vice-versa. Par contre, peu importe pour quel public vous travaillerez, l’idée de base demeure la même : faites votre recherche ! Évitez d’arriver à la phase de création sans vous être préparé.

quand la lueur divine descend sur vous… ou non : Vos recherches sont faites, votre cahier de croquis déborde et pourtant… Nada ! Vous retrouverez ici une liste d’étapes qui mènent généralement vers le concept gagnant. Nul n’est à l’abri d’une panne d’inspiration. Toutefois, il existe quelques moyens pour limiter ces dernières le plus possible. Comme mentionné préalablement, reconnaissez les moments et les endroits les plus propices au travail. Connaissez les stimuli externes qui vous gênent le plus et éliminez-les. De toute manière, ne rajoutez pas une couche supplémentaire à votre stress en vous obligeant à travailler quand rien ne vient. Savoir s’arrêter et prendre l’air est parfois bien plus productif que de s’entêter devant le néant.

tempête et vent de création : Une fois la pause prise et la respiration contrôlée, votre cerveau créateur se remet à fonctionner en grand ? C’est donc le temps de dessiner ! Une fois votre recherche terminée, vos liens mentaux et vos concepts élaborés, il est temps de les mettre à l’épreuve. Bien que cela puisse parfois être nécessaire, il n’est pas encore temps de vous imposer trop de restrictions. Osez ! Allez au bout de vos idées, testez-les, exagérez même. Vous devez explorer votre concept en profondeur, tout comme vous aurez préalablement exploré votre sujet. Toujours selon Zeegen et Crush : « Explorer des territoires inconnus et oser se confronter à des problèmes posés par la création d’une œuvre sans recourir à des réponses toutes faites suppose un certain courage. Pour évoluer dans son travail et éviter de sombrer dans la répétition, l’illustrateur doit s’élever contre un certain conformisme et aborder les problèmes sous un nouvel angle, souvent en changeant de façon de travailler ».

de l’esquisse au final, le sprint final : Le dernier sprint est souvent le plus difficile émotionnellement pour l’illustrateur. Bien que le syndrome de la page blanche puisse vous mettre sous haute tension, le dépôt de l’esquisse pour approbation est souvent le moment le plus stressant d’un projet. Afin d’épargner votre santé, tant mentale que physique, exercez-vous à prendre du recul face à votre travail. Quand le client pose son jugement sur votre travail, ce n’est pas votre existence entière ni même votre talent qu’il analyse. Il juge simplement si l’esquisse que vous soumettez correspond à sa commande. Si jamais sa critique est trop sévère, dites-vous qu’il n’a peut-être luimême pas bien su se faire comprendre… Chose certaine, si vous êtes en mesure de présenter vous-même vos esquisses au client, faites-le.

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L’ILLUSTRATEUR, LE CRÉATEUR D’IMAGES

Expliquez vos choix et si possible, tout le cheminement derrière votre travail. Le spécialiste de la communication par l’image, c’est vous. Restez calme, prenez des notes quant à ses observations, bonnes ou mauvaises, et efforcez-vous de répondre à ses demandes, mais n’hésitez pas à faire valoir votre point de vue si vous le jugez nécessaire. Si vous n’êtes pas en mesure de présenter vous-même votre travail, accompagnez vos esquisses d’un texte explicatif, de notes ou même d’une partie de votre matériel de recherche. Arrangezvous pour que le client comprenne vos décisions et votre cheminement. Aussi, avec la venue des logiciels informatiques et du travail à l’ordinateur, les clients sont de moins en moins scrupuleux quand vient le temps de remettre en question tel ou tel détail et de vous demander des retouches. Ces derniers peuvent souvent penser qu’il ne s’agit que d’un clic de souris pour tout régler. Osez leur expliquer les étapes que leurs corrections impliquent et assurez-vous qu’ils comprennent les délais nécessaires pour qu’ils puissent juger en connaissance de cause de la valeur de la demande qu’ils vous soumettent. Chose certaine, si vos concepts sont étudiés, que votre recherche est approfondie et que vous maîtrisez bien l’art de la communication visuelle, vous saurez vous démarquer dans ce métier. Une panoplie de facteurs influe sur une carrière fructueuse, mais la profondeur de votre travail sera à tout coup remarquée.

3.5

PERFECTIONNER LES TECHNIQUES ET OPTIMISER L’UTILISATION DES OUTILS Une carrière fructueuse se définit par de multiples critères qui varient

selon les aspirations et les envies de celui ou celle qui la mène. L’évolution du style et le perfectionnement des techniques témoignent toutefois toujours d’un vif intérêt de la part de l’artiste de progresser et de pousser plus loin ses connaissances, attitude séduisante pour bien des clients. Il va sans dire que ce désir est une source de motivation qui évite que l’artiste devienne blasé et se sente dépassé. Heller et Arisman soulignent même qu’un des moteurs importants de la performance est l’estime de soi et que cette dernière est systémati-

Vous serez appelé à illustrer toutes sortes de projets traitant d’une panoplie de sujets. À chaque fois, l’étape de recherche et d’exploration est à faire. quement nourrie par le dépassement et l’expérimentation fructueuse. Il importe donc, pour maintenir cette estime de soi, de sortir des sentiers battus, des zones de confort, pour se remettre en question et, conséquemment, évoluer. L’attitude proactive permet aussi à l’illustrateur de prévoir les nouvelles tendances et donc d’éviter d’être à la merci des circonstances. L’artiste doit faire preuve d’innovation en proposant luimême de nouvelles façons de faire. Par contre, avant d’entreprendre ces démarches de déstabilisation, il faut bien connaître les techniques de base et les aléas du métier. Voilà pourquoi il faut parler de perfectionnement. Se contenter d’être dans la norme n’est effectivement pas satisfaisant, tout simplement parce que la norme change tout le temps, qu’elle est constamment repoussée par ceux qui ne se contentent pas uniquement de l’atteindre, mais qui souhaitent la faire évoluer.

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Qui dit perfectionnement dans le marché d’aujourd’hui dit presque systématiquement ordinateur et logiciel informatique. Dans le but de rester alerte et d’améliorer ses techniques, il est important de se tenir au courant de l’évolution des outils utilisés. C’est ainsi que certains illustrateurs expérimentés ont très vite intégré l’outil informatique à leur démarche de création, non pas pour créer uniquement des images numériques, mais plutôt afin de répondre aux standards de l’industrie et aux besoins des clients, qui demandent souvent que les illustrations soient envoyées par courriel. En outre, une meilleure connaissance en infographie a permis aux illustrateurs de faire plus rapidement les corrections ou ajustements demandés par leurs clients, notamment en numérisant l’œuvre et en la retouchant à l’aide de certains logiciels informatiques. Pour ceux qui craignent l’informatique comme la peste, il peut s’agir d’un grand pas que de se mettre à l’apprentissage de ces techniques. Il est par contre possible de s’inscrire à une formation en informatique sur des logiciels tels que Photoshop, InDesign, Illustrator ou autres, qui sont généralement offertes par des professionnels en informatique conscients d’avoir affaire à des gens qui ne sont pas tout à fait à l’aise avec les ordinateurs. Vous pouvez contacter directement le RCAAQ (Regroupement des centres d’artistes auto-gérés du Québec) ou le RAAV (Regroupement des artistes en arts visuels), qui sont en relation avec Emploi-Québec et l’Institut des technologies du Collège Maisonneuve pour organiser ces formations à tarifs réduits pour les artistes. www.rcaaq.org/html/fr/ actualites/formations.php Notez que même si vous vous débrouillez très bien en informatique, ces formations peuvent vous permettre de gagner beaucoup de temps dans la découverte de ces logiciels. Les principales connaissances de base à posséder concernent l’outil informatique. Le minimum est de posséder une adresse courriel et de savoir l’utiliser. Attention à ne pas

Appelé aussi mentorat, le parrainage est de plus en plus en demande.

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L’ILLUSTRATEUR, LE CRÉATEUR D’IMAGES

favoriser les adresses Hotmail, qui n’ont pas une très grande connotation professionnelle. Par la suite, il est primordial de savoir numériser une œuvre, ou du moins connaître quelqu’un qui puisse le faire pour vous. En effet, il est de plus en plus fréquent d’envoyer des illustrations par courriel, d’autant plus que cela raccourcit les délais et vous permet d’élargir votre bassin de clientèle à un niveau international, en plus d’éviter les coûts reliés à l’envoi d’originaux et les risques de perte ou de détérioration de l’œuvre. Il est également pertinent de connaître quelques mots d’anglais pour pouvoir obtenir des contrats qui proviennent d’ailleurs que des pays francophones. Bien entendu, si cela n’est pas le cas, vous pouvez toujours collaborer avec un agent ou avec votre beau-frère, mais attention à toujours demeurer professionnel. Il ne vous est pas demandé d’être parfaitement bilingue, mais de pouvoir au moins tenir une conversation de base, lire un courriel et y répondre. Il serait aussi souhaitable de connaître le vocabulaire technique relatif à la numérisation de vos œuvres et à leur impression (dpi, rgb, etc.) ; ce vocabulaire peut très vite être assimilé au fur et à mesure que se présenteront les besoins. Rien ne vous empêche de demander des précisions à d’autres illustrateurs qui seront ravis de vous aider. Cependant, en premier lieu, il est impératif que vous soyez capable de créer une illustration, sans quoi demandez-vous si vous lisez le bon document… Vos premiers contrats vont très vite vous aider à savoir quelles sont les autres informations dont vous avez besoin ou les connaissances que vous devrez améliorer.

lui-même rencontrés. Il est important, comme illustrateur, d’avoir un mentor, une personne-ressource qui puisse vous aider et vous guider. Bien entendu, il est possible d’en avoir plus d’un dans le but de profiter au maximum des habiletés de chacun. Cette relation peut être créée et mise sur pied par l’intermédiaire de votre association ou même de votre propre initiative. Il est également possible de trouver des « parrains » qui ne sont pas forcément des artistes, mais qui, par leurs connaissances, pourraient vous aider dans leur propre domaine. Par exemple, votre cousin avocat peut vous fournir de l’information sur la rédaction de contrat, ou bien le cousin du beau-frère de la sœur de votre voisin, qui travaille en communication, pourra vous aider à rédiger votre plan de marketing. Cette relation de parrainage n’a pas de durée fixe : elle peut s’étaler sur quelques mois, une année, voire plus longtemps si vous en ressentez le besoin. Elle dure aussi longtemps qu’elle est jugée utile par les deux parties.

3.6

LE PARRAINAGE Appelé aussi mentorat, le parrainage est de plus en plus en demande. C’est un outil utilisé dans les grandes entreprises pour transférer les connaissances entre les employés expérimentés et les nouvelles recrues. Ce service est également très prisé par les étudiants de tous les milieux, qui sont alors jumelés avec des professeurs ou des professionnels. Chez Illustration Québec, ce service vise à créer un lien entre un illustrateur novice et un illustrateur plus expérimenté, le but étant de transmettre des connaissances, d’offrir du soutien et des conseils lors des différentes étapes clés du développement de la carrière du débutant. Le mentor devient le référant principal du parrainé. Il est là pour l’aider et lui faire profiter de ses années d’expérience pour éviter qu’il ne tombe dans les mêmes pièges qu’il aura jadis

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4

l’illustration, un univers et ses galaxies !

Guillaume Perreault Dans la société actuelle, nous sommes à tout moment interpellés par l’image. Des affiches dans le métro, sur les abords de l’autoroute, des feuillets dans nos boîtes aux lettres, des infolettres dans nos boîtes courriel… Alouette !

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CHAPITR E 4

Nous évoluons à l’ère des communications, avides d’informations, et nous l’avons déjà dit, le but premier de l’illustration est justement de communiquer. Comme indiqué dans la première section de ce guide, le monde de l’informatique a aussi contribué à l’élargissement des déclinaisons possibles de l’illustration. Alors que l’on fait moins de médias imprimés, davantage de publicités sur le Web voient le jour à tout moment et, à condition de connaître les modes de fonctionnement des nouvelles déclinaisons de l’image et de s’adapter aux changements des sphères de travail plus conventionnelles, mais tout de même en évolution, l’illustrateur voit aujourd’hui tout un monde de possibilités s’offrir à lui. Le présent chapitre vise à brosser un bref portrait des principaux secteurs à connaître. Même si certains illustrateurs n’exploiteront qu’un ou deux de ces domaines selon leur style et leurs envies, il demeure stratégique de s’informer sur les opportunités et de les explorer afin de se tailler une place de choix dans un marché assez compétitif. Exploiter plusieurs domaines peut aussi vous permettre de minimiser les périodes creuses et d’être un peu moins à la merci des aléas d’un monde particulier. Alors que le marché de l’éditorial a sans doute ralenti ces dernières années, le secteur de la publicité Web a pour sa part le vent dans les voiles…

4.1

MAMAN, RACONTE-MOI UNE HISTOIRE ! : LE MONDE DE L’ÉDITION JEUNESSE L’édition jeunesse est sans nul doute la définition première qui viendra en tête aux non-initiés à qui l’on parlera d’illustration. C’est effectivement un domaine d’activité important et plusieurs illustrateurs auront, au cours de leur carrière, travaillé à de multiples albums jeunesse. Toutefois, il faut savoir que ce domaine est particulièrement demandant, sans être nécessairement le

plus lucratif. D’ailleurs, à ce sujet, vous pourrez consulter la grille tarifaire présentée plus loin dans cet ouvrage. L’illustration d’albums jeunesse est un travail de longue haleine, demandant l’élaboration de plusieurs illustrations qui auront d’abord elles-mêmes demandé plusieurs épreuves d’approbation (souvent plus élaborées que celles exigées en publicité, par exemple…). Bien que les délais de travail soient généralement respectables dans ce domaine, c’est la somme des illustrations à présenter qui fait de ces projets de l’argent durement gagné. Malgré tout, lorsque l’histoire est inspirante, c’est une aventure qui peut assurément s’avérer emballante ! Pour qui voudra percer le marché en illustration jeunesse, il s’agira d’abord d’attirer l’œil d’un éditeur ou d’un directeur de collection. C’est effectivement la tâche la plus ardue. Plusieurs méthodes sont bonnes pour solliciter leur attention (le chapitre suivant traitant de la promotion pourra vous aiguiller davantage sur les actions à prendre), mais sachez quand même que l’éditeur est une espèce très occupée et rarement disponible pour vous recevoir. Bien que nous vous encouragions tout de même à solliciter des rendez-vous avec l’un d’entre eux, nous savons bien que la chose n’est pas si simple. Dans Le Guide de l’Édition Jeunesse, paru chez MCL Éditions, on suggère également aux illustrateurs de sillonner les kiosques des salons du livre, leur portfolio sous le bras. Sachez cependant que les directeurs artistiques ne sont pas toujours dans les salons et lorsqu’ils y sont présents, ils ne sont pas toujours disponibles. Les salons sont néanmoins de bonnes occasions pour rencontrer d’autres illustrateurs, des auteurs (qui pourraient vous suggérer à un éditeur lors d’une collaboration) et découvrir en un seul endroit les nouveautés et la production d’une maison d’édition. À tout le moins, faites vos recherches et tentez d’approcher les éditeurs dont les collections et les ouvrages correspondent le plus à votre style. Aussi, prenez le temps de bien lire les textes qu’ils choisissent de publier, puisqu’il s’agira de votre première inspiration dans l’éventualité d’un contrat avec eux. Et pourquoi pas, exercez-vous à illustrer une fable ou un conte bien connu, projet que vous pourrez utiliser comme maquette lors de vos futures présentations aux maisons d’édition. Et surtout, l’album jeunesse comporte un monde de possibilités (illustrations sur doubles pages, personnages repris et déclinés en coin de page, jeu

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L’ILLUSTRATION, UN UNIVERS ET SES GALAXIES !

de couleurs et de lettrages…) alors allez-y, sortez du cadre et éclatez-vous ! Fait important à savoir, les maisons d’édition préfèrent elles-mêmes faire le jumelage auteur-illustrateur et il est plus rare, mais pas impossible, qu’un projet déjà fignolé soit accepté par ces dernières. Si elles préfèrent en effet généralement choisir elles-mêmes les équipes de travail, il n’est pas rare de voir des livres écrits et illustrés par la même personne. Ainsi, de plus en plus d’illustrateurs deviennent auteur jeunesse. En 2013, lors d’un sondage mené auprès des illustrateurs, Illustration Québec a constaté que cette réalité touchait plus de 5 % des illustrateurs jeunesse. Si vous vous sentez l’âme écrivaine, pourquoi ne pas vous lancer ? Ainsi, vous n’aurez pas à séparer vos gains avec l’auteur. Zeegen et Church nous informent encore que la question de la direction artistique risque d’être complexe dans ce domaine. Admettons que l’illustrateur soit choisi par le directeur de collection, ce dernier n’est souvent pas le seul à juger des esquisses et toute une équipe pourra par la suite faire des remarques et des demandes d’ajustements : le directeur artistique, l’éditeur en chef, le graphiste et parfois même l’auteur… Il peut donc être judicieux de demander une rencontre avec l’auteur et toute l’équipe de production avant de trop vous avancer. D’autre part, le Guide de l’Édition Jeunesse explique également que le domaine de l’illustration jeunesse a bien changé depuis ses débuts. Alors que dans les années trente le but premier du texte de l’album jeunesse était clairement pédagogique et que les illustrations se contentaient de mettre en images des phrases du texte, nous en sommes maintenant à un monde plus émancipé et l’illustration est bien plus appréciée lorsqu’elle ajoute à l’histoire, joue avec le texte, tantôt nous y renvoyant, tantôt ajoutant au récit. « L’album est, de nos jours, pensé pour toucher l’affect et l’imaginaire de l’enfant. Pour le faire réagir et l’impliquer émotionnellement ». Pour impliquer ces petits lecteurs, quoi de mieux que de vivre en leur présence, participer à leurs jeux imaginaires et les observer le plus souvent possible. Et à ce sujet, il s’est développé avec le temps un autre aspect intéressant de l’illustration pour la jeunesse : les visites pédagogiques et les ateliers en classe. Au Québec, il existe un beau programme gouvernemental intitulé Culture à l’école qui permet à tout intervenant culturel, dont l’illustrateur, de s’inscrire comme étant disponible pour animer des ateliers dans un cadre scolaire. En effet, les déplacements étant souvent trop onéreux pour les groupes, mais le désir d’initier les élèves à la vie culturelle québécoise demeurant, le ministère de l’Éducation, des Loisirs et du Sport (MELS) a implanté cette façon de faire en 2004. Les

professeurs de tous les niveaux sont sensibilisés à ce programme et encouragés à faire appel aux professionnels figurant au bottin. Alors que ces ateliers peuvent servir à alimenter votre imaginaire, il s’agit également d’un excellent moyen de bonifier vos revenus d’illustration d’albums jeunesse. Pour plus d’informations sur le programme, visitez le site Web suivant : www.mcc. gouv.qc.ca/?id=2024 Il ne faut pas non plus oublier que l’illustration jeunesse comprend aussi bien l’illustration de roman, qui diffère un peu de l’album jeunesse en ce que les illustrations, outre la couverture, seront peut-être un peu moins nombreuses et laborieuses, mais aussi le documentaire pour enfants. Ce domaine, bien que plus rare, est aussi agréable à expérimenter et peut représenter un défi encore plus grand alors que l’illustration devra dans ce cas faire appel à l’imaginaire de l’enfant tout en empruntant un caractère plus technique. Les encyclopédies et les documentaires jeunesse ne sont pas légion, mais sont souvent remplis d’illustrations et il peut également s’agir de contrats exigeants… L’édition scolaire est aussi une autre composante de l’illustration jeunesse et un marché qui évolue parfois en marge. Alors que le déroulement des choses est semblable à l’illustration jeunesse en général, quelques précautions sont à prendre. Les éditeurs dans ce domaine ont souvent des commandes assez dirigées (que les personnages illustrés proviennent de plusieurs communautés culturelles, que tantôt on y retrouve une personne en chaise roulante, que le ratio homme/femme soit respecté…). Bref, ces commandes laissent souvent peu de place à l’inspiration spontanée et malheureusement, les contrats sont souvent moins payants que pour l’illustration d’album et les délais, plus courts. Enfin, pour vous encourager dans ce volet de l’illustration qui demeure intéressant comme avenue, vous trouverez dans la section des liens utiles de ce chapitre une liste des principales maisons d’édition jeunesse et au chapitre traitant de la promotion, une liste des concours en illustration jeunesse.

4.2

EN PREMIÈRE PAGE – LA FAMEUSE COUVERTURE Voici un autre domaine qui mènera les illustrateurs à travailler de près avec les maisons d’édition.

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CHAPITR E 4

valeurs et ses goûts, le convainquant ainsi que le livre est écrit pour lui. Ensuite, il faudra que la couverture donne un avant-goût du contenu du récit. Autre détail important, l’illustration du livre devra, comme mentionné plus tôt, en stimuler la vente sur un marché fort compétitif et ce, qu’il soit présenté de face ou par la tranche ! Et finalement, l’illustration devra permettre au lecteur de catégoriser rapidement le livre (roman jeunesse, policier, fiction, biographie, etc…). D’autre part, compte tenu de toutes les informations textuelles à intégrer à la couverture, vous aurez tout intérêt à marcher main dans la main avec le graphiste attitré au projet. D’ailleurs, comme le rapportent Zeegen et Crush, « l’illustration a beau être une forme de communication convaincante, elle aurait du mal à exister sans le graphisme. Le graphisme communique, séduit, informe et éduque. (…) L’enseigne, le livre ou le journal, la pochette de CD, la notice d’une bouteille de sirop, le paquet d’emballage de vos céréales préférées ou le logiciel que vous utilisez sont tous passés entre les mains d’un graphiste. » Il vous sera donc utile de connaître un tant soit peu le monde du graphisme et le fonctionnement de cette industrie. Mais soyez sans craintes, si vous ne vous y connaissez pas, ça ne saurait tarder. De plus, dans le chapitre traitant de la promotion du travail de l’illustrateur, un aperçu des rôles de chacun à l’intérieur de la structure de la maison d’édition sera présenté.

4.3

Peut-être de moins longue durée, les contrats de couverture de livres sont aussi très intéressants et leur valeur pécuniaire est peut-être plus facile à évaluer. Alors qu’au début du présent siècle la photographie avait un peu détrôné la place de l’illustration en ce qui concerne les couvertures de livres, le vent semble maintenant avoir tourné. Illustrer une couverture de livre est également un beau défi puisqu’encore une fois, vous jouez du format du « livre-objet » à illustrer (déborder sur la tranche, intégrer la deuxième de couverture…). Il faut aussi être conscient que l’objectif premier de la couverture de livre est d’en stimuler la vente. Dans son livre Illustration, Andrew Hall nous rapporte les conseils de John Hamilton, directeur artistique pour la maison d’édition Penguin Books de Londres. Selon Hamilton, la couverture de livre doit d’abord intriguer le lecteur potentiel, créer une connexion entre le livre et les intérêts du lecteur, son âge, ses

L’ILLUSTRATION ÉDITORIALE, ÇA PRESSE ! Selon Heller et Arisman, le monde de lillustration éditoriale, ou illustration de presse, demeure la source première de revenus pour l’illustrateur travailleur autonome. Cette donnée est d’ailleurs confirmée par les études menées par Illustration Québec. Dans Marketing illustration, on nous informe que parmi l’illustration de livres, journaux, magazines et même dans le monde publicitaire, l’illustration éditoriale prédomine toujours malgré la venue de nouveaux horizons comme l’illustration de jeux vidéo ou encore le « licensing » (illustration d’objets usuels et de tissus, par exemple…). Cette réalité découle fort probablement en partie du large spectre que contient le domaine de l’édition. Comme il a déjà été sujet de l’illustration de livres et d’albums jeunesse, concentrons-nous plutôt ici sur l’illustration d’articles de magazines, revues et autres journaux. C’est un domaine bien connu, dont le

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L’ILLUSTRATION, UN UNIVERS ET SES GALAXIES !

fonctionnement est établi et fluide. Toutefois, la venue d’Internet risque de changer les modalités entourant ces contrats. Il faudra donc que l’illustrateur soit prêt à produire des illustrations animées et à comprendre les comportements des usagers pour les accrocher et les amener à lire les articles Web pour lesquels il aura travaillé. Pensons par exemple à l’application La Presse +, qui vient d’offrir une toute nouvelle manière de consulter un journal sur une tablette. Bye Bye le PDF statique, bonjour l’interactivité. L’arrivée des applications Web et des déclinaisons Web des magazines a également une incidence sur les droits qui sont cédés dans le contrat de création. Les éditeurs souhaitent de plus en plus obtenir le droit d’utiliser l’illustration pour le support papier et numérique du magazine. Bien que le médium soit appelé à changer et que le nombre de publications papier décroisse tranquillement, tandis que les sites Web à contenus éditoriaux poussent comme de petits champignons, l’objectif premier de l’illustration de presse demeure le même, quel que soit le support, Web ou papier… Il s’agit ici d’illustration de reportage. Alors que l’illustration d’album jeunesse devra permettre à l’imaginaire de l’enfant de s’épanouir et de sortir du récit, on s’attend ici à ce que l’illustration serve d’invitation au texte. Elle devra certes servir à apporter un point de vue plus personnel sur le contenu de l’article, mais demeurera une porte d’entrée à la matière, une sorte de « reportage visuel ». C’est pourquoi il importera que l’illustrateur qui voudra se lancer dans ce domaine apprivoise les différents journaux, revues et magazines pour cibler ceux dont la nature des sujets traités l’interpelle et stimule sa créativité. Effectivement, le principal attrait de l’illustration éditoriale est la grande place qu’elle donne au concept. Pour faire de l’éditorial, il faut avant tout manier l’art du concept. Il faut que l’illustrateur soit en mesure de synthétiser, de faire ressortir un point de vue, un argument en une image. En effet, c’est l’illustration associée au titre qui donnera envie au lecteur de s’attarder et de lire l’article. Le défi pour l’illustrateur est souvent de résumer en une image un article d’une à plusieurs pages. Un illustrateur qui maîtrise le concept est un illustrateur polyvalent qui pourra travailler partout. Ce talent n’est malheureusement pas donné à tous. Cependant, il est possible de l’améliorer, de le développer. Pour ce faire, plusieurs petits exercices existent. Ainsi, vous pouvez vous donner de faux mandats en illustrant des articles déjà existants. Ces pièces vous serviront d’ailleurs pour bonifier votre portfolio. Il sera néanmoins important de comparer votre image à celle produite initialement pour le magazine. En faisant une vraie analyse critique de votre image, vous apprendrez

à vous améliorer, l’idée étant toujours de vous demander si votre image répond au mandat, communique la bonne information et cela, de la bonne manière, en fonction de la clientèle cible. Un autre exercice consiste à dessiner 100 fourchettes différentes, 100 grenouilles différentes, etc, l’idée étant toujours de pousser au maximum votre créativité. Il faut savoir qu’en illustration éditoriale, les délais sont généralement serrés, souvent moins d’une semaine. Sachez également que le directeur artistique d’une publication donnée contactera un illustrateur dont il connaît, la plupart du temps déjà bien, le travail, et s’attendra à recevoir une proposition conforme à l’idée qu’il s’en fait. Pour cette raison, et pour le rythme rapide que comportent les contrats en illustration éditoriale, l’illustrateur voudra connaître l’idée, souvent précise, qu’a en tête le client qui le contacte. Le premier appel est le moment ou jamais de poser ses questions (sur quelle page figurera l’illustration, la taille de l’illustration, si le client s’est référé à une de vos illustrations en particulier avant de vous solliciter, si le numéro du magazine comportera des spécifications d’ordre esthétique, etc…), ensuite s’enfileront assez rapidement les étapes de la production : l’élaboration de concept en une ou deux journées tout au plus, le dépôt d’une ou de plusieurs esquisse(s) et finalement, le rendu de l’illustration finale. Tout ce processus se passe généralement sur une semaine, dix jours tout au plus… L’illustration de presse est donc un monde dynamique au point de vue créativité, mais demande d’être rapide et de bien travailler sous pression. Nous parlerons aussi plus en détail de la structure intérieure de ces publications lorsqu’il sera question de promotion dans un chapitre ultérieur.

4.4

ILLUSTRER POUR LA PUBLICITÉ Le monde publicitaire est généralement attrayant pour l’illustrateur. C’est un domaine habituellement payant, mais surtout, la portée des campagnes pour lesquelles les talents d’illustrateurs sont réquisitionnés est l’élément séduisant. En effet, produire pour le monde publicitaire signifie souvent voir ses illustrations reproduites sur différents supports à la fois. Une campagne publicitaire importante peut comprendre plusieurs gros panneaux publicitaires, des spots TV, des flancs entiers d’autobus, des bannières Web et encore bien d’autres déclinaisons. Dans le monde moderne, surtout grâce à Internet, les grosses

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CHAPITR E 4

campagnes ont de fait une portée internationale. Au-delà de la rémunération monétaire, la visibilité offerte par ce genre de contrat est souvent inestimable. Aussi, Andrew Hall, dans son livre Illustration, explique que cette forme d’art (l’illustration) est spécialement intéressante en publicité parce que contrairement à la photographie, elle peut se révéler libre de référence au lieu, à la race, à l’âge et n’est pas nécessairement fixée dans le temps. Dans un monde où le message visuel tend à être universel, l’illustration est donc la forme d’expression la plus à même d’y arriver. Le Québec est d’ailleurs un lieu fort intéressant, car il est un laboratoire pour de nombreuses compagnies qui peuvent y tester leurs campagnes publicitaires. En outre, bon nombre d’entreprises internationales créent spécifiquement du matériel promotionnel et des campagnes pour le Québec. C’est le cas notamment de Pepsi ou Coca Cola : ces compagnies cherchent à maintenir dynamique et en vie ce secteur d’activité.

Toutefois, comme tout autre domaine, le monde publicitaire comporte son lot de risques et de désavantages. Une belle publicité mettant adéquatement en valeur le travail de l’illustrateur et associée à un produit de qualité qui sera populaire auprès des consommateurs est en quelque sorte un laissez-passer direct pour les grandes ligues pour l’illustrateur créateur. Par contre, une belle publicité mettant adéquatement en valeur le travail de l’illustrateur et associée à un produit de mauvaise qualité ou encore qui ne remporte pas la popularité escomptée auprès des consommateurs peut être un aller simple pour le chômage. En effet, l’illustration publicitaire et le produit annoncé sont intimement liés et la réputation de l’un a toujours beaucoup d’impact sur l’autre. De plus, la chaine de production est assez longue et il semble pratiquement impossible pour l’illustrateur d’entrer en contact avec le client directement, à moins de travailler pour une petite PME ou à une campagne de moins grande envergure. En effet, les grosses compagnies, dont les campagnes sont d’envergure nationale, font généralement affaire avec une agence publicitaire qui sera chargée de recruter l’illustrateur et de négocier avec lui en lui servant d’unique interlocuteur. Généralement, l’acheteur d’art de l’agence mandatée par la compagnie suggèrera le travail de quelques illustrateurs à son client, sans avoir préalablement vérifié l’intérêt et la disponibilité des candidats. Une fois que le client aura fait un choix, l’acheteur d’art communiquera avec l’illustrateur désigné pour connaître sa disponibilité, en assumant souvent que ce dernier est intéressé! Cette manière de faire peut être déplaisante, car l’agence pourra ensuite demander à l’artiste de se pencher immédiatement sur la campagne, sans le moindre égard pour les engagements antérieurs qu’il pourrait avoir. Certains clients iront jusqu’à demander l’exclusivité, et donc exiger que l’illustrateur ne travaille que sur leur campagne pendant une période donnée. Cette situation peut rapidement devenir frustrante pour le créateur qui se retrouve encore une fois au bas de la chaine de production et doit produire dans un court délai une illustration géniale qui convaincra, d’une part, l’agence qui l’emploie, et d’autre part, le client qui emploie l’agence. Autre détail important à conserver en tête : le monde de la publicité est souvent le premier touché en cas de crise économique. Dans de nombreuses entreprises, dès que la vitesse de croisière économique diminue, le budget de publicité se voit amputé. Cette réalité signifie donc qu’en période de vaches grasses, les contrats d’agences publicitaires sont généralement assez payants. Par contre, en période creuse, il faut s’attendre à des fluctuations assez draconiennes. En

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ce qui concerne la rémunération, de plus amples informations seront disponibles via la grille tarifaire dans un prochain chapitre, mais l’idée de base est de rémunérer l’artiste en fonction de quelques données, dont le support de l’illustration (panneaux publicitaires géants, bandes passantes Internet, dépliants, etc.), l’importance du public (niveau international, national ou campagne régionale), nombre d’illustrations nécessaires à la campagne et finalement, durée de cette dernière. Voilà pourquoi, lorsque l’on travaille en publicité, il est important de soumettre à l’agence qui nous embauche un devis le plus détaillé possible. Zeegen et Crush nous rappellent effectivement que le monde publicitaire implique forcément deux interlocuteurs, le client et l’agence de publicité. Il importe donc de présenter un devis le plus détaillé possible pour que l’agence sache exactement à quoi s’en tenir et puisse présenter votre travail et vos conditions aux clients le plus fidèlement possible et ainsi éviter les malentendus qui pourraient survenir une fois le travail débuté. Le choix de l’agence quant aux artistes qu’elle présentera à ses clients se déterminera donc en fonction de leur portfolio et de leur devis. Rédiger un devis minutieux pour un contrat que l’on n’est pas certain d’obtenir peut être contraignant, mais si cela vous permettra de décrocher un contrat payant et stimulant conforme à vos conditions, c’est une chance à courir !

4.5

LES PRODUITS DÉRIVÉS OU COMMENT SE RETROUVER SUR UN RIDEAU DE DOUCHE Nous n’avons évidemment pas couvert tous les domaines possibles en

illustration dans ce chapitre et avons plutôt opté pour la présentation des plus courants d’entre eux. Alors que l’illustration pour le compte des compagnies de disque permet aux musiciens, en ayant recours au talent d’un illustrateur, de s’offrir de magnifiques pochettes d’album et de splendides vidéos illustrées, ou encore qu’il soit possible de se concentrer sur l’illustration de mode en travaillant pour des magazines, vous pourriez également choisir des domaines moins conventionnels, comme l’illustration de story-boards ou encore de jeux vidéo. Nous souhaitons tout de même apporter ici un dernier regard sur une manière originale et de plus en plus populaire de tirer son épingle du jeu en tant qu’illustrateur, soit l’illustration de produits, de produits dérivés, qui est aussi connue comme le « licensing ». L’essence de cette discipline réside dans la vente de droits de reproduction d’une œuvre, sur un support donné, pour une période de temps donnée, et disponible sur un territoire spécifique, moyennant des redevances, ou encore une rémunération forfaitaire. Par exemple, vous pourriez choisir de vendre les droits de reproduction d’une de vos illustrations pour en faire une carte postale qui serait imprimée en 5 000 copies annuellement pour une période de 3 ans et distribuée dans des commerces en Amérique du Nord. Vous auriez, pour ce faire, négocié la vente de cette « licence » avec un agent ou un manufacturier de cartes postales en rédigeant un contrat sur lequel se retrouveraient toutes les informations stipulées ci-haut (le nom de l’œuvre concernée, le territoire de distribution, le nombre et la nature du support ainsi que la durée de l’entente, les clauses de résiliation, les modalités de paiement, l’échéancier de production, etc.). Les supports sur lesquels pourraient se retrouver vos illustrations sont très diversifiés. On connaît déjà bien les cartes de souhaits illustrées, les calendriers ou encore les aimants de frigo. Mais pourquoi s’arrêter là? Il existe aujourd’hui des manufacturiers qui pourraient vouloir imprimer vos

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CHAPITR E 4

À chaque fois que vous signez une entente, il peut être utile d’aller ajouter des notes dans vos agendas pour faire un bilan à la fin de celle-ci..

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illustrations sur de la céramique, des taies d’oreiller, des rideaux de douche, des pyjamas et bien plus encore ! On pourrait vouloir faire d’un de vos personnages de bande-dessinée ou d’album jeunesse des poupées, des peluches ou encore des autocollants pour enfants. Pensez par exemple aux sacs à dos à l’effigie des vedettes télé de l’instant ou encore aux figurines des tortues ninja de notre enfance ! Pour des exemples typiquement québécois, pensez à la gamme d’articles dérivés des illustrations de Kettö design, qui connaissent un succès monstre en ce moment, ou encore aux produits dérivés illustrés par Mylène Henry. Si vous ne connaissez ni l’un ni l’autre, allez faire un tour dans la boutique de Kettö à Québec pour apprécier la diversité des possibilités en termes de produits dérivés ou encore à la galerie estivale de Mylène Henry à Percé. Michael Woodward s’y connait bien dans le licensing et donne de précieux conseils dans son livre Licensing Art 101. D’abord, pour vous lancer dans cette aventure et y connaître un certain succès, il vous faudra réfléchir en termes de « marchandisation ». Alors que dans les domaines classiques de l’illustration, vous répondez généralement à des commandes assez précises, ici, vous pourrez laisser aller votre créativité, mais devrez tout de même prendre en considération d’autres critères. Par exemple, Woodward spécifie que vous devrez d’abord réfléchir à l’existence d’un marché spécifique pour un nouveau style d’illustrations que vous désireriez exploiter. Aussi, si vous décidez de travailler avec un manufacturier ou producteur spécifique, vous devrez connaître son marché et ses besoins. En effet, un manufacturier continuera d’acheter votre travail si celui-ci se vend bien. Finalement, une fois que vous aurez ciblé un manufacturier ou producteur intéressé par votre travail et avec qui vous prendrez une entente sur une ou des licences d’utilisation, sachez qu’il est de mise de respecter ses commandes. En quelque sorte, et surtout lorsqu’il s’agira d’une première expérience pour vous, c’est lui qui assumera les risques financiers de

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reproduction de vos œuvres. Il défraiera les coûts d’impression et/ou de production et accomplira tout le travail de distribution pour la vente. Ne changez pas de producteur sans avoir une excellente raison pour le faire. Laissez-lui le temps de promouvoir votre travail et de distribuer votre gamme de produits. Ne vous attendez pas à un succès instantané et fulgurant. Le retour sur l’investissement en temps et en argent que vous mettrez dans ce projet peut prendre plusieurs mois voire années. Il faut parfois travailler un à deux ans simplement pour créer des illustrations spécifiques à ce secteur avant de présenter son portfolio. Un tel portfolio doit contenir au minimum 200 à 300 illustrations (textures, patterns, personnages, etc.). Les images produites pour du licensing sont fort différentes des illustrations jeunesse. Ces dernières sont plus littéraires et se doivent de raconter une histoire, alors que les premières sont plus décoratives, plus dans le marketing de masse, et parfois même plus tendance. Finalement, le dernier conseil d’importance de Woodward est de travailler de pair avec le manufacturier, l’agent ou le producteur que vous aurez choisi ou qui vous aura approché. Tenez-vous informé du processus et offrez-lui votre aide. Vous pourriez aussi décider de produire votre gamme de produits dérivés seul. Soyez tout de même conscient des efforts que cela sous-entend. Il vous faudra d’abord trouver des fournisseurs pour les supports que vous aurez choisi de développer (fournisseur de céramique pour de la vaisselle imprimée, imprimeur de cartes de souhaits, fournisseur de vêtements, etc.). Alors que c’est à cette étape que l’on serait tenté de couper dans les frais de production en choisissant de commander ses articles du fournisseur le moins coûteux, assurez-vous de la qualité du produit que l’on vous offrira. Vous ne voudriez pas nécessairement que vos illustrations se retrouvent sur du mauvais coton ou des supports bas de gamme et soient difficiles à vendre pour cette raison. De plus, vous risqueriez de vous retrouver aux prises avec la réputation de produits de mauvaise qualité. Également, calculez le temps que vous mettrez à distribuer vos produits dans des boutiques et des commerces. Alors que certaines boutiques accepteront d’acheter vos produits d’office, la plupart d’entre elles vous proposeront un système de mise en consigne et vous paieront uniquement en fonction du nombre d’items vendus. Il est certain que cette étape nécessitera beaucoup de votre temps, et c’est le genre de chose dont s’occupe généralement un manufacturier, qui possède souvent déjà un réseau de distribution. De plus, en vendant une licence de reproduction, vous vous assurez toujours d’un montant de base prédéterminé sans le moindre investissement. Cela peut être rassurant pour débuter dans le monde du licensing. À

vous de choisir le mode qui vous conviendra. Il faudra d’ailleurs, que vous fassiez cavalier seul ou que vous travailliez avec un producteur, tenir des registres clairs et détaillés de vos transactions. En étant votre propre producteur/distributeur, vous devrez gérer vos inventaires de produits mis en consigne chez chaque commerçant et vous assurer d’obtenir vos dus en temps et lieu. Si vous vendez plutôt des licences d’utilisation, vous aurez aussi à surveiller vos paiements de redevances et le respect des clauses de votre entente (la durée de la licence devra être respectée, la nature des supports devra être connue et contrôlée par vous et le territoire de distribution des produits devra également être respecté). À chaque fois que vous signez une entente, il peut être utile d’aller d’ores et déjà ajouter des notes dans vos agendas pour faire un bilan en milieu d’entente et à la fin, tout spécialement quand il s’agit d’une entente sur une longue période, sachant que l’on risquera davantage d’oublier les détails du contrat au fil des ans. Avant de vous lancer dans cette aventure, il y a quelques questions auxquelles vous pourriez réfléchir. Ces questions pourront aussi vous aider à déterminer si vous préférez travailler avec un manufacturier ou un producteur, ou si encore vous préfèreriez produire et distribuer vos propres produits dérivés. Ajoutons d’ailleurs que l’un n’empêchera pas l’autre, mais que la plupart des acheteurs de licence vous demanderont une clause d’exclusivité concernant le style d’illustrations correspondant à la licence, ou à tout le moins précisément pour les œuvres constituant la licence. Woodward vous suggère d’abord de vous questionner sur votre attachement par rapport à votre travail. En effet, certains producteurs voudront recadrer vos images alors que cela pourrait vous irriter. Vous pourriez aussi demander un droit de regard sur le produit imprimé, mais ne vous attendez pas à avoir le dernier mot ni beaucoup de contrôle. Même si vous travaillez seul, vos choix de fournisseurs de support et d’imprimeurs auront aussi des conséquences sur le produit final. Plus les coûts de production seront élevés, plus votre produit fini sera coûteux, ce qui pourrait en ralentir la vente au final. Sachez-le et tentez de trouver un juste milieu. En troisième lieu, questionnez-vous sur votre motivation à vous lancer dans le marché des produits dérivés avant de passer à l’action. S’agit-il d’une manière de promouvoir votre travail, d’avoir un revenu supplémentaire, d’être reconnu ? Ces questionnements auront sûrement beaucoup d’impact sur les étapes prochaines. Finalement, êtes-vous ouvert à ce qu’un manufacturier ou un producteur vous suggère des sujets à illustrer ? Si non, peutêtre vaudrait-il mieux pour vous de vous acquitter seul de produire vos premiers items, quitte à commencer votre production à plus petite échelle…

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Nous aborderons la question de la promotion auprès des manufacturiers dans un prochain chapitre et nous vous invitons à consulter le chapitre sur la tarification pour connaître les « royautés » ou redevances généralement attribuées aux produits dérivés les plus communs. Il est possible d’avoir un agent qui vous représente pour le marché du licensing. Vous trouverez à cet effet quelques sites Internet de référence dans la section liens utiles du présent chapitre. Sachez cependant qu’un tel agent demande en général entre 35 % et 50 % de commission. Certains vont même jusqu’à 60 % s’ils font de la direction artistique. Ces montants s’expliquent par les coûts importants que les agents en licensing défrayent pour participer à des salons comme Surtex par exemple. Ce montant, il est rare que l’illustrateur doive encore participer financièrement à d’autres outils de promotion (à l’inverse des agents traditionnels). Cependant, dans le but de se démarquer des autres artistes représentés par votre agent, il vous sera demandé de l’aider à réaliser un dossier de presse, mettre à jour son site Internet, contribuer sur les médias sociaux, etc. Si vous décidez d’approcher un agent, pensez toujours à personnaliser votre courriel et à présenter des illustrations qui peuvent être déclinables sur des objets / des produits. Un bon agent sait ce qui se vend. Il ne prendra le temps de vous répondre que si votre travail possède un certain potentiel de vente. Le temps de l’agent étant très limité, il ne s’attardera qu’aux artistes possédant un style unique, original et « vendable ».

4.6

COMMENT TRAVAILLER AVEC LES DESIGNERS GRAPHIQUES

des affiches de spectacles et bien d’autres projets qui sont confiés aux agences de graphisme par des organismes, des compagnies ou même des particuliers. D’ailleurs, il est pertinent de connaître le graphiste avec qui l’on aura à travailler, qu’il soit employé par la maison d’édition ou l’agence de pub pour qui vous travaillez ou encore, qu’il soit propriétaire de sa propre agence et comme vous, travailleur autonome. En effet, le designer graphique est souvent notre premier partenaire de travail et il est astucieux de s’assurer qu’il détient les mêmes informations que vous sur le contrat et qu’il a en main le même bon de commande qui vous a été remis. De cette façon, celui-ci sera plus en mesure de respecter votre travail lorsqu’il aura à faire l’assemblage graphique du produit final. Certains illustrateurs auront également reçu une formation de designer graphique, ce qui leur permet de connaître le langage et les normes associés à ce travail. Pour ceux qui connaîtraient moins bien cet univers, le temps se chargera de vous enseigner les rudiments à maîtriser. Lorsque vous vous engagez à travailler pour un client la première fois, Zeegen et Crush soulignent qu’il est astucieux de prévoir une étape supplémentaire au déroulement du contrat, étape qui visera à faire connaissance avec le graphiste attitré au projet. C’est aussi à lui que seront destinées vos esquisses. Vous vous assurerez de cette manière qu’il aura le plus rapidement possible une idée du produit final avec lequel il devra composer. Encore une fois, il est évident que vous apprendrez la marche à suivre au fil des contrats et serez en mesure de confier les informations appropriées au graphiste dès le début de votre contrat.

Nous avons brièvement abordé plus haut le travail de l’illustrateur pour l’agence de publicité, mais n’avons pas souligné le travail que peuvent fournir les studios de graphisme. Plus nombreux que les agences de pub à proprement parler, il est important pour l’illustrateur qui aura à collaborer avec eux de connaître les principaux studios susceptibles de lui fournir des contrats intéressants. Via ces studios, l’illustrateur pourra mettre son talent à profit pour divers projets comme des couvertures de rapports d’activités,

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L’ILLUSTRATION, UN UNIVERS ET SES GALAXIES !

4.7

LIENS UTILES associations et regroupements association des écrivains québécois

pour la jeunesse (AEQJ) 450-689-1071 www.aeqj.com

centre québécois de ressources en

littérature pour la jeunesse 514-873-1100 poste 3319 www.banq.qc.ca/services/ services_specialises/cqrlj/

association nationale des éditeurs

de livres du Québec (ANEL) 514-273-8130 www.anel.qc.ca

union des écrivains et écrivaines

du québec (UNEQ)

514-849-8540 1 888 849-8540 www.uneq.qc.ca international children’s digital

library (ICDL)

508-641-4492  www.childrenslibrary.org

quelques noms de maisons d’édition jeunesse l a bagnole 514-523-7993 www.leseditionsdelabagnole.com l a courte échelle 514-274-2004 www.courteechelle.com d ominique et cie 514-875-0327 www.dominiqueetcompagnie.com é ditions goelette 450-653-1337 1 800 463 4961 www.editionsgoelette.com é ditions de mortagne 450-641-2387 www.editionsdemortagne.com

 urtubise h 514-523-1523 1 800 361-1664 www.editionshurtubise.com  ichel quintin éditions m 450-539-3774 www.editionsmichelquintin.ca

p lanète rebelle 514-278-7375 www.planeterebelle.qc.ca l es 400 coups Éditions 514-381-1422 www.editions400coups.com q uébec amérique 514-499-3000 www.quebec-amerique.com blog sur le licensing : artlicensingblog.com dowhatyouloveforlife.com/moyo/ smartcreativewomen.com

salon dédié au licensing : www.surtex.com www.licensingexpo.com www.nationalstationeryshow.com www.printsourcenewyork.com/ www.surfacedesignshow.com/ www.indigo-salon.com/newyork/

liste d’agents en licensing : www.artlicensingblog.com/agents/ www.katerinastamatelos.com/artlicensing-agents.html

agents en licensing : www.lillarogers.com www.cruisecreative.com

a utres informations sur le licensing : artbistro.monster.com/benefits/articles/114495-reasons-artists-need-art-licensing-agents www.katerinastamatelos.com/artlicensing-agents.html joanbeiriger.blogspot.ca/2012/03/artlicensing-editorial-why-agencies.html

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5

les outils de promotion

Richard Vallerand Les outils de promotion peuvent être jumelés et mis en parallèle. L’erreur serait de les utiliser en vase clos. Ils doivent être exploités en fonction de votre plan de communication, que vous aurez préalablement établi.

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CHAPITR E 5

5.1

JE SUIS… JE FAIS… ET JE SUIS LE MEILLEUR ! Dans cette section, nous aborderons la question des différents outils de promotion existants. Encore une fois, il est important de savoir que cette liste n’est pas exhaustive et qu’elle peut se développer au fil des avancées technologiques et de la créativité dont vous ferez preuve lors de l’élaboration de votre stratégie de promotion. Bien entendu, les outils de promotion peuvent être jumelés et mis en parallèle. L’erreur serait de les utiliser en vase clos. Ils doivent être exploités en fonction de votre plan de communication, que vous aurez préalablement établi. Ce plan doit se baser sur votre expérience et vos moyens financiers, tout en considérant les marchés ou les secteurs que vous souhaitez atteindre. Il faut être conscient que sans efforts consacrés à votre propre promotion, vous n’avez aucune chance d’obtenir des contrats. Votre plan de promotion doit conséquemment être rédigé adéquatement. Il ne s’agit nullement de dépenser sans raison votre argent. Tout comme les entreprises privées, il est important de fixer des objectifs concrets liés à chaque dépense. Qu’il s’agisse de se faire connaître auprès de nouveaux clients ou de se rappeler à la mémoire d’anciens collaborateurs, chaque geste doit être justifié. Certes, les dépenses promotionnelles sont déductibles d’impôts à 100 %, mais ce n’est pas une raison pour jeter votre argent par les fenêtres. Il est important d’avoir un retour sur investissement, que ce soit à court, moyen ou long terme. Ce retour peut être de nature qualitative (notoriété, visibilité) ou de nature quantitative (nombre de contrats obtenus). Le monde fonctionne à un rythme de plus en plus effréné. Il est donc crucial de se rappeler à la mémoire du client actuel autant que de se faire voir par le client potentiel, et ce, à l’aide d’une variété de moyens. C’est pourquoi le jumelage des outils promotionnels est une tactique très intéressante. La promotion doit être planifiée dans un ordre chronologique logique. Il est essentiel de consacrer des efforts réguliers à sa propre promotion, même quand les affaires vont bien, d’autant plus qu’il est difficile de prévoir les périodes de vache

maigre. Lorsque les contrats se feront rares, il sera alors trop tard pour investir dans votre promotion, car vous aurez moins de moyens financiers pour le faire… Avant de choisir l’un ou l’autre moyen de promotion (portfolio, répertoire ou autres), interrogez des illustrateurs qui y ont recours pour en valider avec eux l’efficacité. Ainsi, vous éviterez de vous lancer trop rapidement et de céder à la pression des vendeurs de gadgets et de messages publicitaires qui vous harcèleront par téléphone ! Certains répertoires imprimés sont en effet spécialisés dans le harcèlement…Ils vous appelleront trois ou quatre fois par semaine… Ils vous diront que votre style est tout à fait génial, que c’est à vous qu’ils ont tout de suite pensé pour cette offre exceptionnelle que vous ne devriez surtout pas manquer... Méfiez-vous : ce sont des spécialistes de la vente à pression et non de la vente d’illustrations, et trop souvent, leur produit ne correspond en rien à vos besoins de promotion. Dans le doute, il convient de valider vos choix auprès d’autres illustrateurs ou de votre association, dont l’un des mandats est également de vous aider à prendre vos décisions.

5.2

L’IMPORTANCE DU PLAN DE COMMUNICATION Un bon plan de communication vous sauvera beaucoup de temps et d’énergie. Celui-ci peut et devrait être inclus à votre plan d’affaires. Vous pourrez ensuite l’en extraire pour pouvoir le consulter plus facilement au cours de votre cheminement selon vos besoins et le développement de votre réseau d’affaire. Effectivement, nous avons souligné, dans le premier chapitre de cet ouvrage, l’importance de rédiger un plan d’affaires en bonne et due forme et d’y inclure une section sur votre stratégie de vente et de promotion. C’est ainsi que vous aurez à réfléchir sur des questions d’ordre de communication. Qui voulez-vous rejoindre ? Que voulez-vous leur dire, mais surtout, combien de temps de travail et à quelle fréquence devrez-vous vous concentrer sur la promotion de vos services et le développement de clientèle ? Dans son

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LES OUTILS DE PROMOTION

intéressante et joyeuse publication Nuts & Bolts A Blueprint for a Successful Illustration Career, Charles Hively, illustrateur, directeur artistique et fondateur de 3X3, stipule qu’il y a trois caractéristiques majeures qui sont partagées par tous les illustrateurs performants. Ils approchent leur carrière avec une vision commerciale, ils utilisent plutôt les sites Web que les blogs et surtout, ils promeuvent leur travail à fond, ou comme le dit Hively, like crazy ! Pour cette raison, la promotion de votre travail est tout aussi importante que la réalisation de vos contrats. En vous fixant dans votre emploi du temps des actions précises et des délais spécifiques, vous sauverez beaucoup d’énergie et de questionnement dans des moments cruciaux, tout en évitant de toujours être à la dernière minute pour vos envois promotionnels. Lorsque vous aurez suffisamment de travail, vous serez effectivement tenté de repousser vos efforts de démarchage. Pourtant, nous l’avons déjà souligné, c’est à ce moment qu’il faudra y songer davantage, alors que vous aurez les moyens financiers pour investir dans divers outils de promotion. Afin de ne pas être pris au dépourvu, vous pourriez identifier des outils intéressants et vous établir un calendrier d’action s’étendant sur un mois pour les actions plus quotidiennes (alimentation de vos plateformes de réseaux sociaux), et un sur l’année à venir pour les outils annuels (concours et répertoires). Il va sans dire que vous identifierez les bons outils afin de bien investir votre temps. Vous aurez préalablement ciblé la clientèle que vous chercherez à courtiser et du coup, vous investirez dans les outils les plus à même de les interpeller. Par exemple, si votre ambition est de développer votre clientèle dans l’illustration de presse, il n’est pas nécessairement utile d’investir dans un répertoire qui sera envoyé aux maisons d’édition jeunesse. Par contre, n’oubliez pas que même lorsque vous aurez décidé de vous lancer à la conquête d’un nouveau domaine, il est crucial de continuer vos efforts promotionnels auprès de votre clientèle actuelle. Les choses roulent et changent rapidement dans le monde de l’illustration et si vous prenez vos clients pour acquis, vous risquez d’avoir de mauvaises surprises ! Donc, évaluez pour combien de temps vous êtes disponible pour vous consacrer pleinement à votre promotion annuellement (calculez un temps pour le développement et la recherche des outils promotionnels), recherchez les outils les plus performants selon vos clientèles visées et actuelles et passez ensuite à l’action ! N’oubliez pas de garder un peu de temps pour surveiller les plans de marchandisation de vos compétiteurs et pour anticiper les tendances du marché. Il faut également prévoir du temps pour

analyser les retombées de vos efforts (augmentation du nombre de visiteurs sur votre site Internet, nombre de demandes de soumission, nouveaux contrats, etc.). Pour ce faire, il est toujours important de demander à vos clients comment ils vous ont trouvé, comment et pourquoi ils ont pensé à vous. Ce questionnement doit se faire pour tous vos clients, qu’ils soient nouveaux ou non. Poussez le questionnement plus loin, ne vous attardez pas à la réponse « on vous a retrouvé sur votre site Internet », demandez-leur comment ils ont été attirés sur votre site. Au-delà de la validation et de la performance de vos outils de promotion, ces questions vous permettent de mieux comprendre votre client et la manière dont il fait ses recherches, ce qui vous permettra d’adapter vos prochains outils. Pour vous aider à débuter, voici une liste d’outils et de moyens à emprunter pour la promotion de votre travail. N’oubliez toutefois pas que la créativité est payante et osez surprendre par l’originalité !

5.3

LE PORTFOLIO CONVENTIONNEL… DÉMODÉ OU INCONTOURNABLE ? Le monde de l’illustration et de la communication évolue rapidement, nous l’avons répété maintes fois. Il va de soi que les techniques de marketing et de développement de clientèle devront s’ajuster à ce rythme effréné. Par contre, certains outils classiques ne passent pas de mode et ne perdent pas de leur utilité. Nous parlons ici plus spécifiquement du portfolio. Qu’il s’agisse de portfolio en ligne (nous en reparlerons un peu plus loin dans ce chapitre) ou encore de la version papier, tous les auteurs s’accordent pour dire qu’il est encore et toujours utile et qu’il demeure d’ailleurs l’outil auquel il faut consacrer le plus d’efforts dans les détails. Voici donc quelques conseils afin de monter un portfolio vendeur et fidèle à votre style. Idéalement, votre portfolio doit contenir un minimum de trois sortes de travaux. Selon Meg Mateo Ilasco et Joy Deangdeelert Cho, dans le livre Creative, inc., celui-ci doit rassembler des œuvres présentant des commandes que vous avez accomplies avec succès, des œuvres fidèles à votre signature ou style artistique et finalement, certaines pièces qui tendront vers le style de travail que vous désirez accomplir. Rien

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ne vous empêche au fil des ans de retravailler l’assemblage et le contenu pour vous assurer qu’il demeure fidèle à votre style et qu’il soit toujours conforme à vos aspirations. Votre portfolio est le miroir des expertises et des limites de l’illustrateur que vous êtes, il doit évoluer avec son auteur et l’erreur serait d’y conserver les mêmes pièces pendant plusieurs années, en envoyant subtilement le message que vous n’avez pas évolué dans le style ou encore que vous ne souhaitez pas explorer de nouvelles avenues. Bien sûr, si une image forte a déjà été prisée, elle n’est pas systématiquement à évacuer de la composition de votre portfolio. Soyez cependant attentif à l’histoire que raconte l’ensemble de votre portfolio et assurez-vous que votre principale carte de visite change au même rythme que vous. Toujours dans Creative, Inc., on vous conseille d’étudier cet ensemble afin qu’il raconte une histoire cohérente, mais surtout intéressante. Les images du début et de la fin doivent être particulièrement frappantes, mais les images au centre de l’histoire doivent être intéressantes et captivantes également. Propre et sobre, il doit parler de lui-même. Heller et Arisman insistent également sur ce point en mentionnant qu’un bon portfolio n’a pas besoin d’être constamment bonifié par les explications de l’artiste. Si le directeur artistique ou l’éditeur a besoin de plus d’informations, il le demandera. Déjà, en étant propre et ordonné, il est agréable à feuilleter. Un maximum de 15 images devrait suffire et ne vous étendez pas trop, cela risque d’être redondant et d’ennuyer le client. N’assumez pas non plus que seulement ce qui a été publié est pertinent. Prenez le temps de faire une recherche sur les illustrations généralement utilisées par le client et adaptez-vous à ses besoins. N’ayez pas peur non plus d’y inclure des esquisses, des travaux de recherches, des travaux personnels. Ces éléments permettront au client de mieux comprendre votre méthode de création, ainsi que les différentes étapes de celle-ci. Lawrence Zeegen et Crush, pour leur part, soulignent que vous pouvez toujours user de créativité dans la forme de présentation de votre travail. Vous pouvez, par exemple, plutôt que d’avoir recours aux éternels étuis de cuir avec pages plastifiées, choisir de présenter vos images sur du papier glacé dans une belle boîte cartonnée. Vous pouvez varier sur la formule, mais n’oubliez pas que plus vous allez vers l’extravagant, plus vous restreignez le bassin de clientèle potentiellement intéressée et impressionnée. Heller et Arisman proposent même d’envoyer des portfolios gravés sur des CD ou des DVD. À ce moment, il sera par contre très important de vous assurer que le disque choisi puisse être lu par tout ordinateur et qu’il n’y ait

pas de pépin de démarrage. Cette technique peut s’avérer utile, parce que vous pouvez en envoyer plusieurs copies à des clients différents simultanément. Autre possibilité, vous pourriez décider de vous monter deux portfolios avec des pages substituables et les personnaliser selon le client à rencontrer, un peu comme il est fortement conseillé de le faire avec un curriculum vitae. Il peut aussi s’avérer intéressant d’inclure, dans les images du centre, un exemple de projet du développement de concept à la production, en incluant des sketches et les étapes préliminaires avant le résultat final. Toutefois, il sera important de regrouper ces images et de les présenter dans un ordre logique. Finalement, les recommandations de base sont plutôt semblables chez un auteur ou un autre. Pas trop d’images (jamais plus d’une quinzaine), une composition intéressante, pas trop d’informations superflues, un outil professionnel qui évolue au fil des ans et une qualité d’image spécialement bonne sont les conditions fondamentales à respecter. Dernier détail qui peut être particulièrement intéressant, vous pourriez prévoir une pochette contenant des cartes de visite que vos clients pourraient conserver après avoir consulté votre portfolio… Mais n’omettez pas pour autant de relancer le client !

5.4

LA PROMOTION PASSIVE Passive ? Eh oui ! Nous avons parlé du portfolio, qui est le principal porte-parole de votre travail, mais toute une gamme d’instruments avec leurs particularités s’offre à vous pour développer votre clientèle. Les outils que nous vous présentons ici sont divisés en deux catégories, soit ceux que l’on dit passifs et ceux que l’on dit actifs, qui vous demanderont d’être plus engagé. Nous débuterons par l’énumération des différents moyens de promotion que nous considérons comme passifs. Pourquoi ce qualificatif ? Même si vous devrez investir des efforts pour profiter de ces outils « passifs », ils vous demanderont moins d’investissements en temps que les outils « actifs ». Rappelez-vous toutefois qu’un bon plan promotionnel fait appel aux deux catégories et que les outils dits passifs ne sont pas une formule magique peu coûteuse vous permettant d’atteindre vos objectifs en deux temps trois mouvements…

les concours Il existe plusieurs concours organisés par des magazines ou des organismes. Ils peuvent être

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provinciaux, canadiens, américains ou encore internationaux. Rien de plus simple que de poser sa candidature pour courir la chance de remporter un prix et de bénéficier de la publicité que ce prix vous apportera. Vous n’aurez qu’à remplir un formulaire, à y joindre la ou les illustration(s) que vous souhaitez présenter ainsi que le paiement demandé (il n’y a plus grand-chose de gratuit dans ce bas monde). Précieux conseil avancé par Charles Hively dans sa publication Nuts & Bolts A Blueprint for a Successful Illustration Career: il peut être utile de se renseigner sur la composition des jurys de ces multiples concours. Monter un dossier de candidature et payer les frais d’inscription demande tout de même temps et investissement et il est sage de prioriser les concours jugés par des professionnels de l’illustration. Pas besoin de remporter le concours pour que votre travail soit vu par les membres du jury, qui sont aussi des acheteurs d’illustration ! Ces concours peuvent aussi bien être organisés afin de souligner une illustration faite pour une campagne de publicité que pour honorer un livre jeunesse ou encore une illustration d’un article de magazine. Toutefois, sachez que la réputation de l’organisme ou du magazine qui organise le concours sera systématiquement associée à votre travail advenant que vous gagniez le concours en question. Voilà pourquoi il s’agit de choisir judicieusement les concours auxquels vous participez. Un bon choix peut, en plus de vous valoir une rétribution (prix, mention, etc.), vous offrir une vitrine privilégiée dans le milieu ! Recevoir une nomination ou un prix est toujours valorisant pour un artiste. Outre le fait que votre talent soit reconnu, cela peut vous permettre de vous faire valoir auprès de clients potentiels ou de vous rappeler à la mémoire des vôtres. Il ne faut surtout pas hésiter à utiliser cette publicité pour vous promouvoir. Un petit rappel auprès de vos clients est alors justifiable, car vous avez quelque chose d’intéressant et de nouveau à leur mentionner : vous êtes finaliste ou mieux

encore, vous êtes le grand gagnant d’un concours prestigieux ! Certains répertoires ou « annuals » font aussi l’objet d’un concours de sélection. Tous les illustrateurs peuvent soumettre une ou deux images, selon les règles qui changent d’un « annual » à un autre, mais la forte popularité des publications les plus reconnues ont poussé la création d’un comité de sélection qui choisira les illustrations figurant dans chacune des éditions. Pour les concours les plus connus, consultez la section liens utiles à la fin de ce chapitre.

Votre portfolio est le miroir des expertises et des limites de l’illustrateur que vous êtes, il doit évoluer avec son auteur. les répertoires Très nombreux en version papier durant les années 1990, leur nombre a chuté de façon spectaculaire avec l’arrivée d’Internet. Ainsi, certains répertoires se sont convertis en sites Internet alors que d’autres ont tout simplement disparu. Malgré tout, depuis 2007, nous assistons à la renaissance de quelques répertoires sur papier et à la naissance de nouveaux joueurs (par exemple 3X3). Ces changements ne remettent nullement en cause la valeur et l’efficacité de ces répertoires, mais certaines considérations sont primordiales dans le choix que vous ferez. Tous les répertoires existants ont en effet des qualités intrinsèques non négligeables. Par exemple, ce sont des outils qui ne nécessitent pas un accès à une connexion Internet. Ils peuvent être consultés partout (dans les locaux de réunion sans connexion Internet, comme

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lecture de chevet, etc.). De plus, ils peuvent être annotés et manipulés, ce qui les rend plus vivants. Ils nécessitent aussi moins d’efforts de la part des directeurs artistiques, puisqu’ils sont envoyés directement à leur bureau. Ils n’ont donc pas à chercher l’adresse exacte d’un site particulier pour accéder à vos coordonnées. Notons aussi qu’ils peuvent être tout simplement complémentaires aux sites Web personnels et aux portfolios en ligne. Contrairement à ce que l’on peut croire, ces deux modes de promotion ne sont pas en compétition. Plus on utilise d’outils, plus notre réseau de diffusion s’agrandit… Les répertoires sont en fait des portfolios collectifs qui mettent en avant le talent des illustrateurs qui y figurent. L’achat d’une page dans ces recueils peut généralement coûter entre 800 $ et 5 000 $. La liste de distribution est assez variable d’un répertoire à l’autre, allant de 3 000 à plus de 20 000 exemplaires. Notons tout de même que les gens qui figurent sur les listes de distribution font tous partie des secteurs concernés, soit l’édition, la publicité, les communications, les studios de design, etc. Certains répertoires plus spécialisés existent également, c’est notamment le cas pour l’illustration scientifique ou encore pour l’illustration de jeux vidéo. Il peut donc s’avérer très utile d’acheter une page dans ces répertoires, ne serait-ce que pour s’assurer de rejoindre tous les clients potentiels. D’ailleurs, vous pouvez demander à voir la liste de distribution des éditeurs de répertoires avant de payer votre page. Nous vous conseillons également de contacter un ou deux illustrateurs qui ont participé à une précédente édition pour valider avec eux les retombées de cet investissement. Sachez cependant que pour

ce type de publication, les retombées peuvent parfois arriver plusieurs mois, voire quelques années plus tard. C’est souvent la répétition qui aura un effet positif. Vous saurez, de cette manière, s’il peut être rentable pour vous d’y figurer. De plus, lorsque vous fréquenterez les bureaux de vos clients, essayez de voir s’ils possèdent ces répertoires et s’ils les utilisent. Autre détail à retenir, certains répertoires sont gérés par un jury qui peut décliner l’inscription d’un participant qu’il jugera non pertinent. Malgré que cette condition puisse paraître dure, elle assure également un certain niveau de qualité du contenu et votre illustration ne risque pas de se retrouver côte à côte avec une illustration de moins bonne qualité ou tout simplement mal adaptée à la liste de distribution. D’ailleurs, Charles Hively,toujours dans Nuts and Bolts, suggère fortement d’opter pour des répertoires sélectifs, tout en vantant celui de 3X3 bien sûr. Bien que votre illustration risque d’être refusée, il est préférable d’opter pour les répertoires dont la réputation n’est plus à faire et qui sont réellement utilisés comme référence par la clientèle. Pour leur part, Heller et Arisman recommandent, en plus du répertoire de 3X3, The Black Book et Workbook Illustration Annual. Selon eux, The Black Book est le répertoire le plus reconnu partout au monde. Le Workbook Illustration Annual est distribué aux États-Unis et au Canada ainsi que vendu en Europe et en Asie. Évidemment, le moins coûteux demeure celui de 3X3, mais il est assez difficile d’y être publié sans avoir été sélectionné parmi les candidatures à leur ProShow annuel. Une fois que vous aurez jugé bon de participer à un répertoire particulier et avoir été sélectionné, le cas échéant, il vous restera à choisir quelle illustration vous y représentera. Il n’est pas toujours facile pour un illustrateur de trouver l’œuvre qui résumera son style, sa technique et le secteur qu’il vise (domaine éditorial, agence de pub, illustration médicale, etc.). En outre, le choix que vous ferez vous représentera durant toute une année et même parfois plus longtemps. Pour choisir judicieusement, il est donc recommandé de valider votre choix auprès d’artistes plus expérimentés. Une page dans un de ces répertoires est une porte d’accès auprès de milliers de clients potentiels. Votre illustration devra les intéresser suffisamment pour les attirer sur votre site Web, où ils pourront voir l’étendue de votre talent, valider leur choix et découvrir davantage de vos œuvres pour éventuellement faire appel à vos services. Il n’est toutefois pas rare d’attendre plusieurs parutions avant de commencer à ressentir les premiers impacts de cette publicité. Conséquemment, ce sera peut-être à cause d’une illustration parue il

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LES OUTILS DE PROMOTION

y a 3 ans qu’un client vous appellera aujourd’hui. Tout est une question de timing et de patience ! Finalement, il est bon de souligner que la plupart des répertoires sont produits par des éditeurs privés. Un nombre plus restreint peut tout de même être produit par une association ; c’est notamment le cas du répertoire produit par The AOI (association britannique) ou encore celui de la CAPIC Montréal, la bible pour les photographes. Une page dans ces répertoires associatifs est souvent plus abordable qu’une page dans les répertoires d’éditeurs privés. En outre, le fait qu’ils ne regroupent que les membres d’une association particulière diminue le volume du document. De ce fait, en participant au répertoire d’une association, vous déboursez moins d’argent et vous profitez d’une meilleure visibilité. Il s’agit donc d’un très bon rapport qualité / prix et vous pouvez encore vous renseigner sur la liste de distribution, même si vous ne profitez pas d’une assurance sur la qualité du contenu.

les banques d’images Celles-ci sont de plus en plus nombreuses à voir le jour, chacune d’elles offrant des options spécialisées, que ce soit en illustration ou encore en photographie. Les banques d’images sont constituées en thèmes particuliers, comme la nature, les personnages, les animaux marins, etc. De plus, elles présentent des illustrations sous un mode d’utilisation facile, car les images y figurant sont souvent libres de droits. Pour un montant forfaitaire variant d’une banque à l’autre, il est possible d’acquérir une série complète d’illustrations. Bien entendu, celles-ci ne peuvent pas être modifiées, car elles demeurent souvent protégées par les droits moraux (hormis celles qui sont libres de tous droits). Elles doivent donc être utilisées telles quelles. Voilà pourquoi les clients préfèreront parfois et heureusement faire appel à des professionnels plutôt qu’à ces banques d’images. En effet, une illustration produite sur mesure par un illustrateur répondra adéquatement au mandat et à son contexte d’utilisation et le client pourra même faire des demandes de correction s’il le juge nécessaire. Il est quand même important de noter que ces banques d’images sont les premières concurrentes des illustrateurs, et ce, malgré les désavantages qu’elles présentent. Elles sont malheureusement de plus en plus utilisées au détriment du travail authentique des illustrateurs. Toutefois, bien que les banques d’images soient des concurrentes, elles sont également des clientes potentielles. En effet, elles sont souvent à la recherche de nouveaux talents pour élargir leur offre. Elles peuvent employer directement des illustrateurs (souvenez-vous qu’en

tant qu’employé rémunéré, vous perdez toutefois tous vos droits d’auteur, ce qui est totalement aberrant et désavantageux pour vous…) ou les faire travailler comme pigistes. Cependant, il ne faudrait pas croire que c’est avec elles que vous allez faire beaucoup d’argent. L’appât du gain peut être intéressant, mais au bout du compte, on vous propose littéralement de concevoir 100 illustrations à raison de 50 $ chacune (par exemple), pour une cession totale de vos droits. En aucun cas Illustration Québec ne cautionne cette pratique. Il est important de conserver vos droits d’auteur, c’est avec cela que vous rentabiliserez vos longues heures de travail. En cédant tous vos droits, vous dites au revoir à des gains potentiels et à la gestion même de votre art. En effet, qui sait si votre illustration ainsi vendue ne sera pas ultérieurement utilisée par une entreprise ou pour un produit qui ne correspond aucunement à vos valeurs ? Autrement dit, vous perdez tout contrôle sur l’utilisation qui sera faite de vos œuvres. Donc, attention avant de céder à l’appel de l’argent rapide ! Calculez ce que vous perdez (les droits liés aux futures utilisations de vos œuvres) par rapport au gain financier que vous allez faire, pesez méticuleusement le pour et le contre... Dans le même esprit, il existe également des sites de banques d’images qui offrent aux illustrateurs de mettre des illustrations en ligne et de récolter des revenus lorsque ces illustrations seront achetées. Plusieurs formules existent : avec ou sans cession des droits, achat en lot ou à l’unité, demande d’exclusivité sur l’image ou non, etc. Cependant, c’est le site qui prendra le gros pourcentage du revenu généré par la vente de votre image et vous récolterez des miettes. L’attrait de ce genre de site réside dans le fait de pouvoir vendre un bon volume d’illustrations déjà produites. Les ventes se font toutes seules et demandent très peu de gestion. Néanmoins, il faut prendre garde de ne pas « essouffler » son style en le vendant à tout vent pour des « peanuts » ! Vous risqueriez de perdre des clients au profit d’une banque d’images beaucoup moins lucrative pour vous. Également, il faut bien regarder les différents sites qui existent afin d’en choisir un qui offre de bons rendements et de bonnes conditions. Ici encore, il convient de s’informer auprès de ses pairs pour choisir judicieusement. Pour conclure, nous vous invitons à prendre connaissance de l’article de Brad Holland (sommité reconnue dans le milieu de l’illustration), qui décrit les banques d’images comme des compétiteurs de l’illustrateur. L’article, « Stock », fut publié sur le site Web suivant : www.illustratorspartnership.org

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5.5

LA PROMOTION ACTIVE Nous en sommes rendus aux moyens « actifs ». Les prochains outils demandent une implication active et un investissement continu. Ce sont des outils qui demandent à être constamment retravaillés et diffusés à plusieurs reprises. Ces outils demanderont plus d’efforts de votre part. Rappelez-vous tout de même qu’un bon plan de promotion fait appel à des moyens provenant des deux catégories et que c’est dans le mariage de ces derniers que réside la clé d’une promotion efficace. De cette manière, vous profiterez des avantages de chacun tout en palliant leurs lacunes respectives.

les portfolios en ligne Ceux-ci gagnent actuellement en popularité auprès des directeurs artistiques. Il s’agit de la version électronique des répertoires papier. Ils regroupent sur un même site des centaines, voire des milliers d’illustrateurs, artistes ou photographes, donnant accès à des milliers d’images et de portfolios. Ces images sont souvent associées à des outils de recherche performant qui facilitent le travail de recrutement. L’avantage est qu’ils diminuent le temps de recherche pour les clients. En outre, ils permettent aux illustrateurs de mettre à jour très facilement les informations et les images qui se trouvent dans leur portfolio. Très souvent, cette mise à jour est plus facile que celle d’un site Internet personnel. D’ailleurs, comme les directeurs artistiques savent qu’ils retrouveront plusieurs illustrateurs sur le même site, ils privilégieront cette solution à la recherche plus laborieuse des sites Web personnels. Il faut considérer ces sites comme des moyens d’attirer de la clientèle sur votre site personnel en leur donnant envie d’en voir plus. D’autre part, vous vous retrouverez en compétition directe avec des illustrateurs de partout et même avec certains qui auront un style très semblable au vôtre. À vous de voir si le jeu en vaut la chandelle. Avant d’opter pour l’un ou l’autre portfolio, comparez les prix et la visibilité que l’on vous offre. Pour certains sites de portfolios, la visibilité offerte est établie en fonction du prix payé et donc du type de forfait auquel vous souscrivez. De plus, soulignons que malgré le fait que ces sites soient accessibles de partout dans le monde, ils représentent souvent un bassin d’artiste vivant ou travaillant dans une même région géographique. Bien entendu, il est préférable d’avoir un peu de matériel à présenter avant d’acheter un espace portfolio. Certains artistes adhérant à

plus d’un portfolio pour accroître leur visibilité et leur promotion devraient donc logiquement y afficher différentes illustrations afin de rentabiliser au maximum leur investissement. D’ailleurs, Chrystal Falcioni, propriétaire de Magnet REPS, recommande, sur le site www.illustrationmundo.com, de n’inclure dans votre portfolio que des œuvres s’apparentant à ce que vous voudriez éventuellement produire, ce qui concorde avec ce qu’Ilasco et Deangdeelert Cho recommandent pour le portfolio papier. Montrez ce que vous désirez faire tout en démontrant ce que vous savez faire… Évitez aussi d’y inclure trop de styles différents car, dans l’ensemble, il faut miser sur vos forces. Vouloir en montrer trop pourrait vous pousser à présenter des styles que vous maîtrisez moins et cela vous nuira. Il existe deux types de portfolios en ligne. Le premier regroupe uniquement des illustrateurs ou des artistes œuvrant dans la même discipline (par exemple : Illustration Québec, Alternative Pick, The Ispot, etc.). Le second type est plutôt généraliste, regroupant tous les genres d’artistes, sans égard à leur discipline respective. S’y retrouvent aussi bien des peintres, des photographes, des illustrateurs que des sculpteurs ou des graphistes. Nous vous suggérons de favoriser des sites spécialisés. Lorsque vous prendrez votre décision, il faudra absolument tenir compte du nombre de visiteurs uniques qu’affiche le site (statistiques Web qui comptabilisent le nombre de « gens » qui sont passés, par opposition au nombre de « clics » qui sont toujours plus nombreux mais qui peuvent provenir de la même personne). De plus, prenez le temps d’évaluer la qualité des outils de recherche dont dispose le site. Ces outils sont importants, car c’est grâce à eux que vous apparaîtrez dans les résultats de recherche des clients. Ilise Benun et Peleg Top, auteurs de The Designer’s Guide to Marketing and Pricing, soulignent qu’il est essentiel d’avoir une présence dynamique en ligne. Lorsque vous ferez un choix quant au site de portfolio Web que vous choisirez, il vous suffira de réfléchir, à savoir lequel de ces derniers est le plus susceptible d’attirer le genre de clientèle qui vous intéresse.

le site web personnalisé Cet élément important dans votre promotion sera traité dans un autre chapitre du guide. Sachez cependant que c’est un outil indispensable à votre promotion. Il est actuellement impensable de bien se promouvoir sans avoir un site Internet personnel. Ce dernier est votre première présence Web et vous permet de présenter l’ensemble de vos réalisations. Point important, il vous est recommandé de bien choisir le nom

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LES OUTILS DE PROMOTION

de votre domaine, et si ce n’est déjà fait, de le réserver au plus vite avant que quelqu’un d’autre ne le fasse. Cet aspect n’est pas à négliger. Une illustratrice en a d’ailleurs payé les frais le jour où elle a omis de renouveler son nom de domaine, ce dernier a tout de suite été racheté par Viagra. Maintenant, au lieu de ses créations, ce sont des produits pharmaceutiques qui apparaissent si le nom de domaine fait l’objet d’une recherche. À moins que vous n’oeuvriez dans l’illustration érotique, où cette mésaventure pourrait être tournée en dérision, cet oubli pourrait vous coûter très cher, comme elle a pu le constater.

les promotions personnalisées La promotion personnalisée est un terme large qui désigne ici tous les outils qui doivent servir à promouvoir votre entreprise et qui sont développés et diffusés par vous-même. La promotion personnalisée peut donc revêtir différentes formes, que ce soit l’envoi de courriels personnalisés, de cartes postales, de cd-roms (où les images sont en très basse résolution et marquées de leur copyright), de dépliants, de calendriers ou de tout autre objet promotionnel. Nous en détaillerons ici seulement quelques-uns, mais n’hésitez pas à mettre votre créativité à l’œuvre. D’abord, tout travailleur autonome qui se respecte se doit d’avoir une carte professionnelle. Cette dernière doit évidemment présenter votre nom, vos coordonnées et l’adresse de votre site Web. Elle doit aussi, le plus clairement possible, mentionner les services que vous offrez. Soyez donc clair et concis. On s’attendra évidemment à ce que la carte d’un illustrateur soit esthétiquement travaillée et représentative de son style. Il faut par contre être prudent de ne pas la surcharger. Elle doit attirer l’attention mais se lire rapidement. Pour obtenir un bon rapport qualité / prix, vous aurez probablement à la faire imprimer en un grand nombre d’exemplaires. Si vous êtes à peu près certain que les informations qu’elle contient ne sont pas sujettes à changement, n’hésitez pas. L’idée est de la distribuer au plus grand nombre de gens possible. Même si vous doutez de la pertinence de distribuer cette carte à vos voisins, dites-vous que même s’ils n’en n’ont pas personnellement besoin, ils pourront toujours vous servir de messagers en la remettant à un client potentiel. Insérez votre carte professionnelle lors de vos envois de factures, de devis et de toute autre communication. Vous voulez qu’on vous voie et qu’on parle de vous, faites-la circuler… Il vous sera sûrement utile d’avoir conçu un logo particulier pour faire votre promotion, cela vous procurera une reconnaissance visuelle qui deviendra graduellement aussi personnelle que votre nom.

Si vous avez les moyens financiers nécessaires, vous pouvez toujours transformer l’idée de la carte professionnelle en brochure publicitaire. Cette option vous permet d’inclure plus d’informations que sur la carte, soit une liste de clients pour qui vous avez travaillé, les formations particulières que vous avez terminées, des ateliers que vous avez animés, etc. N’oubliez surtout pas d’y mettre vos coordonnées, de manière à ce qu’elles soient visibles et claires… La brochure, comparativement à la carte professionnelle, vous permet aussi d’expliquer plus en détails la nature de votre travail. Vous pouvez en effet y inclure une liste de vos capacités (ce que vous illustrez et de quelle manière, par exemple) (Fleischman, 2007). Évidemment, plusieurs autres méthodes de promotion personnelle sont à votre disposition. Vous pouvez choisir d’envoyer des cartes de souhaits (illustrées par vous) pour la saison des fêtes, les anniversaires de vos clients, pour informer votre clientèle d’un changement d’adresse, par exemple, ou la nomination de votre travail pour un prix quelconque. Attention cependant à ne pas surcharger le bureau des directeurs artistiques. En effet, ces derniers étant déjà très sollicités de toutes parts, votre promotion doit arriver à un moment opportun et elle doit être visuellement très attrayante. Osez la créativité, l’innovation et le ludique. Après vos envois, rappelez dans les deux semaines pour savoir si le tout s’est bien rendu. Même si cela n’aboutit pas nécessairement à un contrat, allez chercher des commentaires constructifs sur vos documents. Pour s’améliorer et éviter de refaire deux fois la même erreur, il est important de pouvoir cerner ce qui n’a pas fonctionné. Notez encore que la créativité demeure sûrement la clé du succès de

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ces envois promotionnels. Plus vous surprenez, plus vous risquez de voir rapidement les retombées de vos efforts. L’outil de base de la promotion personnalisée demeure toutefois le portfolio traditionnel. Ce portfolio vous servira si vous avez à présenter directement vos créations auprès d’un client potentiel avec qui vous aurez préalablement pris rendez-vous. Malgré qu’il soit très difficile de joindre des directeurs artistiques en personne de nos jours, nous vous encourageons tout de même à tenter de décrocher des rendez-vous. Qui dit rendez-vous ne dit toutefois pas systématiquement contrat… Il est quand même important d’être bien préparé pour ces rencontres. Pour cela, il suffit de se rendre au rendez-vous avec son portfolio et une bonne connaissance du client, de son secteur d’activité et du type de collaboration possible. Encore une fois, les clients étant très sollicités, assurez-vous d’être fin prêt. Cette préparation doit être adaptée à chaque interlocuteur. Il faut que le client perçoive très rapidement votre talent, votre détermination et le type de collaboration qui pourrait résulter du rendez-vous.

les listes d’envoi Évidemment, tous les documents de promotion personnelle doivent être par la suite acheminés aux clients potentiels. Pour ce faire, vous devez posséder une liste d’envoi (postale ou électronique). Une façon facile mais plus ou moins coûteuse d’avoir accès à une liste est de l’acheter auprès d’entreprises spécialisées dans la mise sur pied de telles banques de données. Les plus utilisées sont les listes qui regroupent les acheteurs d’illustrations et dans lesquelles on retrouve beaucoup d’informations complémentaires (budget annuel alloué à l’illustration, nombre d’illustrateurs engagés, secteurs d’activités, postes occupés par les personnes contacts, etc.). Le prix d’achat de ces listes commercialisées est établi en fonction du nombre de contacts qu’elles contiennent, de l’information qu’elles donnent (à savoir seulement un courriel ou les coordonnées complètes), ainsi que la durée de l’utilisation (un an, six mois, une utilisation unique, etc.). Par contre, Heller et Arisman croient qu’une liste d’envoi ne devrait jamais être achetée. C’est également l’opinion de Charles Hively chez 3x3. Ils soulignent en effet que malgré qu’une liste vous semble intéressante et bien étoffée, il vous sera complètement inutile d’avoir plusieurs contacts dont vous ignorez les détails. À leur avis, il vaut mieux se constituer une liste soi-même en allant par exemple feuilleter les magazines et les livres dans une librairie pour identifier les éditeurs et les directeurs artistiques dont le produit vous intéresse. Si le temps vous

manque, vous pourriez faire cette recherche en ligne. Votre liste pourrait être constituée d’uniquement 100 contacts, dont 25 directeurs artistiques avec qui vous souhaiteriez vraiment travailler. Il est inutile d’avoir des listes interminables de contacts que vous négligerez ensuite… Pour construire une liste donc, rien de très compliqué, il faut avant tout s’armer de patience. Nous vous suggérons d’abord de consulter les divers sites d’associations regroupant les professionnels du milieu (éditeurs, journaux, magazines, agences de publicité, graphistes, etc.). Dans les sections « liste des membres », vous trouverez les coordonnées de chacun. Vous pouvez aussi consulter les magazines et autres documents publicitaires pour obtenir le nom du directeur artistique. Il existe également des index spécialisés comme le guide annuel des studios de design de Grafika. Une fois la liste dressée, ne tardez pas à envoyer vos outils de promotion, car elle deviendra rapidement désuète. Ilasco et Deangdeelert Cho vous conseillent ensuite de tenir vos listes d’envoi à jour et de penser à systématiquement ajouter tous les contacts et cartes d’affaires que vous récoltez lors d’évènements divers. Il faudra aussi penser à faire des suivis à ces envois. Toutefois, ce qui importe lorsque vous décidez de concevoir vous-même votre liste d’envoi, c’est d’avoir, dès le départ, les critères nécessaires à la création d’une liste efficace. Vous devrez notamment savoir quel genre de clientèle vous désirez rejoindre. S’agit-il plutôt de maisons d’édition, de studios de design, de commerces au détail ? À vous de voir… Aussi, Benum et Top insistent sur le fait qu’il est important de connaître le nom et le titre des interlocuteurs sur votre liste. Un simple Monsieur/Madame ne le fera pas… Vous pourriez aussi vouloir faire des appels afin d’entrer en contact avec les clients qui constituent votre liste. Bien que plus intimidant, cela peut être une façon de vous présenter à une nouvelle entreprise ou maison d’édition avant de leur envoyer des outils promotionnels et de leur demander un rendez-vous en personne. Selon Hively, c’est la variété qui fera votre succès. Vous pourrez envoyer plusieurs courriels pendant un mois et choisir d’envoyer des petits cartons le mois suivants. Vous ferez un suivi téléphonique ensuite et renverrez un courriel pour rappeler votre adresse Web. Bref, faites-vous voir, de toutes les manières imaginables ! Soyez constant, envoyez de la promotion au minimum une fois par mois. Et si possible, évitez les envois de Noël, votre publicité ne sera pas noyée sous les autres cartes de souhaits…

le réseautage Depuis la nuit des temps, cette technique fonctionne comme nulle autre. Il s’agit en effet du

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LES OUTILS DE PROMOTION

moyen promotionnel le plus ancien ! Qu’on le veuille ou non, il y a beaucoup plus de contrats qui se donnent grâce à des contacts que par pur hasard. Malgré tous les beaux discours sur l’équité et l’égalité des chances, le client (hormis le gouvernement) préfèrera souvent l’ami d’un ami à un illustre inconnu, et ce, même à qualifications égales ou supérieures. C’est pourquoi il est important de développer un bon réseau. Celui-ci doit idéalement être constitué de deux groupes distincts : d’une part les collègues et de l’autre, les clients. Le groupe constitué de collègues agira dans le but de vous intégrer à votre communauté et de vous donner accès rapidement et gratuitement à des conseils et des informations utiles. En outre, vos collègues pourront vous servir de référence auprès de certains clients ou vous présenter à certains autres. Il peut même arriver qu’ils vous proposent de collaborer à un de leurs projets, advenant qu’ils soient trop occupés pour s’en charger seuls. Pour créer ce réseau, rien de tel que les divers lancements et autres 5 à 7 organisés entre autres par votre association. L’autre groupe de votre réseau devra, pour sa part, être formé de clients potentiels et actuels. Incluez tous ceux que vous avez rencontrés lors des divers salons, foires, conférences et autres lancements qui ont eu lieu dans le milieu des communications. Se faire connaître auprès d’eux dans une ambiance plutôt décontractée permet souvent de mieux les saisir. Certes, vous n’y parlerez pas nécessairement « business », mais vous aurez au moins créé un contact privilégié. Ainsi, lorsque vous enverrez un outil de promotion personnalisée, le client aura davantage de chance de se souvenir de vous, car vous vous serez déjà rencontrés. N’oubliez pas de profiter de tous vos bons coups pour faire parler de vous par vos amis, collègues et clients ! Le livre de Benum et Peleg, The Designer Guide to Marketing and Pricing offre une foule d’informations qui vous seront utiles lorsqu’il sera temps de vous présenter à des inconnus et présente une manière d’aborder la question de votre entreprise sans être trop formel.

l’implication sociale L’implication sociale peut servir de vitrine promotionnelle. Il suffit d’avoir temps et argent pour vous impliquer dans des causes sociales qui vous tiennent à cœur. En échange de votre présence ou de vos dons financiers, la plupart des organismes sociaux seront d’accord pour souligner votre implication lors de communiqués de presse et d’évènements particuliers. Soyez toutefois prudent à ne pas vous impliquer simplement par carriérisme, au risque de nuire à votre propre réputation. Soyez aussi bon juge de la nature

des causes ainsi que du montant et du temps que vous consacrez à ces activités pour éviter de ne travailler que pro bono (Nadeau, 2007). Il peut être utile de vous établir des lignes de conduites strictes quant aux projets dans lesquels vous vous investirez gratuitement. Aussi, il est important de vous impliquer au sein de votre communauté professionnelle. Hively de 3X3 souligne effectivement l’importance de consacrer du temps à vos collègues, de vous impliquer en tant que jury et/ou mentor par exemple et pourquoi pas, à vous engager au sein du conseil d’administration de votre association !

5.6

SE FAIRE VOIR ! MAIS CHEZ QUI ? Après avoir défini clairement votre style et vos aspirations personnelles, il vous sera plus facile de définir vers quel(s) marché(s) vous devrez vous diriger pour obtenir des contrats. Tout au long du processus, veillez à garder l’esprit ouvert et n’hésitez surtout pas à sortir des sentiers battus. Certes, il est facile de penser aux grands marchés que sont l’éditorial, l’édition et la publicité. Par contre, ce ne sont pas les seules avenues possibles. Dans votre recherche d’un marché à courtiser, demandez-vous avant tout avec qui vous souhaiteriez travailler. Par la suite, voyez si votre style est adapté à cette clientèle. Si toutefois il ne l’est pas, ce n’est pas nécessairement peine perdue. Vous tenez peut-être justement quelque chose qui vous démarquera au sein de ce marché. Il faudra alors cerner ce qui vous distingue des autres, pourquoi vous avez quelque chose de différent à offrir et quels sont les arguments à avancer pour vous faire valoir. Il faut quand même savoir qu’il n’y a pas de réponse noire ou blanche, mais qu’entre les deux il y a toute une palette de couleurs. Selon votre style, vos ambitions, vos qualités et votre personnalité, il y a un marché pour vous, qu’il soit ici ou en Chine. Lorsque vous aurez déterminé vos forces et faiblesses en illustration (par exemple les croquis, les personnages ou une préférence pour le noir et blanc), il vous sera plus facile de trouver le marché qui vous convient. Chaque illustrateur procèdera différemment pour sa recherche de marché. Toutefois, une bonne méthode consiste à ouvrir les yeux et à se balader. Vous allez vite constater que le monde est rempli d’illustrations et donc de possibilités. Dès que vous verrez une illustration, posez-vous la question suivante : est-ce que

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CHAPITR E 5

vous auriez pu accomplir une illustration pour ce même client sans que cela modifie profondément la nature même du message envoyé ? Si la réponse est oui, bravo ! Vous venez de trouver votre première cible. Si la réponse est non, demandez-vous pourquoi et réajustez votre tir en fonction de la réponse. Quelquefois, vous trouvez un marché qui conviendrait à vos illustrations, mais vous hésitez. Pourquoi ? Vous n’aimez peut-être pas travailler sous pression (milieu publicitaire, par exemple) ou vous ne voulez pas être associé à tel ou tel produit. Dans ce cas, il est directement question de vos valeurs personnelles et il est toujours préférable de les respecter pour protéger votre intégrité. Toutefois, petite mise en garde : rappelez-vous que quoi que vous fassiez et quels que soient vos clients, vous avez la chance de réaliser votre passion et d’en vivre (ou du moins d’essayer). Dites-vous que vous êtes, dès le départ, chanceux, contrairement aux trois quarts des gens qui font des métiers ennuyeux juste parce qu’il faut bien travailler pour vivre ! Non seulement vous travaillez mais en plus, vous œuvrez dans le domaine qui vous passionne. Alors, même si tel ou tel contrat n’est pas stimulant, reposez-vous la question : dois-je accepter ou non ? Si le contrat n’attaque ni vos valeurs ni vos droits et que le tarif payé est honnête, pourquoi ne pas l’accepter ? Après tout, c’est peut-être grâce à ce client et ses nombreuses contraintes que vous arriverez à améliorer votre style et à augmenter le volume de votre liste d’envoi. Il faut voir chaque contrat comme un apprentissage, une expérience qui vous aide à vous améliorer, à mieux travailler, à connaître vos faiblesses et à trouver des solutions, tout en définissant de mieux en mieux vos limites. Certes, vous êtes un artiste, mais qui dit artiste ne doit plus dire mourir de faim. Bien au contraire : il n’en tient qu’à vous de vous donner les moyens de réussir, car si ce n’est pas vous qui le faites, personne ne le fera pour vous. De plus, on le repète, au-delà des marchés dits traditionnels (édition, publicité, livres, magazines, journaux), il existe tout un monde de possibilités. Cela peut aller du design d’étiquette de vin à la création de motifs pour les revêtements de piscine, en passant par les produits d’emballage et la création de personnages pour le multimédia (jeux, dessins animés). Pour tenter votre chance au sein de ces marchés non traditionnels, il convient de rester alerte, d’ouvrir les yeux et de faire de la recherche active. Tous vos sens, vos contacts et votre énergie doivent être orientés en fonction d’accéder à ces nouveaux créneaux. Il est parfois difficile d’y accéder si l’on ne connaît personne dans ce domaine ou si l’on n’y est pas introduit. Cependant, les définir et les cerner,

c’est déjà avoir accompli la moitié de la tâche. Dans son livre Illustration, Andrew Hall explique avec détails comment fonctionne la chaîne de production dans les divers domaines, et qui sont les principaux impliqués. Donc, en ce qui concerne le mode de l’illustration éditoriale, ou encore de l’illustration de presse, c’est le directeur artistique (DA) qui choisira l’illustrateur pour un projet spécifique. Les budgets et les spécificités seront discutés entre l’éditeur et le DA. Ensuite, ce dernier choisira le style d’un artiste particulier en visualisant plusieurs portfolios en ligne, en contactant un illustrateur avec qui il a déjà travaillé ou encore, en fonction des objets promotionnels qu’il aura reçus dans le mois. Il communiquera avec le candidat de son choix, qui demandera à connaître les détails du travail comme les délais, les tailles et le nombre d’illustrations à accomplir, les livraisons d’esquisses etc. avant d’accepter ou de refuser le contrat. Ne vous sentez surtout jamais obligé d’accepter un contrat qui ne vous stimule pas. S’il s’agit d’une modalité de l’entente qui vous agace, tentez de négocier ! Une fois le contrat accepté et les esquisses approuvées par le DA, qui aura ou non demandé des corrections ou ajustements mineurs, l’éditeur approuvera les finaux et l’illustrateur pourra envoyer sa facture finale en fonction des ententes de rémunération stipulées au contrat (par exemple, un tiers du montant est payé à la livraison des esquisses et le reste à la fin du contrat). Voilà pourquoi, dans le domaine de l’illustration de presse, il est important de se faire connaître des DA d’abord. C’est à eux qu’il faudra faire parvenir vos outils de promotion ! Dans le monde de l’édition, le fonctionnement relève plus fréquemment du travail d’équipe. On y retrouve évidemment un DA, mais souvent, ce dernier sera entouré d’une équipe visuelle ou artistique. C’est plutôt en comité qu’ils choisiront leur poulain. Il faudra donc se faire connaître de toute l’équipe artistique des maisons d’éditions, mais pour sauver temps et énergie, il peut être judicieux de viser les DA d’abord. Évidemment, les contrats ne sont pas élaborés de la même manière dans ce domaine et diffèrent encore lorsqu’il s’agit d’un contrat d’édition pour un livre jeunesse ou encore pour une simple couverture de roman. Des détails seront fournis quant à la nature de la rémunération plus loin dans cet ouvrage. Pour les albums pour enfants, l’équipe artistique demandera à voir quelques esquisses avant de lancer la production complète de l’album, mais il n’est pas nécessaire d’illustrer toutes les scènes avant d’avoir l’approbation de l’équipe pour terminer le projet. Souvent, quelques scènes particulières seront d’abord illustrées et le texte y sera ensuite apposé afin

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LES OUTILS DE PROMOTION

d’avoir une vision d’ensemble. Si le tout est au goût de l’éditeur et du DA, on lancera les prochaines étapes. Un illustrateur qui veut travailler davantage dans le monde de l’édition aura tout à gagner à se faire connaître de l’éditeur en chef d’une maison particulière, des directeurs de collection, mais aussi des DA et de leur équipe. Dans le cas des agences de publicité, elles sont d’abord approchées elles-mêmes par un client qui a une campagne à lancer ou un logo à produire. L’équipe créative, menée par un directeur créatif ou artistique, développera un concept. Elle discutera de ce concept avec le client de l’agence avant d’aller plus loin. C’est parfois un travail assez laborieux, mais une fois l’entente trouvée, on recherchera ensuite un illustrateur capable de mener à bien le concept élaboré par l’équipe créative. Le choix de l’équipe de l’agence devra évidemment être approuvé par le client avant d’aller plus loin. L’illustrateur qui accepte le mandat devra ensuite présenter ses esquisses au client et à l’équipe créative. Une fois toutes les corrections apportées, l’illustration finale sera intégrée au graphisme et aux supports qui recevront l’illustration en question. Encore une fois, pour vous faire connaître dans le domaine publicitaire, il faudra cibler les DA et les responsables des équipes créatives des agences qui vous intéresseront pour les amener à s’intéresser à vous ! Enfin, il vaut la peine d’envisager l’idée des produits dérivés. Ceux-ci peuvent devenir une source non négligeable de revenus. Il ne reste plus qu’à imaginer vos illustrations sur des supports originaux (abat-jours, cartes de vœux, BD, T-shirts, aimants, etc.). En d’autres mots, « sky is the limit » ! Par la suite, vous pourrez vendre vos créations sur un site Web ou dans des boutiques (physiques ou virtuelles). Il s’agit d’un bon moyen pour diversifier vos sources de revenus tout en vous permettant de créer sans cesse. Mais à qui devrez-vous vous adresser si vous ne désirez pas vous-même gérer la production de ces produits et les inventaires laissés en consigne dans les nombreuses boutiques de design ? Les manufacturiers et les acheteurs d’art dans ce monde sont ceux à qui vous voudrez vous adresser. La meilleure façon de se faire connaître est de participer à des « tradeshows ». Selon Michael Woodward, vous pourrez aussi trouver ces acheteurs via l’internet et les différents annuaires de manufacturiers acheteurs d’art. C’est en mélangeant toutes ces méthodes que vous élargirez votre liste de contact. Si vous ne souhaitez pas utiliser les services d’agents spécialisés dans ce domaine, vous devrez également sacrifier une partie de votre temps à faire des envois promotionnels, des courriels et des

contacts téléphoniques. Il est très important de bien étudier la nature des items produits par un manufacturier avant de lui envoyer un portfolio sur CD-rom ou encore une carte postale. Recherchez les manufacturiers qui sont susceptibles d’être intéressés par votre style, évitez les coups d’épée dans l’eau. Obtenir votre premier contrat est l’ultime obstacle. Ensuite, les choses se développeront plus facilement.

5.7

VENTE OU PROMOTION ? Il peut s’avérer très difficile pour certains d’opérer un programme de promotion. Le manque de préparation ou la timidité sont les deux obstacles les plus communs. Pour ce qui est de la première de ces embûches, nous souhaitons ardemment que le chapitre précédent vous ait aidé. Ceux qui sont aux prises avec une timidité profonde ou un sentiment d’inconfort face à la vente ont un travail de perception d’eux-mêmes et de leur métier à entreprendre. Travaillez d’abord sur votre perception de vousmême en vous rappelant que vous êtes un professionnel de l’illustration, que votre entreprise et votre talent sont précieux pour vos clients (futurs et actuels). Vous ne « quémandez » rien, vous offrez une collaboration. Souvenez-vous que vous ne faites pas de la vente à pression, mais que vous offrez plutôt un service, une offre que beaucoup de DA seront enchantés de connaître. Avant d’aborder un client potentiel, préparez-vous en vous demandant de quelle manière vous pouvez l’aider. Vous offrez UN SERVICE pour lequel il y a de la demande, il n’y a rien de dangereux là-dedans. Aussi, réfléchissez toujours à vos besoins afin de savoir s’il est préférable pour vous de consacrer vos efforts à rehausser votre crédibilité ou plutôt à faire valoir votre capacité créative. Vous saurez donc où investir davantage et sur quel aspect promotionnel consacrer plus d’efforts. Afin d’être efficace dans vos démarches, assurez-vous d’avoir un plan promotionnel souple mais clair, fixant vos objectifs et vous permettant de le retravailler en cours de route. Prenez toujours en compte vos dispositions financières et planifiez les grosses dépenses liées à votre promotion. Souvenez-vous toutefois que la meilleure façon de vous promouvoir demeure votre travail lui-même. Surpassez-vous chaque fois, vos clients reviendront et vous référeront à leurs contacts.

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5.8

LIENS UTILES Les informations fournies dans cette section ne le sont qu’à titre indicatif. La liste n’est pas exhaustive. Il est important de noter qu’Illustration Québec ne privilégie aucune des entreprises ni aucun des sites Web énumérés dans cette liste.

LES CONCOURS

a pex award 703-643-2200 www.apexawards.com [email protected]

c oncours littéraires lurelu 514-282-1414 www.lurelu.net [email protected]

a pplied arts 416-510-0909 www.appliedartsmag.com [email protected]

p rix cécile gagnon www.aeqj.com [email protected]

communication arts

prix québec/wallonie-bruxelles

illustration annual

de littérature jeunesse

650-326-6040 www.commarts.com [email protected]

418-380-2335 poste 7206 www.prix-qwb-litteraturejeunesse.org [email protected]

c oncours lux 514-842-5873 ext. 2230 www.infopresse.com/prixlux [email protected]

prix td de littérature canadienne

pour l’enfance et la jeunesse 416-975-0010 www.bookcentre.ca [email protected]

a ddy american advertising awards 1 800 999-2231 www.aaf.org [email protected] aiga annual design competitions &

50 books / 50 covers

of los angeles 800 799-6368 www.si-la.org [email protected]

ame awards advertising

marketing effectiveness

society of illustrator

(new york)

212-643-4800 www.ameawards.com

a merican illustration competition 917-408-9944 www.ai-ap.com [email protected] ameristar package award institute 630-544-5050 ext. 106 [email protected]

www.iopp.org

 ow  h 513-531-2690 ext. 11402 www.howdesign.com [email protected] society of illustrators

212-807-1990 www.aiga.org www.aiga.org/content.cfm/competitions [email protected]

of packaging professionnals

g raphis design annual 212-532-9387 www.graphis.com

212-838-2560 www.soicompetitions.org

t he creativity annual 866 519-2571 www.creativityawards.com [email protected] t he global awards 212-643-4800 www.theglobalawards.com

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LES OUTILS DE PROMOTION

t he one show 212-979-1900 www.enteroneshow.org

s ociety of illustrators 212-838-2560 www.societyillustrators.org

t he society of publication designers 212-223-3332 www.spd.org [email protected]

3 x3 illustration directory www.3x3directory.com [email protected]

t he strathmore show www.strathmore.com [email protected]

t he alternative pick deck www.altpick.com/deck

LES BANQUES D’IMAGES

c olagène, clinique d’illustration www.colagene.com

 ww.fotosearch.fr w www.epictura.fr www.corbisimages.com www.jupiterimages.com www.gettyimages.com www.liensutiles.org/webimages.htm (donne accès à des liens vers d’autres banques d’images)

c ontact jupiter www.contactjupiter.com

LES PORTFOLIOS EN LIGNE

LES AGENTS AU QUÉBEC a nna goodson illustration agency www.agoodson.com

l ise madore www.lisemadore.com miss illustration, agente

en illustration

www.missillustration.com

LES RÉPERTOIRES ET PUBLICATIONS ANNUELLES t he black book 212-979-6700 (ext. 222) www.blackbook.com [email protected]

 ww.illustrationquebec.com w www.theispot.com www.theaoi.com www.illustrationmundo.com www.altpick.com www.folioplanet.com www.illoz.com

LES LISTES D’ENVOIS  ww.adbase.com w (pour le Canada hors Québec et les États-Unis) www.agencyaccess.com www.quebecmonde.com

d irectory of illustration 1 800 876-6425 www.directoryofillustration.com r svp directory www.rsvpdirectory.com [email protected]

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6

les agents

Patricia Brière L’agent sert à promouvoir le talent de l’artiste qu’il représente. Très souvent, il négocie des contrats pour un territoire géographique bien déterminé, par exemple les États-Unis, le Québec ou bien encore la France.

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les agents L’agent servira d’intermédiaire entre l’illustrateur et le client. C’est à lui qu’incombe la tâche de trouver des contrats pour les illustrateurs qu’il représente. Il se charge également de la négociation des contrats, des diverses clauses, des tarifs et des délais à respecter. Il est par contre très difficile d’intégrer une agence. En effet, dans plus de 90 % des cas, c’est l’agent qui propose ses services à l’illustrateur. C’est généralement lui qui recherche les talents qui répondent adéquatement aux besoins de ses contacts. Il exigera évidemment une commission sur tous les contrats qu’il obtiendra pour ses illustrateurs. La commission de l’agent est directement déduite du montant payé par le client et celle-ci se retrouve généralement entre 20 % et 30 % de la somme totale ; au-delà, la cote devient exagérément élevée, hormis dans le secteur du « licensing » où la cote se situe autour de 50 %. De plus, l’agent demande généralement aux artistes qu’il représente de participer au programme de promotion de son agence en couvrant monétairement une partie des dépenses engagées pour son programme promotionnel. Il arrive aussi que l’agent demande à l’artiste de créer gratuitement une œuvre destinée à cette promotion. Le montant demandé à l’artiste pour la promotion est habituellement proportionnel à la part des revenus remis à l’agent. Par exemple, si l’agent prend 30 % des revenus, il paiera 30 % de la promotion faite par l’illustrateur et ce dernier devra débourser la balance. L’illustrateur payera quant à lui 30 % du coût de la promotion mise en place par l’agence. Cette pratique n’a pas lieu avec un agent en « licensing », qui assume l’ensemble des coûts promotionnels. Souvent, le fait d’avoir un agent permet à l’illustrateur de se sentir encadré et appuyé dans son travail. Il ne faut toutefois pas associer trop rapidement agent avec abondance de contrats… En effet, les agents représentent habituellement plusieurs artistes à la fois et, conséquemment, les bénéfices que l’on retire en faisant appel à leurs services sont en quelque sorte partagés entre tous les artistes représentés par le même agent. Gardez toujours en tête que si l’agent vous procure des contrats, qui sont votre gagne-pain, vousmême êtes le gagne-pain de l’agent… En outre, si, après avoir pesé les avantages et les inconvénients, vous décidez de faire appel à un agent, souvenez-vous que, comme pour les concours, la

réputation de l’agence influencera la vôtre. Voici d’ailleurs une liste d’avantages et d’inconvénients publiée dans Business of Illustration par Steven Heller et Teresa Fernandes, que nous avons traduite pour vous la présenter. Il s’agit d’un bon début pour amorcer la démarche ; vous pourrez ensuite y ajouter vos propres observations.

l’agent : avantages et inconvénients avantages  ous aurez plus de temps pour vous concentrer V sur vos illustrations.  otre agent fera toutes les négociations pour V vous. Il possède d’ailleurs plusieurs années d’expérience à ce sujet.  ous jouirez de tous les bénéfices de faire partie V d’un groupe aux intérêts similaires.  ous n’aurez pas à vous « vendre », l’agent le V fera pour vous.  ous aurez plus de temps pour réfléchir aux V contrats que l’on vous propose, puisque vous recevrez très rarement des appels directs des clients.  es contacts de l’agent pourraient vous mener L vers des pistes que vous n’auriez pas explorées par vous-même.  ous pourrez participer à des outils de promoV tion de groupe que vous n‘auriez pas pu vous payer seul.

inconvénients  ans certains cas, vous perdrez le contact direct D avec la clientèle.  ous perdez un certain pourcentage de vos V revenus. Il peut advenir certains problèmes de communication (ajout d’intermédiaires).  uand vous prenez des décisions, vous devez Q considérer les intérêts de l’agent en plus des vôtres.  ous pourriez vous compromettre quant au V genre de contrats que vous aurez à réaliser.  ous aurez peut-être à insérer dans votre portfoV lio des illustrations visant à obtenir des contrats qui ne vous intéressent pas spécialement.  ien ne garantit qu’un agent vous rapportera plus R de clients ou d’argent que ce vous avez déjà.  omme partie intégrante d’un groupe, vous perC drez peut-être votre identité.

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LES AGENTS

L’agent sert donc à promouvoir le talent de l’artiste qu’il représente. Très souvent, il négocie des contrats pour un territoire géographique bien déterminé, par exemple les États-Unis, le Québec ou bien encore la France. Certains vous proposeront même de vous représenter dans le monde entier. Effectivement, on remarque de plus en plus que les agents tentent de représenter leur clientèle sur un territoire le plus large possible. Ce qui pourrait s’avérer avantageux pour vous est d’obtenir les services d’un agent pour un territoire plus méconnu dont les pratiques et les particularités vous échappent. C’est le travail d’un agent de connaître sa clientèle et sa façon de faire. Les tarifs et les clauses spécifiques en vigueur en Australie, par exemple, peuvent différer de leur pendant nord-américain. Un agent qui offre de vous représenter auprès de la clientèle australienne sera, espérons-le, au fait de ces différences. Pour cette raison, il peut être avantageux de choisir un ou des agents qui vous représenteront sur des territoires donnés alors que vous vous occuperez de le faire vousmême en territoire plus connu, en l’occurrence au Québec, où d’ailleurs votre association pourra vous fournir support et conseil. N’oubliez pas que lorsque vous aurez conclu une entente avec un agent, ce dernier demandera, dans la majorité des cas, que vous travailliez exclusivement pour lui sur le territoire spécifié dans l’entente. Donc, même si un client australien communique directement avec vous après avoir visité votre site Web, vous devrez systématiquement le référer à votre agent. Si vous avez déjà une bonne liste de clients assidus chez vous, il peut être plus intéressant de continuer à faire vous-même votre travail de représentation. Il est possible néanmoins d’exclure des clients de votre entente avec votre agent. À la signature du contrat, vous pouvez fournir la liste de vos clients qui ne feront pas partie de l’entente. Avant de commencer à travailler avec un agent, il est pertinent de contacter l’un ou l’autre des illustrateurs qu’il représente déjà pour obtenir de l’information sur sa manière de travailler. Dans la plupart des cas, le contrat qui lie l’artiste et l’agent n’a pas de durée déterminée et peut être rompu assez facilement. Cependant, il inclut généralement une clause stipulant que tout contrat obtenu pendant un nombre de mois préétabli après la fin de l’entente devra tout de même donner lieu à une commission pour l’agent. En effet, celui-ci argumentera que ce sont ses efforts de promotion qui ont contribué à obtenir ces contrats, ce qui souvent s’avère véridique. La norme veut que ce soit un mois pour chaque année qu’a duré l’entente. Ainsi, si vous mettez un terme au contrat au bout de 5 ans, l’agent peut prendre une cote sur les contrats obtenus

pour les 5 mois suivants la fin de l’entente. Il est toutefois recommandé de mettre un maximum de mois, car si vous mettez fin à une entente de 20 ans, il serait dommage d’être encore lié pour 20 mois. Pour ces dernières raisons, il peut être bénéfique d’envisager une période d’essai avec votre agent avant de signer un contrat qui comprendra toutes les clauses de l’entente liant les deux parties. Il est important qu’une bonne relation s’installe entre l’agent et l’artiste. En effet, travailler avec un agent, c’est créer une relation de confiance et un partenariat à long terme, il est donc important de faire le bon choix. Il faut que l’agent arrive à cerner les besoins de son artiste ainsi que sa manière de travailler, sans quoi la relation risque d’être problématique. Au Québec, il existe cinq agents dont vous trouverez les références sur le site Web d’Illustration Québec. Le marché américain, quant à lui, connaît une petite diminution du nombre d’agents depuis ces dernières années, probablement à cause de la crise financière. En ce qui concerne le nombre d’artistes représentés par des agents, il a aussi connu une baisse dernièrement. En effet, les nouveaux outils de communication ainsi qu’une meilleure formation et une plus grande diffusion d’informations ont libéré les artistes et les ont aidés à devenir plus à même de gérer seuls leur carrière. Avoir recours aux services d’un agent demeure tout de même une solution idéale pour tout artiste qui n’arrive pas à s’occuper de tout l’aspect « business » du métier, ou qui ne souhaite pas le faire lui-même. N’oubliez pas non plus que la fonction première d’un agent est de vous assurer une clientèle plus nombreuse que celle que vous pourriez rejoindre en vous occupant seul de

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CHAPITR E 6

La compréhension et le respect de votre personnalité d’artiste doivent être sacrés pour votre agent et DOIVENT passer AVANT les considérations financières.

votre promotion. Comme il est pratiquement impossible de couvrir les nombreux aspects de la représentation par un agent, nous vous fournissons ici une liste d’interrogations les plus courantes sur lesquelles vous devriez réfléchir lorsque vous déciderez de choisir une agence. Avec cette liste, nous vous fournissons aussi les questions les plus communément posées par les agents avant de prendre un artiste à leur charge. Ces deux listes proviennent de Business of Illustration, de Steven Heller et Teresa Fernandes.

pour trouver un agent qui vous conviendra, vous devez vous poser les questions suivantes :

 epuis combien d’années l’agent D en question est-il en affaires ? Est-il expérimenté dans la négociation et la tarification ?  uels services offre-t-il ? Tenue Q de livres, facturation, collecte de « tearsheet » ? Quel est son taux de commission ?  ’agent a-t-il une bonne réputation L auprès des directeurs artistiques et des clients ?  entez-vous que votre travail est S réellement compris et apprécié par cet agent ?  ui d’autre l’agent repréQ sente-t-il ? Comment votre travail et votre approche s’agencent-ils à ceux du groupe ?  a clientèle de l’agence vous L est-elle totalement inconnue ou ressemble-t-elle énormément à celle que vous connaissez déjà ?  uels sont les arrangements Q offerts par l’agence ? Veut-elle l’exclusivité ? Pouvez-vous continuer de travailler à votre compte parallèlement ?  uels sont les programmes de proQ motion auxquels vous serez appelé à participer ? Combien cela représente-t-il annuellement en terme monétaire ?  omment l’agence est-elle perçue C par le marché ? Voulez-vous être associé à cette image ?  uelles sont les modalités de paieQ ment ? Serez-vous payé au contrat, au mois, aux deux semaines ?  urez-vous un mot à dire quant à ce A qui se retrouvera dans le portfolio de l’agence ?

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LES AGENTS

de son côté, l’agent se posera aussi des questions cruciales avant de décider de représenter un artiste. voici quelques exemples de questions importantes qu’il voudra clarifier avec vous :  ourquoi avez-vous besoin d’un P agent ?  ous considérez-vous comme une V entreprise ?  vez-vous des revenus respecA tables en tant qu’illustrateur ?  e combien d’argent avez-vous D besoin pour vivre confortablement ?  tes-vous un illustrateur d’expéÊ rience ou débutez-vous tout juste votre carrière ?  uelles sont vos attentes face à un Q éventuel partenariat avec l’agence ?  st-ce que votre style entre en E conflit avec celui d’un illustrateur que l’agence représente déjà ?

pour terminer, voici quelques considérations à ne jamais oublier en ce qui concerne ce sujet si complexe qu’est celui de l’agent d’illustrateur :

Il est important de se rappeler qu’un agent est un partenaire d’affaires, JAMAIS votre patron ni votre employé.  e respect et la confiance mutuels L sont les fondations sur lesquelles doit se construire votre collaboration.  a compréhension et le respect de L votre personnalité d’artiste doivent être sacrés pour votre agent et DOIVENT passer AVANT les considérations financières.  nfin, bien que les conseils d’ordre E artistique de la part de votre agent soient toujours les bienvenus, le choix ultime de votre style et de la direction qu’il suivra tout au long de votre carrière doit vous revenir en exclusivité, à vous et à vous seul.

 uel marché visez-vous ? Êtes-vous Q prêt à essayer autre chose ?  tes-vous fiable, respectez-vous les Ê délais, êtes-vous responsable ?  omment fonctionnez-vous avec C vos clients ? Avez-vous de bonnes capacités de gestion d’affaires ?  eriez-vous prêt à confier l’adminisS tration de vos affaires à l’agence ?  omment voyez-vous les demandes C de corrections et de retouches ?  tes-vous professionnel ? DonnezÊ vous toujours votre maximum ?

Bien sûr, la décision finale demeurera vôtre, mais ces listes vous aideront sûrement à vous préparer à ce qui vous attend si jamais vous entreprenez des démarches de recherche d’agence... Dans Creative, Inc. Ilasco et Deangdeelert Cho vous conseillent de faire relire vos contrats d’entente par un avocat spécialisé en droit d’auteur. Vous vous assurez ainsi de bien comprendre tous les tenants et aboutissants de votre relation avec votre agent et évitez les futures mauvaises surprises…

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le site internet

Marie-Anne Campeau Duplessis Le présent chapitre a été révisé par Michelle Blanc, M.Sc. commerce électronique. Marketing Internet, consultante, conférencière et auteure (www.michelleblanc.com)

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Nous avons déjà parlé des sites Internet de portfolios collectifs en ligne. Toutefois, le site Internet personnalisé est devenu l’indispensable ami de l’illustrateur. C’est l’outil de base qui permet d’exposer ses illustrations aux yeux de clients potentiels et actuels tout en fournissant davantage d’informations sur les services que vous offrez, votre mission d’entreprise, votre parcours, vos clients ainsi que vos réalisations. Sachez que très peu de directeurs artistiques sont enclins à recevoir sur rendez-vous un illustrateur qui souhaite présenter son portfolio. En outre, ils sont de plus en plus nombreux à faire des recherches dans le Web pour trouver de nouveaux talents et l’illustrateur qui saura répondre à leurs besoins. Il est important de prendre conscience que plusieurs aspects importants doivent être respectés pour optimiser son site Internet et sa présence en ligne. Nous aborderons à cet effet l’utilisation des médias sociaux dans un prochain chapitre.

7.1

CONCEPTION ET ÉVOLUTION Nous vous suggérons fortement de faire vousmême votre site Internet dans le but de limiter les coûts financiers, tout en vous assurant de garder la maîtrise de votre site et éviter d’être dépendant d’un informaticien. Zeegen et Crush vous offrent quelques conseils à ce sujet. Si vous décidez donc de vous lancer dans l’aventure, commencez par naviguer sur les sites d’autres illustrateurs et relevez ceux que vous trouvez intéressants. Identifiez ce que vous aimez bien, mais surtout, ce qui vous déplaît et qui rend votre navigation difficile (longueur de téléchargement, rubriques trop longues, polices et images trop petites, etc.). Ensuite, fixez-vous des objectifs et un échéancier pour réaliser le tout.

voici, en ordre, les principales étapes à suivre :

 rouver un nom de domaine non utilisé (aller sur T des sites comme GoDaddy permettent de voir si un nom est disponible et ensuite de l’acheter) ;

 éserver le nom de domaine ainsi que R les variantes. Ex : Annieillusration.com / Annieillustrations.com / Annieillustration.ca, etc. ; t rouver un hébergeur (les principales plateformes de création de site Internet en ligne prennent l’hébergement en charge) ;  hoisir un « open source » comme Drupal ou c Wordpress. Nous avons une préférence pour ce dernier qui est plus facile d’utilisation.

Il est également possible de contacter un designer Web et de travailler de concert avec lui pour élaborer un site Internet sur mesure. Si vous décidez d’opter pour cette solution, il convient de définir dès le départ vos attentes en ce qui a trait à votre relation de travail avec le programmeur. Nous vous suggérons de proposer une arborescence que vous élaborerez en vous basant sur d’autres sites Internet d’illustrateurs et d’artistes. Cette arborescence devra être validée par le designer Web qui en évaluera l’ergonomie et « l’usabilité » pour le client cible. Dans cette optique de travail, nous vous encourageons fortement à utiliser des « open source » pour réduire les coûts de conception ainsi que des CMS qui faciliteront la gestion et la mise à jour du contenu de votre site Internet. Dans cette relation de travail, ce qu’il faut éviter au maximum, c’est d’être lié à un programmeur pour faire des modifications et des mises à jour. Un tel lien aurait pour conséquence d’augmenter radicalement les coûts à long terme tout en vous obligeant à avoir recours constamment à votre programmeur. Ainsi, que fait-on le jour où le programmeur n’est plus disponible pour faire un changement ou une mise à jour ? Il convient en effet de mettre à jour régulièrement votre site Internet, car celui-ci est la vitrine de votre travail. Nous vous encourageons fortement à concevoir votre site pour qu’il soit lisible sur la plupart des navigateurs Web (Safari, Chrome, FireFox, Internet Explorer). Votre site devra également être lisible sur les téléphones intelligents ainsi que les tablettes fonctionnant sous IOS ou encore Androïde. C’est pourquoi nous vous recommandons de ne pas utiliser de Flash. Peu importe ce que vous choisirez de faire, certaines règles de base sont importantes à considérer. Réfléchissez bien au nom de domaine (adresse Internet) que vous souhaiterez utiliser. Le nom de votre site sera directement associé à vos services. Suivant les conseils de Charles

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LE SITE INTERNET

Hively, pensez à associer votre nom de site Web à votre propre nom (prénomnom.com). Un ancien client qui vous connaît, mais qui ne se souviendrait plus de votre adresse courriel, pourrait toujours vous retracer et inversement, les clients qui visiteront votre site Internet pour une première fois retiendront davantage votre nom. Vous pourrez ensuite vous créer une adresse courriel facile à mémoriser incluant votre nom et prénom (prénom@prénomnom.com). Même si vous n’êtes pas encore tout à fait prêt à monter votre site, il peut être astucieux de le réserver à l’avance pour en assurer la disponibilité le moment venu. Vous éviterez également beaucoup de problème en gardant toujours votre site le plus sobre possible. Évitez de trop surcharger le graphisme, optez pour un fond léger, ce qui permettra de concentrer l’attention sur vos illustrations. Portez une attention particulière à la vitesse de téléchargement. Charles Hively explique l’importance d’un téléchargement rapide : en général, vous n’avez pas plus que 10 secondes pour attirer l’attention d’un directeur artistique. Si votre site n’est pas performant, il vous fera perdre des visites et donc… des contrats !

7.2

QUOI Y METTRE… Votre site personnel doit être conçu à votre image et répondre à vos besoins. Il est important de bien réfléchir à son contenu. Il doit être facile de navigation et présenter un maximum de vos réalisations, idéalement regroupées par styles, thèmes ou secteurs (éditorial, jeunesse, pub, etc.). Pensez à mettre des croquis, des esquisses, des illustrations finales et des images en contexte (ex. page du magazine, emballage produit, etc.). D’abord, la page d’accueil doit être attrayante, mais avant tout, elle doit porter sur les besoins de vos clients et non nécessairement sur une présentation classique de votre entreprise/offre de service.

Mettez plutôt vos efforts à prouver que vous comprenez leurs besoins. Vous pourrez ensuite y intégrer un onglet « bio » ou « à propos de moi/ nous »… N’oubliez pas qu’il s’agit d’un outil plus exhaustif qu’un portfolio, profitez-en pour vous présenter, le mettre à votre image. Par contre, ne volez pas la vedette à vos illustrations ! Encore une fois, attention à ne pas le surcharger, ce qui aurait comme conséquence de demander un temps de téléchargement interminable, impatientant les visiteurs qui passeraient systématiquement à une autre page. Dans Creative Inc., les auteurs mettent d’ailleurs en garde contre les petites animations flash d’introduction ou les pages d’entrée strictement décoratives. Dans cette catégorie, évitez aussi les fenêtres du type « pop-up ».

Votre site personnel doit être conçu à votre image et répondre à vos besoins. Il est important de bien réfléchir à son contenu. Il doit être facile de navigation et présenter un maximum de vos réalisations. L’arborescence de votre site vous permettra de hiérarchiser l’information que vous comptez y inclure dans votre site. Ce dernier ne devrait pas s’étendre sur plus d’un ou deux paliers (chaque trait entre les cases du schéma suivant représentant un clic de souris pour le visiteur).

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CHAPITR E 7

Exemple d’arborescence web PAG E D’ACCU E I L

À propos de moi... (CV, prix et distinctions, formations, etc.)

Illustrations jeunesse (Portfolio)

Éditorial (Portfolio)

Mon inspiration

Contact

Contact

Clientèles / Témoignages

Contact

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Contact

Boutique en ligne

Contact

LE SITE INTERNET

Pour mettre en valeur votre travail, choisissez judicieusement un bon nombre d’images en vous assurant qu’elles sont les plus représentatives possible du genre de contrat que vous souhaitez obtenir. Ne vous sentez surtout pas obligé d’inclure tout ce que vous avez produit jusqu’à maintenant. Il est important de contextualiser chaque image que vous allez présenter en indiquant les informations suivantes : Date de création Médium de création Nom du client Nom du directeur artistique Support de diffusion

Ex : Illustration produite pour le magazine L’actualité, directrice artistique Jocelyne Fournel, édition novembre 2013, titre de l’article Les élections au Québec. Technique : aquarelle. La contextualisation des œuvres est importante pour deux raisons. La première est qu’elle va aider le client à comprendre les paramètres de création, l’utilisation qui est faite de l’image, tout en vérifiant que le message produit par l’image répond au mandat. Cela aide donc à crédibiliser votre travail. La deuxième raison est que Google, comme plusieurs moteurs de recherche, répertorie les sites Internet en fonction du texte, et non de l’image. Il convient donc de donner du texte à Google pour maximiser votre référencement et vos chances de sortir dans les résultats lors d’une recherche. Lorsque vous choisissez vos œuvres, n’hésitez pas à demander conseil à des collègues professionnels ou à votre association si le choix est difficile, ou tout simplement pour valider votre choix. Ce qui importe est d’avoir des images de bonnes dimensions (Hively propose au minimum 455 pixels) permettant de bien en voir les détails (toutefois, présentez vos images à 72dpi pour en empêcher l’impression et l’utilisation illégale). Pensez aussi à intégrer votre signature accompagnée du sigle « © » en filigrane sur toutes vos images pour les protéger. À cet effet, toutes les pages de votre site Internet devraient mentionner au bas de la page que toutes les œuvres présentées dans ce site sont protégées par le droit d’auteur et qu’il n’est pas permis de les utiliser sans votre consentement. Assurez-vous néanmoins qu’un client potentiel qui serait intéressé à intégrer une de vos images dans une maquette puisse le faire en « draguant » simplement l’image sur son bureau. Étant donné que l’image sera en 72dpi, il ne pourra pas l’imprimer. À cet effet, il convient également de bien choisir le nom de vos fichiers images. Évitez d’utiliser des noms du style « image 2 » ou encore « image 25dec2012 », optez plutôt pour des

noms comme « Nomprenom-theme ou sujet », par exemple « nicolastrost-magazineActualite-electionQuebec.jpg ». Cela permettra d’optimiser votre visibilité auprès de Google et des autres moteurs de recherche, tout en donnant de l’information au client qui aurait copié votre image sur son ordinateur. Ce dernier pourra ainsi associer l’image avec votre nom. N’oubliez surtout pas de mettre en évidence vos coordonnées pour la clientèle intéressée et de vous assurer que l’onglet contact est disponible sur toutes les pages de votre site. Ilasco et Deangdeelert Cho insistent sur ce point en statuant que trop souvent, ce détail est oublié… Les acheteurs d’illustration sont de grands habitués de la navigation Internet et surtout, des gens pressés. Un site qui leur demandera de 3 à 5 clics pour atteindre ce qu’ils veulent sera jugé inefficace et vous risquerez ainsi de perdre de bons contrats. Pensez à intégrer un section « liens utiles » ou « sources d’inspiration » pour partager les liens Internet de vos amis, de vos clients, de vos sources d’inspiration, etc. Encore une fois, l’échange de liens Web avec d’autres sites Internet permettra de crédibiliser votre site « aux yeux » des moteurs de recherche et ainsi améliorer votre référencement naturel. Dans la mesure du possible, il serait efficace d’ajouter des options de partage à toutes vos images. En effet, vous vendez des images. C’est le produit que vous offrez et votre style est votre distinction par rapport aux autres illustrateurs. Il faut donc permettre aux clients et aux visiteurs de partager votre travail, dans la mesure où ils l’apprécient. Pour finir, il est important d’ajouter un outil de statistique à votre site comme Google Analytic. Cet outil gratuit vous aidera à mesurer le nombre de visites, leur provenance, la durée de la visite ainsi que les pages les plus vues. Une analyse régulière vous permettra de quantifier les résultats d’un effort de promotion et, le cas échéant, de valider un investissement. Cet outil est pertinent et utile pour vous aider dans la planification de vos stratégies promotionnelles, car il vous permet de savoir d’où proviennent vos visiteurs et de savoir quand ils viennent vous voir, ce qui peut être utile pour planifier une promotion en terme d’heure et de jour.

7.3

ATTIRER LA VISITE ! Pour qu’un site soit efficace, il faut avant tout qu’il soit bien référencé. Il est crucial de diffuser

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CHAPITR E 7

son existence en inscrivant son adresse Internet sur vos cartes professionnelles ou en créant des liens en provenance d’autres sites, tels que celui de votre association ou d’un autre site de portfolios en ligne. D’ailleurs, il peut être utile d’inclure des liens sur votre propre site, et de demander un échange de visibilité au site Internet dont vous ferez la promotion. Prenez toutefois la peine de juger adéquatement du contenu des sites dont les liens figureront sur le vôtre, tout simplement parce que votre réputation leur sera associée. Un autre moyen de maximiser votre visibilité sur Internet consiste à l’achat de mots clés dans un moteur de recherche. Lorsque vous aurez procédé à ces achats, aussitôt que quelqu’un tapera un de vos mots clés dans la barre de recherche du moteur, votre page s’affichera en tête de liste parmi les résultats. Il faut toutefois faire attention au choix des mots clés et au budget que vous souhaitez dépenser. Nous présentons d’ailleurs dans le prochain chapitre les principaux médias sociaux au sein desquels il peut s’avérer pertinent d’alimenter un profil. Rappelez-vous qu’actuellement, votre présence en ligne est cruciale et qu’il faut profiter de ces médias sociaux pour créer du trafic vers votre site Internet.

idéal présente à la fois vos images et, dans une certaine mesure, votre personnalité, vous pourriez y ajouter un onglet présentant vos sites Web préférés ou encore les blogs qui vous inspirent. Sans nécessairement mettre cette composante en premier plan, le client qui voudra en savoir plus sur vous sera heureux de trouver ce complément d’information et aura même l’impression de vous connaître un peu avant de vous avoir rencontré…

7.4

LE PETIT PLUS… Votre site est en ligne et est visité par un bon nombre de clients chaque mois. C’est excellent. Vous pourriez toutefois réfléchir aux petits « plus » possibles pour tirer davantage profit de ce fabuleux outil virtuel. En effet, pourquoi ne pas profiter de cette plateforme en ligne pour vous lancer tranquillement dans l’« autolicensing » ? Vous pourriez décider de créer des produits dérivés de vos illustrations et les annoncer sur votre site en y ajoutant un onglet « Boutique » (t-shirt, tasses, cartes de souhaits, etc…). Pour ce faire, vous pourriez avoir votre propre boutique ou un lien vers des boutiques telles que Etsy, Zazzele ou encore Society6. Au-delà d’accroître votre visibilité, si la boutique fonctionne bien, elle vous permettra d’augmenter vos revenus. Pensez toutefois à inclure les frais de livraison dans vos prix de vente. Vous pourriez aussi penser à offrir aux visiteurs des fonds d’écrans à télécharger gratuitement ou encore des modèles de cartes de souhaits virtuelles. En leur faisant ce petit cadeau, vous faites un bon coup de marketing auprès d’un client potentiel tout en vous assurant que votre travail continuera de circuler et d’être vu par d’autres. Autre idée originale : comme le portfolio

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LE SITE INTERNET

7.5

LIENS UTILES d rupal drupal.org  ordpress w fr-ca.wordpress.com

g odaddy ca.godaddy.com g oogle analytics www.google.com/analytics/ e tsy www.etsy.com z azzele www.zazzle.ca s ociety6 society6.com

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les médias sociaux

Sébastien Leblanc Le présent chapitre a été révisé par Michelle Blanc, M.Sc. commerce électronique. Marketing Internet, consultante, conférencière et auteure (www.michelleblanc.com)

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CHAPITR E 8

Dans le chapitre précédent, nous avons abordé la question du site Internet. Cet outil est indispensable certes, mais, à l’heure actuelle, il n’est plus suffisant. Effectivement, le monde est de plus en plus branché. Les modes de réseautage s’élargissent de jour en jour et de nouvelles plateformes apparaissent à un rythme effréné. Ceci dit, ces plateformes sont-elles toutes pertinentes pour vous ? Rejoignent-elles toutes la même clientèle ? Ont-elles les mêmes desseins ? De plus, être actif sur chacune de ces nombreuses plateformes de médias sociaux peut devenir extrêmement énergivore. Il est donc important de bien connaître vos objectifs et attentes envers ces dites plateformes pour en évaluer la performance et faire des choix judicieux le moment venu. Ce qu’il faut d’abord comprendre, c’est qu’une page Facebook inactive ou encore un compte LinkedIn désuet n’atteindra pas son but premier ; ultimement, ces fameux « comptes » inactifs enverront même un message négatif quant au dynamisme de votre entreprise. Cet illustrateur travaille-t-il toujours ? Il n’arrive même pas à gérer correctement sa promotion, comment pourra-t-il travailler pour moi ? En effet, les médias sociaux sont à double tranchant, ils prennent du temps et de l’énergie, mais doivent absolument être alimentés, sans quoi ils deviennent contreproductifs. Vous devrez donc choisir judicieusement où investir votre temps et votre énergie pour maintenir un, deux ou trois comptes sur des plateformes populaires plutôt que de vous inscrire systématiquement sur tous les nouveaux réseaux sociaux sans être capable de fournir à leur maintenance. Comment choisir ? Voici une liste des principaux médias sociaux et de leur utilité première pour vous aider à faire ce choix. Gardez toutefois en tête que votre principale présence en ligne doit demeurer votre site Internet et chacune des plateformes que vous choisirez d’alimenter devra au final viser à créer du trafic vers celui-ci.

8.1

FACEBOOK OU LA COMMUNAUTÉ DE PARTAGE… Facebook est probablement, avec Twitter et LinkedIn, l’une des plateformes de réseaux sociaux les plus répandues. Facebook fut d’abord fondé en 2004 par un étudiant d’Harvard, et se voulait une plateforme de réseautage entre étudiants. Petit à petit, l’équipe derrière la machine s’est agrandie. En 2012, elle compte, selon son créateur, plus d’un milliard de membres actifs. Comme il s’agit d’un outil gratuit et convivial, son utilisation s’est rapidement répandue. Mais s’agit-il simplement d’une plateforme présentant un mur de discussions futiles ou est-il possible d’y articuler un plan marketing ? Quels sont les avantages de ce réseau social ? D’abord, comme mentionné, son utilisation est gratuite. Ensuite, si vous alimentez bien votre page et que vous réussissez à aller chercher beaucoup d’adeptes (on a maintenant changé la formule « devenir adeptes » pour le simple « j’aime »), l’information que vous y publierez se propagera massivement et rapidement. C’est d’ailleurs un des principes de base de la plateforme tant utilisée. Facebook figure aussi parmi la liste des réseaux sociaux les plus fréquentés. Il va donc sans dire que les messages que vous partagerez sur cette plateforme Internet auront une certaine portée. Il faut relativiser ici la portée dans la mesure où le système mis en place par Facebook fait en sorte qu’environ 10 % de vos fans verront vos messages. Ce système a pour principal but de stimuler l’achat de promotion pour stimuler vos publications. Attention par exemple, cet aspect, baptisé « hyper sharing » par Josh Bersin dans un article paru en 2013 sur la page Internet du magazine Forbes, représente également un des principaux défis/dangers pour les usagers de la plateforme. Avantage non négligeable, les pages Facebook sont systématiquement indexées par Google. Par exemple, en tapant le nom de votre entreprise sur Google, vous verrez apparaître, dans la liste de résultats, le lien direct vers votre page Facebook. Vous augmentez ainsi votre visibilité

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LES MÉDIAS SOCIAUX

dans l’univers virtuel. Donc, en récapitulatif, Facebook est une plateforme au sens pur et non pas uniquement une application Internet. Dans son article, Bersin explique d’ailleurs que des compagnies et entreprises peuvent ainsi créer des applications à l’intérieur même de la plateforme Facebook (comme BranchOut qui vise essentiellement les mêmes objectifs que LinkedIn, mais à même Facebook). C’est sans doute l’aspect communicationnel de Facebook qui définit le plus justement l’essence de la plateforme. Pour l’illustrateur, un profil Facebook lui servira à communiquer à ses fans ses bons coups et ses nouvelles du jour, mais aussi ses questionnements ainsi que des esquisses et croquis pour recevoir des commentaires et conseils (constructifs, espérons-le) et pousser plus loin ses explorations et son travail. Soyez néanmoins conscients qu’une page Fan sera presque exclusivement suivie par des fans de votre travail, votre famille, vos collègues illustrateurs et vos amis, rarement par des clients potentiels. Il faut donc utiliser cette plateforme en tenant compte de cela. Profitez-en pour promouvoir vos livres, vos œuvres disponibles à l’achat par exemple. Quelques mises en garde avant de se lancer dans l’aventure. L’« hyper sharing » de Bersin est probablement la première considération à avoir. Plusieurs personnes choisissent de bouder Facebook à cause de sa position plutôt nébuleuse sur le respect de la vie privée, des droits d’accès à l’information et des droits d’auteur sur les images que vous y mettrez. C’est pourquoi nous vous suggérons de ne pas télécharger des images, mais plutôt d’utiliser des liens Internet qui propulsent des images de votre site Internet ou d’un portfolio Behance vers votre page Facebook. Aussi, compte tenu que l’actualité défilant sur la plateforme est en constante mise à jour, Facebook devient facilement chronophage. Changement de statuts de vos 1033 amis, fils d’actualité toujours en mouvance, clavardage, invitations, tous ces items composent un terrain dynamique qui demandera de plus en plus de temps. Attention à ne pas y passer vos journées ! Également, sur Facebook, il sera préférable pour vous de séparer vos comptes personnels de vos comptes professionnels. Vous ne souhaitez pas partager la même information à vos amis et famille qu’à vos clients n’est-ce pas ? Par exemple, vous ne partageriez pas vos photos de voyage avec vos futurs clients. Voilà pourquoi il s’avère avisé de séparer vos comptes en les identifiant comme tels (ex : c’estmoilemeilleur et c’estmoilemeilleur-professionnel). Et puisqu’on en parle, choisissez judicieusement votre nom de profil. Vous souhaitez qu’on vous reconnaisse, qu’on associe votre page

Facebook à votre site Internet et qu’on vous trouve rapidement. Finalement, il existe plusieurs formes de page Facebook (entreprise, personnelle, groupe ou encore communauté). Seule la page d’entreprise officielle vous garantit le plein accès et le droit complet de publication au nom de votre entreprise. Quant aux autres pages, si Facebook juge un jour que vous ne détenez pas les droits de publication pour un groupe ou une communauté donnée, il pourra effacer le profil sans plus d’avertissement. Autre détail à retenir : seul un profil personnel vous permettra « d’aimer d’autres pages » et de créer des liens d’amitié avec d’autres illustrateurs ou des clients. Votre page entreprise offrira à vos connaissances de devenir « adeptes » de votre page, mais vous ne pourrez devenir « amis » avec eux. Ceci étant dit, Facebook doit relayer l’information qui provient de votre blog et de votre site Internet, permettant ainsi de faire un lien direct entre l’un et l’autre. Chez Facebook, vous n’êtes pas maître de vos contenus. En publiant sur Facebook, vous leur cédez tous vos droits, c’est d’ailleurs bien identifié dans leurs conditions d’utilisation. Faites donc attention à ce que vous publiez. C’est un outil parmi d’autres et non votre fer de lance ! Mais tout de même, que pouvez-vous partager sur Facebook ? Nous l’avons mentionné plusieurs fois, Facebook est effectivement une communauté de partage. Faites parler vos adeptes, ils enrichiront vos contenus et vous feront avancer dans votre démarche. Servez-vous aussi de votre page Facebook pour aider vos adeptes à mieux vous connaitre. Relayez les articles que vous trouvez intéressants. Présentez-y vos sources d’inspiration et, pourquoi pas, commentez le travail de vos collègues (mais encore une fois, n’oubliez pas qu’un contenu Internet ne s’efface pas facilement, restez courtois et peut-être pourriez-vous vous contenter de commenter ce qui vous plaît, ce que vous aimez…) !

8.2

TWITTERA, TWITTERA PAS... ? Vous trouverez une panoplie d’avis contraires sur la supériorité d’un média social face à un autre. Le rendement d’une plateforme doit toujours être évalué en fonction de ses avantages et inconvénients. À chacun ses qualités premières. Ce qui est important pour profiter au maximum des offres des médias sociaux, c’est d’être présent sur plus d’une plateforme. Mais encore une fois

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CHAPITR E 8

combien et lesquelles demeure une question de choix et de temps. Voici donc les principaux avantages qu’offre Twitter : D’abord, la plateforme permet une plus grande portée du message. C’est un médium qui est utilisé par les journalistes, les faiseurs de tendances, les personnalités. Il permet d’entrer directement en conversation avec eux. Contrairement à Facebook, les abonnés n’ont pas à avoir préalablement « aimé » votre profil afin d’accéder à vos publications. Votre gazouillis, une fois lancé, est visible par tous les abonnés de la plateforme, à part les usagers qui auront été bloqués, évidemment. Ensuite, il semble plus facile d’intégrer des hyperliens et d’y faire des mises à jour dans un contexte promotionnel. Les réponses du réseau y sont d’ailleurs instantanées et la communication directe. Les infos qui y sont partagées peuvent être liées à un lecteur RSS et même référencées par les différents moteurs de recherche, ce qui rend ces infos disponibles même aux non-abonnés de la plateforme! Le « widget » permet de propager son fil Twitter en l’insérant directement dans sa page Internet ou son blog et ainsi l’échange entre les deux plateformes devient bidirectionnel. Finalement, les coûts d’administration (en énergie et en temps) sont nettement moindres que pour Facebook ! Malgré tout, il faut être conscient que les messages sont limités à 140 caractères, ce qui oblige à synthétiser au maximum sa pensée. Cela peut néanmoins vous encourager à être concis et à utiliser des liens Internet raccourcis. Que feriez-vous d’un compte Twitter ? En fait, le site est idéal pour partager de courtes nouvelles et pour vous composer un réseau d’affaires. Twitter vous permettra plus facilement de rejoindre directement les gens de votre industrie, comme des intéressés de l’illustration, des directeurs artistiques à l’affût de nouveaux talents, etc. Alex Mathers y va aussi de ses conseils dans l’édition de votre compte Twitter. Trouvez d’abord un nom de compte le plus près possible du nom de votre entreprise et/ou du nom de votre site Internet. Aussi, comme les gazouillis sont limités à 140 caractères et que votre nom figurera systématiquement dans vos messages, il sera judicieux de choisir un nom plutôt court. Vous pourrez ensuite vous créer un avatar et y ajouter votre petite bio. Générez votre compte en gardant en tête que la plupart de vos « followers » en feront une lecture vraiment rapide. Mais une fois que le compte est actif, qu’est-ce qu’on y écrit ? Twitter est en quelque sorte la nouvelle porte d’entrée des actualités. C’est l’endroit où sortiront en primeur les nouvelles de l’heure. Vous pourriez vous en servir pour connaître tout ce qu’il y a à savoir sur un sujet qui vous intéresse.

Inversement, vous pourriez y partager toutes vos nouvelles les plus récentes. Avez-vous gagné un prix, obtenu un nouveau contrat ? Êtes-vous tombé sur une mine d’or d’informations que vous désirez partager à vos « followers » ? Servez-vous de vos 140 caractères pour le faire ! Vous pourrez aussi partager des liens Internet, vers des images par exemple, ou encore amener votre réseau sur votre site Internet en annonçant une nouvelle collection d’images disponible. Il s’agit d’un échange de nouvelles, bref et direct. Un raccourci à votre éditorial du jour ! Vous pourrez aussi « retwitter » une nouvelle pertinente à votre réseau ou encore répondre à un « tweet » qui aura suscité votre intérêt, et ainsi démarrer une conversation. Pour une efficacité maximale, soyez concis, mais sachez susciter l’intérêt.

8.3

ET LINKEDIN, C’EST UTILE ? Il s’agit d’un réseau social entièrement dévoué à la vie professionnelle. En somme, il s’agit d’un site de CV en ligne et d’un système de réseautage avec employeurs. Évidemment c’est encore une fois un réseau à ne pas sous-estimer, en opération depuis mai 2003 et comptant actuellement plus de 225 millions d’abonnés, mais qui se concentre entièrement à la recherche d’emploi et au recrutement. Il ne s’agit donc pas d’une plateforme d’échange de photos ou d’informations personnelles. LinkedIn compte tout de même une tribune via laquelle vous pouvez partager des nouvelles professionnelles comme l’obtention d’un nouveau mandat, la mise à jour de votre site Internet personnel ou encore des croquis préparatoires de votre prochain projet. L’ultime objectif de ce réseau est de vous mettre en contact avec des employeurs et chercheurs de têtes afin d’obtenir un emploi (ou dans votre cas, un contrat) en fonction de vos capacités et habiletés. Une autre des composantes intéressantes de la plateforme est la possibilité d’accumuler, directement sur votre profil, des recommandations de vos anciens employeurs/ collègues, basées sur vos habiletés et compétences pour des tâches spécifiques. D’ailleurs, de ce point de vue, LinkedIn occupe sans doute la première place parmi les plateformes virtuelles en ce qui concerne la valorisation des qualités professionnelles de ses usagers, ainsi que le spécifie Josh Bersin dans l’article cité en début de chapitre. Mais, comme pour les plateformes précédemment présentées, l’intérêt de LinkedIn

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LES MÉDIAS SOCIAUX

réside dans la qualité du réseau qu’on réussit à s’y développer. Aussi, certaines modalités du réseau ne sont disponibles que lorsque l’on souscrit à un compte payant, par exemple l’accessibilité complète aux données de quiconque se trouvant dans votre réseau. Nous vous suggérons d’utiliser LinkedIn pour entrer en contact avec des directeurs artistiques avec qui vous souhaitez collaborer. Il s’agit d’un bon outil pour obtenir leurs coordonnées tout en évitant de passer par la secrétaire. En outre, cela vous permet de les contacter directement via un petit message et une invitation à découvrir votre portfolio. Pour finir, si vous souhaitez avoir un profil LinkedIn pleinement rentable, assurez-vous d’y inclure le plus de détails possible quant à votre formation, vos expériences et vos réalisations. LinkedIn vous servira à vous développer un réseau d’affaires et à faire valoir vos compétences et habiletés dans le but d’être engagé.

8.4

LE BLOG ALORS, ÇA SERT À QUOI ? Pourquoi un blog ? Qu’est-ce que le blog me permettra de faire de plus ? Alex Mathers nous explique qu’il faut voir le blog comme le squelette de votre entreprise ou encore une invitation à entrer en contact directement avec vous, la personne derrière les illustrations que vous partagez et les nouvelles que vous publiez sur les différents réseaux sociaux. Le blog vous permettra d’entrer en relation avec vos fans, amis, futurs clients, etc. Si vous administrez votre blog personnel convenablement, vos adeptes seront intéressés à vous suivre et comprendront davantage les valeurs sous-jacentes à votre pratique. Le blog vous permettra de vous montrer au grand jour et de dévoiler votre passion pour votre métier. Il est cependant recommandé d’intégrer directement votre blog à votre site Internet. Ainsi, le blog vous permettra d’animer et de mettre à jour le contenu de votre site. Il le rendra plus dynamique et incitera le visiteur à venir régulièrement pour y découvrir des nouvelles images ou des nouveaux postes. Que préférez-vous faire ? Quel genre de travailleur autonome êtesvous, comment entrez-vous en contact avec les gens ?… Ce genre de choses est important dans le milieu des affaires et les gens souhaitent pouvoir associer l’artiste à son travail. En présentant votre personnalité, vos connaissances et l’objet de votre curiosité, vous apportez de la crédibilité

à votre travail autonome et vous permettez à vos contacts de connaître votre approche et vos valeurs. Bien entendu, vous souhaitez toujours vendre vos services et vous devrez toujours garder en tête cet objectif lors de la rédaction de votre blog, mais relâchez un peu la pression marketing et abandonnez-vous plutôt à vendre votre passion et vos réels intérêts… L’idée principale est d’y avoir une bonne cadence de publication, la moyenne étant une à deux fois par semaine, et tentez toujours d’avoir un contenu intéressant. À ce sujet, l’auteur apporte une proposition fort intéressante si vous craignez de ne pas avoir suffisamment de contenu à partager. Faites d’abord le test avec une autre passion que votre occupation professionnelle. Vous pouvez vous servir de plateforme de blog gratuite comme Blogger (par contre plus restrictive), Tumblr ou Wordpress pour y faire un tour d’essai. Disons que vous êtes passionné de cinéma et que vous êtes capable de passer des soirées entières à ne parler que de ça. Eh

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CHAPITR E 8

bien, tentez le blog cinéphile pendant quelques mois ! Vous verrez si le blog est pour vous et vous pourrez ensuite opérer un blog traitant de votre occupation professionnelle. Et pour donner une couleur à votre blog et vous distinguer de la concurrence (il existe évidemment des tonnes de blogs sur Internet), choisissez de développer vos billets sur un sujet bien précis de votre pratique. Parlez plus précisément de votre médium, par exemple, ou encore de l’illustration jeunesse. À vous de choisir, mais attention à ne pas trop aiguiser vos billets et à les rendre ainsi hermétiques. Un bon contenu et une constance dans la fréquence de publication sont donc deux éléments cruciaux. Aussi, assurez-vous de bien titrer et de bien classer vos billets. En effet, lorsque vous titrez vos articles, pensez référencement, attrait et dynamisme ! Comme l’objectif premier du blog est de partager vos réflexions personnelles sur une question particulière et d’ensuite entrer en communication ouverte, réfléchissez à l’avance à vos capacités d’encaisser les commentaires. Idéalement, vous n’effacerez pas les premières critiques pour vous en débarrasser rapidement parce que vous ne pouvez les encaisser. Pensez plutôt qu’il s’agira d’une excellente occasion de démontrer votre grandeur quant à la critique. Prenez un peu de distance et tentez d’approcher la chose de manière constructive. Il vous est aussi possible de créer votre propre politique de publication, qui explique clairement le type de messages et commentaires qui seront acceptés et ceux qui seront retirés sans préavis. On pense ici aux messages à caractère xénophobe, raciste, etc.

8.5

AUTRES UTILITÉS DU WEB ET DERNIÈRES RECOMMANDATIONS Nous avons présenté ici quelques instruments Internet qui vous permettront de faire la promotion de votre travail. Évidemment, nous n’avons pu dresser un portrait complet de toutes les possibilités du Web. Plusieurs autres plateformes communicationnelles existent comme Flickr, You tube ou encore Instagram, mais nous croyons avoir couvert les plus pertinentes et importantes pour vous en tant que travailleur autonome. Aussi, plusieurs autres usages du Web sont possibles, entre autres comme source d’inspiration. À ce sujet, Pinterest est une plateforme assez intéressante qui sert de babillard virtuel. Il est

possible d’y créer un compte et de « piner » littéralement des images comme source d’inspiration. Vous pouvez créer des dossiers sur différentes thématiques comme la cuisine, la calligraphie ou encore la mode. Il vous est également possible de vous abonner à d’autres comptes pour avoir ainsi accès à de nouvelles images. Vous aurez à faire des choix dans votre stratégie promotionnelle, ne vous gênez surtout pas pour tenter différentes stratégies et visiter les dites plateformes. Quelques conseils de base sont à retenir. D’abord, ne parlez pas que de vous. Les médias sociaux sont des lieux d’échange. Demandez des avis, recherchez la conversation plutôt que la présentation monologuiste pure et simple. C’est la nature même du Web 2.0 : l’interaction. Suivez aussi les gens qui vous intéressent et participez aux conversations, prenez la peine de répondre aux commentaires et questions qu’on vous présentera. Ensuite, connaissez bien votre public cible et sachez où le trouver. Cela vous épargnera bien des coups d’épée dans l’eau et vous permettra d’économiser beaucoup d’énergie. Aussi, bien que vous devrez choisir parmi plusieurs possibilités, ne faites pas l’erreur de vous limiter à une seule plateforme. Si vous êtes vraiment restreint dans le temps que vous pouvez accorder à votre stratégie Web, faites des choix judicieux et choisissez des plateformes complémentaires qui vous permettront d’atteindre des publics cibles différents et de véhiculer des messages distincts. Soyez créatif dans vos communications, attirez les gens dans vos réseaux et saisissez l’opportunité de présenter l’ampleur de votre créativité ! Finalement, prenez occasionnellement le temps de faire des recherches sur vous-même. Vérifiez quels sont les résultats de recherche lorsque vous tapez votre nom sur Google, par exemple. Cela vous permettra de vérifier laquelle de vos plateformes Internet est la plus visitée et de mieux diriger vos stratégies. Finalement, lorsque vous planifierez votre stratégie promotionnelle en usant des médias sociaux, penser à arrimer les différents médias ensemble. Ainsi, un message publié sur LinkedIn peut être diffusé automatiquement sur Twitter. D’autres connections sont possibles entre les différents médias. Cette technique vous fera gagner du temps et évitera de dupliquer vos efforts. Vous pouvez également utiliser la fonction « programmer une publication » qui est disponible dans les pages Fans de Facebook. Cette fonction vous permet d’enregistrer des messages et de programmer la date et l’heure à laquelle ils seront publiés sur votre mur.

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LES MÉDIAS SOCIAUX

8.6

LIENS UTILES f acebook www.facebook.com l inkedin www.linkedin.com t witter www.twitter.com f lickr www.flickr.com p interest www.pinterest.com d ehance www.behance.net y ou tube www.youtube.com v imeo www.vimeo.com i nstagram www.instagram.com t umblr www.tumblr.com  ichelle blanc m www.michelleblanc.com

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9

le droit d’auteur

Yves Dumont Nous avons essayé de résumer ici un sujet très complexe. Cette section ne remplacera évidemment pas les conseils juridiques qui devront être obtenus dans les cas où l’application des principes généraux n’est pas claire.

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CHAPITR E 9

Une grande partie des informations et des textes qui composent cette section sont tirés du document Droit d’auteur – mode d’emploi publié par Illustration Québec en 1987 et rédigé par Thierry Sauer. Merci à l’auteur qui nous a donné l’autorisation de réutiliser ses écrits. Ils ont été révisés d’abord par maître Viviane De Kinder et actualisés par maître Véronyque Roy.

9.1

QU’EST-CE QUE C’EST ? Le droit d’auteur est un droit statutaire puisque son existence découle de la Loi sur le droit d’auteur [L.R.C. (1985), c. C-42] (ci-après : Loi). Cette Loi relève du gouvernement fédéral, tout comme la législation touchant les autres composantes de la propriété intellectuelle, soit celle sur les brevets, les marques de commerce et les dessins industriels. La Loi est entrée en vigueur le 1er janvier 1924, avant de connaître des amendements par la suite. Pour bien saisir l’objectif de cette loi, il faut comprendre qu’elle vise diverses utilisations ou exploitations de l’œuvre.

au canada, la protection du droit d’auteur a pour objet :

 es œuvres (littéraires, dramatiques, musicales L ou artistiques) ;

les sculptures, les œuvres artistiques artisanales ainsi que les œuvres d’art architectural, les gravures et les photographies, les graphiques, les cartes et les compilations d’œuvres artistiques. La sculpture, qui est comprise parmi les œuvres artistiques, comprend les moules et les modèles. En ce qui touche les œuvres collectives, le terme « œuvre créée en collaboration » signifie une « œuvre exécutée par la collaboration de deux ou plusieurs auteurs et dans laquelle la part créée par l’un n’est pas distincte de celle créée par l’autre ou les autres ». A contrario, la protection du droit d’auteur sur une « compilation » ne porte que sur l’expression de l’arrangement ou le choix de la matière compilée, et est distincte du droit d’auteur lié aux œuvres incorporées dans la compilation. Par exemple, la bande dessinée créée par un auteur de texte et un illustrateur sera considérée comme une œuvre de compilation, la part de l’un étant distincte de la part de l’autre. Il existe un droit d’auteur sur le texte et un droit d’auteur sur le dessin. La qualification de la compilation dépend quant à elle de la nature des œuvres dont elle est composée. Un livre ayant pour contenu 50 photographies et 5 poèmes serait considéré comme une compilation d’œuvres artistiques plutôt que littéraires. Finalement, le terme « contrefaçon » désigne toute reproduction illégale, y compris l’imitation déguisée d’une œuvre sur laquelle subsiste un droit d’auteur.

Les prestations d’artistes-interprètes ;

9.2

Les enregistrements sonores et

CONDITIONS DE PROTECTION

Les signaux de communication.

Le droit d’auteur ne vise que les œuvres décrites à la Loi, qui est exhaustive. L’expression « droit d’auteur » réfère à une série de droits distincts et exclusifs dont seul le titulaire de ce droit peut exercer, autoriser et interdire l’exploitation, avec ou sans restriction de marché, de territoire, de durée, de format et de support. Il s’agit de droits économiques ou patrimoniaux et de droits moraux. Le présent document vise surtout les questions qui touchent les auteurs d’œuvres artistiques que sont les illustrateurs. Voici quelques définitions utiles pour la bonne compréhension du droit d’auteur. Tout d’abord, le terme « œuvre artistique », au sens de la Loi, comprend les œuvres de peinture, les dessins,

La protection du droit d’auteur ne vise que l’expression de l’œuvre. En sont exclus les idées, informations, procédés ou méthodes et données publiques exposés ou décrits à l’œuvre. L’auteur est la personne qui exécute l’œuvre et non celle qui suggère les idées exprimées dans l’œuvre exécutée. Le principe de protection du droit d’auteur ne se rattache qu’à l’expression de l’œuvre et non aux idées que celle-ci incorpore ; les idées sont du domaine public. Au Canada, la protection du droit d’auteur n’est assujettie à aucune formalité d’enregistrement.

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LE DROIT D’AUTEUR

Cependant, l’œuvre artistique doit, pour être admissible à cette protection, satisfaire les critères suivants : être originale et fixée. Le critère d’originalité est stipulé à la Loi et ne se rattache ni à la valeur ni au mérite artistique ou littéraire de l’œuvre, ni à la nouveauté des idées exprimées. Selon la doctrine et la jurisprudence canadiennes, est « originale » une œuvre qui émane d’un auteur et qui n’est pas le fruit de la copie d’une autre œuvre. Plus précisément, l’œuvre doit être le produit de l’exercice du talent et du jugement d’un auteur. Cela nécessite un effort intellectuel et ne peut donc pas être purement mécanique. Celui de fixation procède d’un critère jurisprudentiel adopté depuis 1954. Selon ce critère, l’expression de l’œuvre doit être fixée sous une forme quelconque, plus ou moins durable ou permanente. La Loi est la loi et s’applique à tous, sans exception. Débutants et professionnels, inconnus ou célèbres, tous les artistes ont les mêmes privilèges, obligations et responsabilités. Il y a un code international qui indique l’existence d’un droit d’auteur sur une œuvre, il s’agit du symbole © suivi du nom de l’auteur et de la date de sa première publication. Il n’est pas obligatoire, mais plutôt fortement conseillé de l’inscrire systématiquement. Aussi, pour ne pas être inclus dans les exceptions prévues à la plus récente version de la Loi, nous recommandons que les œuvres publiées sur le Web comportent un verrou technologique.

9.3

À QUI BÉNÉFICIENT CES DROITS ? La Loi prévoit certains cas où le droit d’auteur n’appartient pas à celui qui a créé l’œuvre ou des cas où il est permis d’utiliser l’œuvre sans en demander l’autorisation. On pense, entre autres, à l’œuvre exécutée dans l’exercice de son emploi et aux cas d’application des exceptions à la Loi.

Lorsque l’œuvre a été réalisée dans le cadre d’un emploi salarié, l’employeur devient propriétaire du droit, à moins qu’une entente ait été négociée à l’effet contraire. Aux yeux de la Loi, le pigiste est assimilé au travailleur autonome et non à un employé. L’artiste demeure donc propriétaire de tous ses droits. Jusqu’à la venue de la nouvelle mouture de la Loi en novembre 2012, les droits d’auteur de toute photographie commandée et payée par un client appartenaient, à moins de stipulation contraire, audit client et non au photographe qui la réalisait. Les photographes se voyaient donc dans l’obligation de faire signer une entente à chacun de leurs clients pour obtenir leur droit d’auteur sur leur travail. Par contre, la nouvelle Loi a réglé ce clivage pour les photographes qui sont maintenant propriétaires des droits de leurs œuvres au même titre que les autres artistes créateurs. Cependant, cette mesure n’est pas rétroactive et ne concerne que les photos produites après la promulgation de la Loi. Dans le cas d’une commande d’illustration qui est une reproduction d’une œuvre existante, il s’agit d’une reproduction d’une œuvre originale, déjà fixée, et sur laquelle existe un droit d’auteur. En ce qui concerne l’illustrateur, le critère d’originalité fait défaut, il n’est donc pas le titulaire du droit d’auteur. Il y a alors deux possibilités : soit l’illustrateur a obtenu de l’auteur ou des ayants droit l’autorisation d’exécuter (ou de reproduire) l’œuvre en question (c’est la procédure normale la plus courante en la matière), soit l’illustrateur n’a pas cette autorisation et court le risque d’être poursuivi pour contrefaçon. La responsabilité de la copie, lorsqu’il s’agit d’une commande, incombe aux deux parties : l’auteur, pour avoir produit ce qui s’avère être une contrefaçon, et l’éditeur (ou le client) pour avoir publié cette production. Toutefois, si l’éditeur a remis une déclaration écrite par laquelle il garantit avoir obtenu du titulaire du droit d’auteur sur l’œuvre d’origine les autorisations requises aux fins concernées, l’illustrateur pourra se

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CHAPITR E 9

Précisons que la durée du droit d’auteur n’est pas la même dans tous les pays.

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prévaloir de cette déclaration en défense. Cette déclaration devrait mentionner l’obligation pour le client d’indemniser l’illustrateur de tous les frais judiciaires et extrajudiciaires et, le cas échéant, de tout dommage qu’il pourrait encourir ou subir en cas de poursuite ou de réclamation en violation du droit d’auteur. De plus, le fait d’avoir donné ou vendu l’original d’une illustration à quelqu’un ne rend pas celui-ci propriétaire du droit d’auteur. La propriété matérielle de l’œuvre n’entraîne pas la possession du droit d’auteur. La personne à qui l’illustrateur a donné ou vendu l’œuvre ne peut en faire qu’un usage privé. Elle peut la donner, la vendre, l’encadrer et l’exposer chez elle, par exemple, mais elle ne peut pas l’exploiter sous quelque forme que ce soit (publication, distribution commerciale ou gratuite, etc.). Dans le cas d’une œuvre créée en collaboration, tous les collaborateurs possèdent les droits de cette oeuvre, quel que soit leur nombre. Il existe cependant certaines exceptions pour lesquelles la Loi ne s’applique pas. Alors qu’une exception existait déjà pour des fins d’étude privée et de recherche, la nouvelle mouture de la Loi a étendu le concept d’utilisation équitable d’une œuvre (exceptions aux violations du droit d’auteur) aux domaines de l’éducation, de la parodie et de la satire. Aussi, les utilisateurs peuvent utiliser certaines œuvres à des fins non commerciales ou bénéficier d’exceptions institutionnelles. Finalement, même s’il était possible de croire que les œuvres diffusées sur Internet sont systématiquement libres de droits, il n’en va heureusement pas ainsi. La capacité de diffusion « virtuelle » ne change aucunement la protection légale du droit d’auteur. Certains sites donnent accès gratuitement à certaines œuvres, mais il faut savoir que cela ne permet pas systématiquement de reproduire l’œuvre sur d’autres supports. En ce qui concerne l’application de la loi pour les œuvres sur Internet, celle s’appliquant est généralement celle du pays où

LE DROIT D’AUTEUR

l’œuvre est utilisée. Certains sites afficheront des conditions claires quant aux droits d’auteur et d’autres seront plus discrets. Il est important de bien s’informer avant de diffuser son travail sur des sites privés ou qui ne détaillent pas clairement leurs conditions.

9.4

DURÉE Au Canada, le droit d’auteur sur une œuvre subsiste pendant la vie de l’auteur et jusqu’au 31 décembre de la 50e année suivant celle de son décès. Certaines œuvres font toutefois exception à ce principe. Les œuvres de collaboration, dont l’expression procède d’un apport de deux ou plusieurs auteurs et dans laquelle l’apport de l’un n’est pas distinct de celui des autres, sont protégées pendant la vie du dernier survivant jusqu’à la fin de la 50e année suivant celle de son décès. Aussi, la cession ou l’attribution par licence de droit par le premier titulaire autrement que par testament se termine vingt-cinq ans après son décès. Cette exception canadienne s’appelle la réversibilité du droit d’auteur. Après le décès de l’auteur, les héritiers (ayants droit) possèdent généralement les droits d’auteur par dispositions testamentaires pour une période de 50 ans. En effet, après le 31 décembre de l’année marquant le 50 e anniversaire du décès de l’auteur, ces œuvres tombent dans le domaine public. Une œuvre tombée dans le domaine public est une œuvre sur laquelle ne subsiste aucun droit d’auteur. Elle est accessible à tous et peut être empruntée par quiconque. Précisons que la durée du droit d’auteur n’est pas la même dans tous les pays. La règle qui prévaut au Canada, à titre de signataire de la Convention de Berne, est celle du traitement national. Si l’exploitation est prévue pour le territoire canadien exclusivement, la durée du droit d’auteur prévue à la Loi est applicable. Par contre, si l’exploitation prévue doit dépasser les frontières du Canada, il faut tenir compte de la durée du droit d’auteur statuée par la loi du pays où l’œuvre sera publiée. Par exemple, au Canada, les œuvres françaises sont protégées selon les mêmes termes que les œuvres canadiennes et peuvent recourir à la Loi en cas de problème. En France, les œuvres étrangères sont protégées par le Code de propriété intellectuelle. Donc, les œuvres canadiennes sont protégées sur les territoires des pays membres de cette convention sous les conditions offertes par ces pays à leurs auteurs.

9.5

DROITS MORAUX La Loi prévoit, en faveur des auteurs d’œuvres protégées, des droits moraux. Ces droits sont circonscrits ainsi : le droit à la paternité de l’œuvre, soit celui de revendiquer la qualité d’auteur sous son propre nom ou sous un pseudonyme (ce qui inclut le droit à l’anonymat) , et le droit au respect de l’intégrité de l’œuvre. Les droits moraux sont incessibles, il est possible d’y renoncer par contrat. Ils subsistent pour une durée égale à celle du droit d’auteur sur les œuvres. Il convient de noter que la cession du droit d’auteur n’implique pas la renonciation automatique aux droits moraux. Lorsqu’une personne achète l’original d’une œuvre ou obtient une licence relativement à un quelconque droit relatif à cette œuvre, cela ne lui donne pas le droit de transformer cette œuvre comme il l’entend, à moins qu’il y ait renonciation aux droits moraux de la part de l’illustrateur.

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CHAPITR E 9

L’illustrateur a droit au respect de l’intégrité de son œuvre. Selon la Loi, il n’y aurait violation de ce droit que si l’œuvre est, d’une manière préjudiciable à l’honneur ou à la réputation de l’auteur, déformée, mutilée ou autrement modifiée ou utilisée en liaison avec un produit, une cause, un service ou une institution. Il revient donc à l’auteur de prouver l’existence d’un tel préjudice, à moins qu’il ne s’agisse d’une modification d’œuvres de peinture, sculpture ou gravure. En effet, la Loi fait une exception à l’égard de ces œuvres, pour lesquelles toute déformation, mutilation ou autre modification est réputée préjudiciable à l’honneur ou à la réputation de l’auteur. L’illustrateur a donc le droit de signer son œuvre, sauf dans le cas où il y a une renonciation écrite, par celui-ci, à son « droit moral » de revendiquer la « paternité de l’œuvre » ou si cela n’est pas dans les usages raisonnables.

9.6

ASPECTS CONTRACTUELS La Loi prévoit que toute cession totale ou partielle du droit d’auteur ou d’un intérêt dans la propriété de ce droit doit être faite par le biais d’un écrit signé par le titulaire du droit. En d’autres termes, une cession ou transfert d’un tel actif ne saurait

résulter d’une convention verbale. De plus, la Loi sur le statut professionnel des artistes des arts visuels, des métiers d’art et de la littérature et sur leurs contrats avec les diffuseurs, L.R.Q. c. S.32.01 prévoit des mentions obligatoires aux contrats avec les diffuseurs. Advenant qu’une commande ait été passée, que le travail ait été exécuté et que l’œuvre soit publiée contre rémunération, mais que rien n’ait été signé à cet effet, il faut alors examiner la vocation ou le but de la commande afin de savoir quels sont les droits de l’illustrateur sur son œuvre. Par exemple, si un client commande une illustration pour l’utiliser dans la publicité de produits de confiserie et informe l’illustrateur de cette vocation au moment de la commande, le client pourra, moyennant parfait paiement du prix convenu, selon une certaine jurisprudence, faire usage de l’œuvre aux fins précitées. Il résulterait de l’exécution de la commande et de ce paiement une permission ou licence implicite d’utilisation, dont la portée serait toutefois limitée à la publicité de ces produits, pour la durée et le territoire prévus au bordereau de commande. Le client ne détiendrait toutefois aucun droit d’auteur sur l’œuvre. Il ne saurait revendiquer qu’une simple permission d’utiliser l’œuvre aux fins convenues. Si l’illustrateur a vendu l’œuvre artistique et qu’il n’a rien signé relativement aux droits, l’illustrateur demeure propriétaire des droits d’auteur sur son œuvre. Même s’il n’est plus propriétaire de l’œuvre elle-même, il conserve tous les droits d’exploitation qui y sont rattachés. Il peut avoir conservé un fac-similé quelconque ou un deuxième original, et l’illustrateur est la seule personne habilitée à publier l’œuvre ou à permettre à quelqu’un d’autre de le faire. Ce principe ne vaut toutefois que si la commande ne contient aucune disposition à l’effet contraire. Si, par écrit, l’illustrateur cède le droit de reproduction d’une de ses œuvres, il est fortement conseillé d’inscrire qu’il demeure propriétaire de l’original. Il convient de rappeler que « la vente du support matériel de l’œuvre n’entraîne pas la vente des droits de reproduction », et inversement : « la vente des droits de reproduction n’entraîne pas la vente du support matériel de l’œuvre ». Le simple bon sens dicterait donc qu’à partir du moment où l’on a vendu les droits de reproduction d’une œuvre par un contrat écrit dans lequel ne figure aucune mention de la vente de l’original, celle-ci n’est pas incluse dans la transaction. Les contrats de licence prévoient le plus souvent l’exclusivité ou non. Par une licence non exclusive de reproduction sur une de ses œuvres, l’illustrateur accorde l’autorisation de reproduire l’œuvre en conservant par ailleurs le

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LE DROIT D’AUTEUR

droit d’utiliser ladite œuvre de quelque manière que ce soit et d’autoriser quelqu’un d’autre à le faire. Parmi les actes réservés au titulaire des droits, on retrouve l’autorisation de reproduire et celle de publier. Il s’agit bien sûr des plus fréquentes et déterminantes pour les illustrateurs. Il est possible qu’une personne ayant procédé à la reproduction de l’œuvre n’ait pas procédé à l’édition d’exemplaires rendus accessibles au public. Par contre, généralement et selon les usages de la profession, reproduction et publication vont de pair. Enfin, il importe de conférer à chaque forme de reproduction une licence distincte, selon des conditions à négocier dans chaque cas (caractère exclusif ou non exclusif de la licence, format, tirage, territoire, durée, sans que cette énumération soit limitative). L’autorisation de représenter publiquement l’œuvre est aussi un droit exclusif de l’auteur. À moins d’exception, personne ne peut, sans son consentement, représenter publiquement l’œuvre d’un auteur. Au même titre, pour produire une adaptation cinématographique ou audiovisuelle d’une œuvre, il faut l’autorisation expresse. Par exemple, on pense ici au producteur qui désire qu’un personnage de bande-dessinée soit incarné à l’écran par un personnage réel. Chacune de ces autorisations incarne autant de possibilités de revenus pour le créateur, et ce, sur la base d’une seule œuvre. Elles doivent par contre toujours faire l’objet d’un contrat écrit, précisant clairement les droits accordés et les restrictions applicables. L’usage contractuel diffère quelque peu dans chaque domaine d’exploitation des œuvres. Par exemple, lors d’un contrat dans un magazine, l’autorisation est généralement pour un premier tirage, à condition que cette publication s’effectue dans des délais précis. Prenons un exemple contractuel concret, qui montrera bien les différents éléments à considérer. Un contractant veut de l’illustrateur une cession de tous les droits de reproduction sur une de ses œuvres. Considérant que chacune des exploitations est une source de revenus en soi, si l’illustrateur cède ses droits sur l’œuvre en totalité, toutes les formes d’exploitations sont comprises dans la cession (et dans sa contrepartie financière). Si l’illustrateur cède en partie, uniquement pour un ou plusieurs supports précis, la cession du droit ne portera alors que sur les exploitations mentionnées, par exemple la reproduction dans des livres, des cartes postales et des affiches. Admettons, aux fins de l’exemple, que l’illustrateur ait cédé les droits de reproduction en totalité. Il peut les avoir cédés de manière générale, c’est-à-dire pour tout territoire (Canada et étranger), ou avec des restrictions

territoriales (Canada seulement). À cela s’ajoute le paramètre de la durée. Si nous reprenons l’exemple précédent, l’entente doit donc spécifier quelle redevance recevra l’artiste pour chacune des exploitations prévues dans le contrat. Généralement, cette part se concrétise sous la forme d’un pourcentage prélevé sur les ventes d’exemplaires chaque fois que l’œuvre est reproduite. Le contrat détaillé d’exploitation des droits devient alors un avantage qui peut s’avérer considérable pour l’artiste, car si l’œuvre est exploitée d’une façon régulière et suivant une bonne gestion, l’auteur peut toucher des redevances de droits d’auteur. En l’absence d’une clause contraire au contrat qui stipule que le droit visé est réputé incessible par cette personne, le contrat et les avantages qu’il procure peuvent être cédés à un tiers. Finalement, il importe de prévoir au contrat de licence ou de cession que le défaut par le cessionnaire de respecter ses obligations de paiement est réputé entraîner la résiliation du contrat et, par la même occasion, la rétrocession à l’auteur des droits cédés, à moins que le cessionnaire n’ait corrigé son défaut dans les 15 jours de la réception d’une demande écrite à cet effet.

9.7

VIOLATIONS DU DROIT D’AUTEUR Il existe un régime d’enregistrement volontaire à l’Office de la propriété intellectuelle. On remet un certificat au titulaire qui prouve que l’œuvre inscrite est protégée par un droit d’auteur. Ce document peut être d’une certaine utilité en cour pour servir de preuve advenant un litige. Cependant, il ne fait pas état de l’œuvre ni de son expression. En cas de violation du droit d’auteur, la responsabilité d’engager des poursuites et d’assurer la défense n’incombe qu’au titulaire ou aux ayants droit, et non pas à l’Office de la propriété intellectuelle, même si l’œuvre est enregistrée. Lorsqu’une personne accomplit, sans le consentement du titulaire du droit d’auteur, un acte que seul le titulaire du droit d’auteur a la faculté d’accomplir en vertu de la Loi (comme la reproduction complète d’une œuvre, par exemple), cela constitue une violation du droit d’auteur. Les conséquences d’une telle violation sont sérieuses. En cas de violation du droit d’auteur, il y a possibilité de poursuivre devant les tribunaux civils (donc, entre personnes) ou d’effectuer une plainte qui peut se solder en accusations criminelles.

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CHAPITR E 9

9.8

ADRESSES UTILES access copyright Access Copyright représente des auteurs, éditeurs et autres créateurs aux fins de l’administration des droits d’auteur dans toutes les provinces canadiennes, sauf au Québec. Cette société de perception vise à faciliter l’accès à des documents visés par des droits d’auteur, en négociant l’émission de licences générales à des groupes d’usagers tels les écoles, les collèges, les universités, les administrations publiques et les entreprises, les autorisant à faire des copies des œuvres publiées inscrites dans son répertoire. 1 800 893-5777 www.accesscopyright.ca

société québécoise de gestion collective des droits de reproduction (COPIBEC) La Société québécoise de gestion collective des droits de reproduction (COPIBEC) est la société de gestion collective qui autorise, au Québec, la reproduction des œuvres des titulaires de droits québécois, canadiens (grâce à une entente de réciprocité avec Access Copyright, The Canadian Copyright Licensing Agency) et étrangers. COPIBEC a été fondée en 1997 par l’Union des écrivaines et écrivains québécois (UNEQ) et l’Association nationale des éditeurs de livres (ANEL). 514-288-1664 1 800 717-2022 www.copibec.qc.ca

section du site sur la modernisation sur le droit d’auteur : www.copibec.qc.ca/fr-CA/accueil/loi/modernisationdelaloisurledroitdauteur.aspx

société du droit de reproduction des auteurs, compositeurs et éditeurs au Canada (SODRAC) Le service des arts visuels et métiers d’art de la Société du droit de reproduction des auteurs, compositeurs et éditeurs au Canada (SODRAC) gère les droits de plus de 17 000 créateurs canadiens et étrangers. La SODRAC négocie en leur nom les conditions d’utilisation de leurs œuvres aux fins prévues par la Loi sur le droit d’auteur et accorde des licences permettant notamment l’exposition publique, la communication au public par télécommunication et la reproduction de leurs œuvres sur tout support, y compris les productions audiovisuelles et multimédia. Elle perçoit et répartit les sommes perçues (redevances) en contrepartie des droits d’utilisation accordés. 1 888 876-3722 www.sodrac.ca

commission du droit de prêt public (DPP) La Commission du droit de prêt public administre un programme de paiements aux auteurs canadiens pour leurs livres admissibles catalogués par les bibliothèques du Canada. Elle est composée d’auteurs, d’illustrateurs, de traducteurs et de photographes. 1 800 521-5721 www.plr-dpp.ca

commission du droit d’auteur du Canada 613-952-8621

www.cb-cda.gc.ca

office de la propriété intellectuelle du canada 1 866 997-1936

www.opic.gc.ca

canadian artists’ representation copyright collective (CARCC)

organisation mondiale de la propriété intellectuelle

La Canadian Artists’ Representation Copyright Collective (CARCC) a été créée en 1990 par Le Front des artistes canadiens (CARFAC) afin d’offrir aux artistes en arts visuels et en communication des occasions d’accroître leurs revenus. Elle offre ses services aux artistes qui s’affilient à sa société. Ces services incluent la négociation des modalités pour l’utilisation d’œuvres protégées et l’émission de licences aux utilisateurs. 613-232-3818 www.carcc.ca

41-22 338 9111 www.wipo.int/portal/index.html.fr

loi sur le droit d’auteur lois-laws.justice.gc.ca/fra/lois/c-42/

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LE DROIT D’AUTEUR

graphic artists guild (GUILD) La GUILD est une union américaine d’artistes professionnels dont le but commun est de partager leur expérience, de rehausser les standards de l’industrie et d’améliorer les habiletés des créateurs visuels à faire une carrière prometteuse. Les membres de la GUILD sont issus de diverses disciplines telles que l’illustration, le design graphique, la photographie, la bande dessinée, le multimédia, la création Web et autres disciplines connexes. 212-791-3400 www.graphicartistsguild.org

l’association canadienne des créateurs professionnels de l’image (CAPIC) Fondée en 1978, la CAPIC est dédiée à a défense et à la promotion des droits et intérêts des photographes, des illustrateurs et des artistes numériques.

série vidéo de la CAPIC sur la loi C-11 www.capicmontreal.ca/droit-dauteur 1 888 252-2742 www.capic.org

regroupement des artistes en arts visuels du Québec (RAAV) Fondé en 1989, le Regroupement des artistes en arts visuels du Québec, le RAAV, est l’association mandatée pour représenter l’ensemble des artistes professionnels ayant une démarche de création en arts visuels. 514-866-7101 www.raav.org

front des artistes canadiens (CARFAC) Association à but non lucratif qui a pour mandat de promouvoir les arts visuels au Canada et d’encourager un climat socioéconomique propice à la production d’œuvres d’art, ainsi que de mener des recherches et des projets éducatifs visant l’accomplissement de cette mission. 1 866 344-6161 www.carfac.ca

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les contrats

Isabelle Angell Beurk ! La paperasserie, les négociations et surtout, peut-on croire, le risque de perdre un client… Nous avons décidé de traiter de ce sujet sensible justement pour défaire certains mythes et pour vous donner les trucs nécessaires à l’élaboration de bonnes habitudes de travail…

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D’abord, sachez que toute clause insérée dans un contrat est négociable. Ne signez rien sans avoir préalablement lu l’entièreté du document ! Dites-vous bien que si l’on a pris la peine d’inclure une clause dans un contrat, elle mérite d’être lue et comprise par les deux parties signataires. Ce document que l’on appelle contrat vise à vous protéger. Souvenez-vous aussi qu’en étant travailleur autonome, vous êtes votre propre patron. Le client n’est pas votre supérieur hiérarchique, il est votre égal et le contrat peut (et idéalement devrait) contenir autant de responsabilités pour vous que pour lui. Pour éviter les malentendus et les négociations infinies, assurez-vous toutefois d’engager les pourparlers avec la personne habilitée à négocier. Dans les grandes entreprises, la personne détentrice de la force décisionnelle ne sera pas toujours disponible pour discuter avec vous ; toutefois, si possible, vous devrez vous adresser à elle directement (Nadeau, 2007). D’ailleurs, formulez toujours vos demandes clairement. Même si vous savez que le client ne pourra pas acquiescer à vos demandes, demandez tout de même ! Qui ne demande rien n’a rien… Dites-vous aussi que votre intuition est un outil très utile. Si vous sentez qu’un client n’a pas l’air fiable, il ne l’est probablement pas. De plus, les flatteries sur votre talent ou votre manière de négocier ne remplaceront jamais un contrat bien construit avec des clauses solides. Certains clients penseront peutêtre vous distraire avec de beaux commentaires (Nadeau, 2007)… Restez attentif et concentré ! Si vous vous opposez à une certaine résistance, donnez toujours des explications claires et précises pour justifier votre réticence. Il ne sert à rien de déguiser votre refus. Dans le cas où les clients auraient la possibilité de négocier avec vous, il leur faudra de bonnes pistes ; leur fournir des excuses bidon ne vous servira pas ! Dans un prochain chapitre, vous obtiendrez plus de détails et d’astuces quant à la négociation en bonne et due forme. Ici, il est plutôt question de la structure et du contenu d’un contrat. Ce bout de papier est essentiel au succès de votre carrière. Benun et Top insistent même en proposant de ne jamais commencer à travailler sur une commande avant d’avoir en main une copie du contrat signée par votre client. En effet, vos relations avec vos clients peuvent être amicales et de longue durée, mais

nul ne sait ce qui peut arriver. Les malentendus et les changements d’avis font partie de ce monde et les affaires bougent, les compagnies se vendent, les gens démissionnent… Il n’en tient qu’à vous de vous protéger ! Il existe deux formes d’entente ayant une valeur légale. En effet, contrairement à ce que l’on pourrait croire, l’entente verbale a valeur légale ! Jean-Benoît Nadeau, dans Le Guide du travailleur autonome, explique qu’il s’agit d’une forme plus flexible que sa version écrite. Si la valeur de l’entente est inférieure à 1 500 $, vous n’avez qu’à l’avoir conclue devant témoin pour la valider. Toutefois, dès que la valeur de l’entente dépasse ce montant, vous devrez fournir des preuves écrites (factures, bons de commande, courriel, etc.) pour qu’elle soit valide devant la loi advenant un litige. L’entente verbale fait partie d’une longue liste de comportements confirmant une relation contractuelle entre deux parties. Toutefois, advenant que vous meniez un projet à terme sans posséder de copie écrite de votre contrat, il vous sera utile d’avoir gardé les courriels échangés avec votre client. Voilà pourquoi nous vous conseillons d’envoyer à votre client des comptes rendus des conversations que vous aurez eues ensemble, en y énonçant clairement les termes du contrat sur lequel vous travaillez. Ayez le réflexe courriel après chaque conversation téléphonique. Prenez le temps de résumer les points importants de votre conversation dans un courriel que vous demanderez à votre client de valider, de confirmer. Cette technique vous permettra de garder une trace écrite de tous les échanges, tout en servant de référence advenant une mésentente. Il vous est même possible de demander aux clients de vous retourner une copie signée de ces comptes rendus. Notez quand même qu’un contrat écrit a préséance sur toute entente verbale et qu’il est souvent plus facile de clarifier certains détails en rédigeant un contrat clair et précis. Le contrat écrit est, bien entendu, la deuxième forme d’entente ayant valeur légale. Plusieurs détails font de cette entente officielle la solution la moins ambigüe. D’abord, si la personne avec qui vous aurez convenu des clauses et signé le contrat dans une entreprise particulière démissionne ou est mise à pied, son successeur est lié à vous de la même manière, selon les mêmes clauses. Certaines compagnies et entreprises

124

LES CONTRATS

possèdent déjà des contrats standards qu’elles utilisent avec tous leurs contractants. Si jamais un de ces contrats vous est proposé et qu’il contient une clause que vous ne désirez pas reconnaître, vous pouvez tout simplement la raturer et parafer vos ratures. Attention, l’autre partie devra aussi parapher vos ratures pour qu’elles soient valides… Pour éviter les malentendus, nous vous suggérons fortement d’opter pour les contrats écrits. Ceux-ci devraient idéalement être rédigés pour toute vente d’illustration (original), commande d’illustration, reproduction, diffusion ou exposition. Toutefois, entendons-nous : il n’est pas nécessaire d’écrire trois contrats différents pour la même illustration que le client voudra commander, acheter et finalement publier. Vous pourrez inclure toutes ces transactions dans un seul et même contrat écrit. N’oubliez pas de vous protéger en rajoutant des clauses particulières, soit pour souligner que vous conservez les droits d’auteur sur votre illustration ou pour limiter dans le temps le droit de diffusion de votre œuvre. Le contrat devra toujours être signé par le client et vous-même et chaque partie devra posséder une copie de l’entente. D’ailleurs, la responsabilité des deux parties contractantes n’est engagée que lorsque ces dernières possèdent leur copie respective signée. De plus, advenant qu’un client avec qui vous avez signé un contrat fasse faillite ou soit l’objet d’une ordonnance de séquestre, votre contrat est systématiquement résilié. Autre information intéressante : pour chaque contrat signé, le diffuseur (votre client) doit posséder des livres de compte contenant toutes les transactions financières relatives à ce contrat. L’artiste (vous) peut aussi, après avoir avisé son client par écrit, faire examiner les données comptables par un expert de son choix. Il serait donc utile de prévoir au contrat une telle clause, et une autre spécifiant que le contrat est réputé prendre fin de plein droit dans le cas de faillite, de liquidation, de fermeture ou de cessation des opérations de l’entreprise de votre client, entraînant par le fait même la rétrocession des droits consentis par vous sur les œuvres visées au contrat.

l’une ou de plusieurs des parties contractantes. Le contrat prime habituellement sur la loi.

de quoi se compose un contrat ? Sans entrer dans une définition juridique, nous retiendrons deux idées fondamentales :

L’objet du contrat (par exemple : l’autorisation de reproduire l’œuvre dans un contexte donné, la cession de droits ou la vente de l’œuvre originale).

Les conditions, qui sont les limites d’utilisation de l’œuvre.

voici les informations qu’il faut y inclure : D  ATE NOM DE L’AUTEUR (vous) NOM DE L’UTILISATEUR (le client) N OM B R E D’Œ UVR ES / TITR E(S) OU / ET DESCRIPTION DES ŒUVRES OBJET DU CONTRAT L ICENCE DE DROITS ET CONDITIONS : LIMITES D’UTILISATION (TIRAGE, LANGUES, TE R R ITOI R E, DU RÉE, FOR MAT, MÉDIA, MARCHÉ, ETC.) PRIX ET MODALITÉS DROIT D’EXAMEN COMPTABLE R ÉSI LIATION E N CAS DE FAI LLITE, DE  LIQU I DATION, DE FE R M ETU R E OU DE C E S S AT I O N D E S O P É R AT I O N S D E L’UTILISATEUR, ENTRAÎNANT PAR LE FAIT MÊME LA RÉTROCESSION À L’AUTEUR DES DROITS CONSENTIS AU CONTRAT J URIDICTION D’APPLICATION DU CONTRAT SIGNATURES

est-ce qu’une simple facture peut être un contrat ? Si la facture contient les conditions clairement énoncées de l’utilisation de l’œuvre, oui. Tout type de document peut servir de contrat dans la mesure où il sert de preuve écrite concernant la relation contractuelle entre deux parties. Il doit cependant énoncer le plus clairement possible les conditions qui régiront l’exécution de l’acte visé par l’entente.

10.1

KONTRA ? COMMENT ÇA S’ÉCRIT ? qu’est-ce qu’un contrat ? Le contrat est un accord de volonté destiné à créer une ou plusieurs obligations à la charge de

10.2

ET LES CLAUSES, ELLES SERVENT À QUOI ? Avant même que l’artiste n’entreprenne quoi que ce soit concernant une commande donnée, les conditions de l’entente doivent absolument

125

CHAPITR E 10

être écrites sur un bon de commande ou, pour les projets de plus grande envergure, dans un contrat en bonne et due forme. Une simple facture ne témoigne des arrangements convenus que si elle est signée par la personne en charge du dossier, et comme elle n’est présentée généralement qu’en fin de projet, l’artiste qui se fie uniquement sur ce document court un certain risque entièrement évitable. Le bon de commande a la même valeur légale que le contrat, à ceci près que le contrat engage les deux parties plutôt qu’une seule dans le cas du bon de commande, en l’occurrence, l’entreprise (le client). Si les droits réclamés portent uniquement sur la réutilisation d’une œuvre, une formule de licence suffit généralement. Illustration Québec offre à ses membres des exemples de contrat-type et de facture qui s’adaptent à toutes les situations. L’illustrateur qui préfère créer son propre document devra par contre prévoir un espace pour les éléments suivants : 1. Le nom de la personne responsable du projet ;

Par ailleurs, les détails suivants devraient également figurer dans le contrat le cas échéant ; c’est d’ailleurs ce que l’on appelle « les clauses » (celles-ci figurent généralement à l’endos du contrat ou tout simplement en annexe au document) :

garanties : L’entreprise garantit qu’elle détient l’autorisation d’utiliser le matériel qu’elle fournit à l’artiste pour exécuter le contrat. L’entreprise prendra fait et cause pour l’artiste et l’indemnisera de toute réclamation quant à une prétendue violation du droit d’auteur sur ce matériel.

délai : Toute augmentation de travail attribuable à un délai provoqué par l’entreprise pourra être facturée par l’artiste à un taux qu’il aura préalablement négocié (Si vous ajoutez cette clause à votre contrat, vous devrez fixer ce taux à l’avance et le mentionner ici).

2. Le nom de l’entreprise avec qui il fait affaire ;

entrée en vigueur :

3. Le nom de la compagnie qui bénéficiera du produit créé ;

La licence sera valide uniquement lorsque la totalité de la rémunération aura été versée à l’artiste.

4. Le numéro de la commande (facultatif) ; 5. La description des œuvres et l’utilisation prévue de chacune ; le sujet de l’illustration ; noir et blanc ou couleur ; l’emplacement de la reproduction ; les supports de reproduction ; le tirage maximum pour lequel les droits sont cédés ; la date d’entrée en vigueur et la durée de la licence ;

6. La date d’approbation des esquisses ;

annulation de la commande : L’entreprise peut annuler la commande en remettant à l’artiste un avis écrit à cet effet, par courrier recommandé. En plus du remboursement de toutes les dépenses engagées par l’artiste, l’entreprise devra verser à l’artiste une indemnité équivalente à (ces tarifs ne sont qu’une suggestion) :

33 % (1 / 3) du prix du contrat, si l’annulation a

7. La date de livraison de l’illustration ;

lieu avant la présentation de l’esquisse ;

8. La licence (description des utilisations permises) et les conditions d’exercice (territoire, média, format, marché, langue, durée, etc.) ;

66 % (2 / 3) du prix du contrat, si l’annulation a

9. Le coût de la licence (utilisation) et, si elle est consentie moyennant paiement de redevances, les modalités de paiement de celles-ci (relevés mensuels, trimestriels, semestriels ou annuels, dates de paiement et droit d’examen des livres du licencié se rapportant aux utilisations visées) ;

de la livraison de l’œuvre.

10. Résiliation du contrat et rétrocession des droits consentis en cas de faillite, de liquidation, de fermeture ou de cessation des opérations du licencié ; 11. Les honoraires de l’artiste (réalisation) ; 12. Le coût total des dépenses admissibles ;

lieu après la présentation de l’esquisse ;

100 % du prix du contrat si l’annulation a lieu lors Cette démarche entraîne aussitôt l’annulation de la licence.

corrections : Toute correction, transformation ou adaptation des œuvres est interdite en l’absence du consentement écrit de l’artiste. Les modifications commandées à l’artiste après l’approbation de l’esquisse devront faire l’objet d’un nouveau contrat.

13. La valeur de l’original (qu’il soit vendu ou non) ;

refus :

14. La date de paiement et les modalités de paiement des honoraires visés au point 11 ;

L’entreprise ne peut refuser l’œuvre que si celle-ci ne correspond pas à l’accord convenu entre les parties. Toute autre forme de rejet sera considérée comme une annulation du contrat et entraînera le paiement des indemnités appropriées.

15. La date de la signature ; 16. La signature de l’artiste et de la personne responsable du projet.

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LES CONTRATS

publication : L’entreprise s’engage à publier l’œuvre avant un délai précis (que vous devrez préciser ici). Advenant le défaut de publier dans un délai de six mois suivant la remise des œuvres, l’artiste pourra annuler le présent contrat conformément aux dispositions stipulées ci-dessus.

nom de l’artiste : L’entreprise s’engage à mentionner le nom de l’artiste sur chacune des reproductions de l’ouvrage.

exemplaires de l’artiste : L’entreprise remettra gratuitement à l’artiste un nombre prédéterminé (que vous devez préciser ici) d’exemplaires de chacune des reproductions autorisées.

propriété de l’œuvre originale : L’œuvre originale demeure la propriété de l’artiste et lui sera retournée au plus tard dans les 30 jours suivant la reproduction. (Évidemment, si le contrat concerne la vente d’un original, cette clause n’a pas lieu d’être) (inclure cette clause dans le cas où vous devez remettre votre original à des fins de numérisation).

perte ou dommage : L’entreprise est responsable de toute perte de l’œuvre ou de tout dommage causé à l’œuvre originale pendant la période de consignation.

transfert de droits : La présente licence n’est transférable à des tiers qu’avec le consentement écrit de l’artiste.

résiliation : Toute réclamation quant à la violation des présentes dispositions par l’entreprise doit être envoyée par l’artiste en courrier recommandé. Si aucune mesure pour remédier à la situation n’a été apportée dans les dix jours qui suivent la réception de l’avis, l’artiste peut résilier le contrat sur simple avis envoyé à l’entreprise, sans renoncer aux recours auxquels il a droit.

faillite : La faillite de l’entreprise ainsi que toute autre modification de sa situation qui l’empêcherait d’exploiter elle-même le présent contrat (telle que le concordat, la cession de fonds de commerce, la dissolution ou la mise en tutelle) entraînera la résiliation dudit contrat et, par le fait même, la rétrocession à l’artiste de tous les droits consentis au contrat.

lois applicables : Le présent contrat sera régi et interprété conformément aux lois de la province de Québec.

Un espace additionnel peut être réservé à des clauses particulières, telles la liste du matériel qui doit être fourni par l’entreprise, l’échéancier correspondant à chacune des étapes, les clauses relatives à l’application des taxes et la clause de règlement de conflit par des intermédiaires. Pour des raisons administratives, certaines entreprises insistent pour que l’on utilise leur bon de commande. Attention : ce formulaire comporte souvent des mentions qui réduisent les engagements de l’entreprise, aussi est-il crucial de considérer l’offre avec prudence. Personne ne devrait accepter un bon de commande ou un contrat qui entre en conflit avec ses principes. Par définition, une entente entre partenaires se doit d’être mutuelle ; si leur alliance est scellée au moyen d’une procédure qui ne convient pas à l’une des parties, la relation qui s’ensuivra augure fort mal. Toutes les clauses inacceptables doivent être rayées sans vergogne. Si certains points nécessitent des éclaircissements, on ne doit pas hésiter à emporter un exemplaire du document non rempli et s’accorder un temps de réflexion suffisant avant d’apposer sa signature. Les bureaux spécialisés dans la défense des droits artistiques peuvent se révéler d’un grand secours si l’on désire obtenir plus d’explications ou donner du poids à ses réclamations. Si le bon de commande ne comporte aucune clause infirmant les intérêts de l’artiste, on peut prendre le temps d’y inscrire tout ce que l’on juge digne d’intérêt. Une variante consiste à indiquer que l’entente est soumise aux conditions énumérées en annexe ; il suffit alors d’y agrafer une copie du contrat fourni par Illustration Québec, dûment signé par la personne responsable. Pour éviter tout malentendu, il importe enfin de préciser que ce sont les droits d’utilisation d’une illustration qui ont été cédés, sinon, la mention « une ILLUSTRATION : 500 $ » pourrait facilement être comprise comme le prix de l’œuvre originale, tous droits inclus.

10.3

ON PEUT VOIR DE QUOI ÇA A L’AIR, UN BON CONTRAT ? Au Québec, depuis le 1er avril 1989, la Loi sur le statut professionnel des artistes des arts visuels, des métiers d’art et de la littérature et sur leurs contrats avec les diffuseurs oblige les diffuseurs à sceller leur entente avec les artistes par contrat, que ceux-ci satisfassent aux conditions régissant le statut de « professionnel » au sens de la Loi ou

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CHAPITR E 10

licence octroyée (voir le paragraphe 2 et la clause 10 du contrat) en plus de toute cession du droit de propriété ou d’utilisation de l’œuvre (voir le paragraphe 3 et les clauses 14 et 16 du contrat) ; 4° Le caractère transférable ou non transférable à des tiers de toute licence octroyée au diffuseur (voir la clause 11 du contrat) ; 5° La contrepartie monétaire due à l’artiste ainsi que les délais et autres modalités de paiement (voir le paragraphe 4 et les clauses 1 à 3 du contrat) ; 6° La périodicité selon laquelle le diffuseur rend compte à l’artiste des opérations relatives à toute œuvre visée par le contrat et à l’égard de laquelle une contrepartie monétaire demeure due après la signature du contrat (s’applique surtout dans le domaine de l’édition).

non. L’article 33 de la Loi est très précis sur le sujet et prévoit même une mention particulière : « Toute entente entre un diffuseur et un artiste relativement à une œuvre de ce dernier doit être énoncée dans un contrat formé et prenant effet conformément à l’article 31 et comportant des stipulations sur les objets qui doivent être identifiés en vertu de l’article 31 » (L.R.Q., chapitre S-32.01). Voici le lien pour découvrir la loi : www2.publicationsduquebec.gouv.qc.ca/ dynamicSearch/telecharge.php?type=2&file=/S_32_01/S32_01.HTM Après la présente section, vous trouverez un exemple de contrat à remplir, suivi des clauses, conditions et paragraphes que nous avons jugé pertinent de vous fournir en annexe. Voici donc une revue détaillée des différentes sections du contrat idéal. L’article 31 de la Loi citée ci-dessus explique ce qui doit être inclus dans le contrat. L’article se lit comme suit : (les ajouts en italique sont de nous, ils visent à vous guider et vous référer aux conditions, paragraphes ou clauses de notre exemple de contrat qui suivent cette section).

article 31 : Le contrat doit constater par un écrit rédigé en double exemplaire ET énonçant clairement : 1° La nature du contrat (l’objet, la finalité – voir le titre du contrat) ; 2° L’œuvre ou l’ensemble d’œuvres qui en font l’objet (le(s) titre(s) ou une courte description – voir le paragraphe 1) ; 3° Toute cession de droit (droit d’auteur – voir la clause 8 du contrat) et tout octroi de licence consenti par l’artiste, soit les fins, la durée ou le mode de détermination de la durée et l’étendue territoriale pour lesquels le droit est cédé et la

Le contrat suivant a été rédigé de manière à protéger l’artiste le plus possible des abus commis par certains diffuseurs qui, entre autres, continuent à croire que l’achat d’une œuvre par voie de bon de commande leur octroie automatiquement tous les droits d’utilisation et de disposition de l’œuvre. Nous croyons que tout diffuseur le moindrement respectueux de l’artiste et de ses droits ne peut qu’être d’accord avec un tel document. Par contre, il est évident que le fait de devoir contracter n’est pas une habitude acquise et que vous vous heurterez à des réticences de la part de certains de vos clients, surtout dans les grandes entreprises, où le pouvoir décisionnel est fragmenté. Il ne faut pas chercher à imposer à tout prix ce contrat-type, mais plutôt faire comprendre au diffuseur que sans entente écrite, il n’a aucun droit d’utiliser votre œuvre et que vous-même n’êtes pas obligé de produire quoi que ce soit... Certains diffuseurs désireront utiliser leur propre contrat. Prenez alors le temps de le lire et de le comprendre en entier avant de le signer et assurez-vous qu’il est conforme à l’article 31 de la Loi. Notez bien que le bon de commande ne peut pas être aussi efficace et clair qu’un contrat en bonne et due forme et qu’il n’est destiné qu’à l’usage du service de comptabilité du diffuseur. D’une manière ou d’une autre, il est important de garder une certaine flexibilité lors des négociations de façon à ce que les deux parties obtiennent satisfaction. À cet effet, il ne faut pas craindre de modifier ce contrat-type en rayant (avec prudence) certaines mentions ou en en ajoutant d’autres. N’oubliez pas que dans ces cas, vous devrez parapher et demander à votre client de parapher également tous les changements effectués. Examinons maintenant le contrat-type. Nous tenterons de vous donner le plus de détails possible pour que vous puissiez le remplir correctement.

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LES CONTRATS

CONTRAT DE COMMANDE D’UNE OEUVRE ET LICENCE 1. IDENTIFICATION DES PARTIES Le client---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------L’artise-----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------Signataire mandaté------------------------------------------------------------------------------------------------------------------

2. DESCRIPTION DE(S) L’OEUVRE(S) OU DU TRAVAIL À ÊTRE EFFECTUÉ PAR L’ARTISTE -------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------

3. UTILISATION DE(S) L’OEUVRE(S) Bénéficiaire : la présente licence sera utlisée au bénéfice de-------------------------------------------------------Support(s) de production :-------------------------------------------------------------------------------------------------------Quantités :------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------[...] Territoire de diffusion : -------------------------------------------------------------------------------------------------------------Durée de l’utilisation :----------------------------------------------------------------------------------------------------------------

4. PROPRIÉTÉ DE(S) L’OEUVRE(S) L’oeuvre ou les oeuvres objet(s) du présent contrat seront la propriété de :-----------------------------------

5. PRIX ET MODALITÉS DE PAIEMENT Numéro du bon de commande :------------------------------------------------------------------------------------------------Frais de production :--------------------------------------------------------------------------------------------------------------  $ Vente de l’original :----------------------------------------------------------------------------------------------------------------  $ Coût de la licence (droit d’auteur en vertu de l’article art. 726.26 L.I. De la loi de l’impôt) :-----------  $ Tps (numéro d’enregistrement)-----------------------------------------------------------------------------------------------  $ Tvq (numéro d’enregistrement)-----------------------------------------------------------------------------------------------  $ TOTAL :--------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------   $ DÉPÔT :-------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------   $ SOLDE :--------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------$

6. DATE DE LIVRAISON Esquisse :-------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------Original :----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------

7. SIGNATURE DU CONTRAT Les conditions inscrites au verso de ce document font partie intégrante du présent contrat. Les parties déclarent qu’elles ont lu et compris ces conditions et s’engagent par les présentes à les respecter. Le client Signé à----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------Date --------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------L’artiste Signé à----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------Date---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------En deux exemplaires orignaux.

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CHAPITR E 10

CONDITIONS

1. Le solde du prix du présent contrat est payable dans les ( ) jours suivant la réception de la facture. Un intérêt composé mensuellement de deux pour cent (2 %) sera facturé pour tout retard. 2. Le Client est responsable du paiement total de la présente commande même si l’œuvre n’est pas diffusée. 3. Toute correction ou travail causé par l’Artiste sera assumé sans frais par ce dernier. Toute correction ou travail additionnel causé par le Client sera facturé en sus par l’Artiste.

9. Le Client s’engage à inscrire la mention suivante sur chaque exemplaire de l’œuvre reproduite : « © (nom de l’artiste) 20 (année de la reproduction) » et à remettre à l’artiste copie(s) de chaque forme de publication de l’œuvre. 10. À compter du plein paiement du prix contrat, l’Artiste accorde au Client une licence pour les utilisations décrites au paragraphe 2 (verso) du présent contrat. Toute autre utilisation de l’œuvre ou des œuvres objet(s) du présent contrat est interdite en l’absence de l’autorisation préalable et écrite de l’Artiste. 11. Cette licence ne peut en aucun cas être transférée ou cédée sans l’autorisation préalable et écrite de l’Artiste.

LIVRAISON

GARANTIES

4. Advenant l’incapacité de l’Artiste à se conformer à la date de livraison convenue, il en informera le Client dans les plus brefs délais. Le Client pourra alors accorder un délai de grâce à l’Artiste ou résilier unilatéralement le présent contrat, à la condition de prouver qu’il devient impossible d’utiliser l’œuvre à cause du retard de l’Artiste. 5. Le Client ou ses représentants sont responsables de la supervision et de l’approbation des différentes étapes de la production de l’œuvre. Tout délai d’approbation trop long entraînera une révision de la date de livraison. Aucune responsabilité ne sera assumée par l’Artiste dans le cas de supervision inadéquate et l’œuvre livrée devra être considérée acceptable telle quelle par le Client. 6. Le Client ne pourra refuser l’œuvre que si elle ne correspond pas à la description définie par les parties au paragraphe 1 (verso) du présent contrat. Toute autre forme de refus sera considérée comme une annulation de la commande. 7. En cas d’annulation de la commande, le Client s’engage à défrayer tous les frais de production. De plus, si l’annulation intervient une fois l’œuvre commencée, pour cent ( %) du prix total du contrat sera payé par le Client ; si l’annulation intervient une fois l’œuvre terminée le Client s’engage à payer la totalité (100 %) du prix du contrat.

12. Le Client garantit qu’il détient des droits requis aux fins d’utiliser toutes les références visuelles qu’il fournit à l’Artiste en vue de l’exécution et de l’éventuelle diffusion de l’œuvre. 13. Le Client s’engage à prendre fait et cause de l’Artiste dans l’éventualité de toute réclamation ayant trait au travail effectué en vertu du présent contrat et à indemniser l’Artiste pour tout préjudice subi relativement à celle-ci. 14. Dans le cas où l’œuvre demeure la propriété de l’Artiste, elle devra lui être retournée au plus tard ( ) jours suivant la première publication. Le Client est responsable de toute perte ou dommage cause à l’œuvre, du moment de sa réception jusqu’à son retour à l’Artiste. La responsabilité du Client est alors limitée au prix de l’œuvre. 15. L’Artiste s’engage à ne pas utiliser l’œuvre dans un but commercial ou publicitaire concurrentiel au Client. 16. Dans le cas où le Client ou toute autre personne devient propriétaire de l’œuvre, il ou elle s’engage à la garder en bonne condition et à en garantir l’accès à l’Artiste qui pourra l’emprunter pour des fins d’exposition, de photographie ou autre, sur demande écrite faite au moins trente (30) jours au préalable.

DROITS D’AUTEUR ET LICENCE

17. vérification des livres – Sur demande écrite et sur préavis d’au minimum 15 jours au Client, l’Artiste pourra, à ses frais, examiner ou faire examiner par une personne qu’il nommera, les livres comptables du Client en lien avec l’exploitation de l’Oeuvre. Il est entendu que telle vérification est faite

PRIX

8. Sous réserve de la licence prévue ci-après, l’Artiste conserve la propriété entière et exclusive de tous ses droits d’auteur sur l’œuvre ou les œuvres objet(s) du présent contrat.

AUTRES ARTICLES SPÉCIFIQUES AU DOMAINE DE L’ÉDITION

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LES CONTRATS

aux frais de l’Artiste à moins que ne soient décelées des erreurs comptables au désavantage de l’Artiste représentant plus de cinq pour cent (5 %) des sommes totales payées à l’Artiste en vertu du contrat, auquel cas ladite vérification sera faite aux frais du Client. 18. relevé de vente – tous les montants dus à l’Artiste seront accompagnés d’un relevé explicitant le calcul des redevances. Ainsi que les informations suivantes :  e nombre d’exemplaires vendus pour la L période visée ; Le nombre d’exemplaires en inventaire ; Le taux de la redevance payable par le Client ; Le prix de vente au détail hors taxe de chaque exemplaire vendu ; S’il y a lieu, les déductions applicables en vertu du présent contrat; L e montant des redevances dues pour la période visée.

LOIS APPLICABLES ET DÉCLARATION 19. Le présent contrat sera régi et interprété conformément aux lois applicables dans la province de Québec. En cas de contestation, les parties feront attribution de juridiction aux tribunaux compétents de la province de Québec. 20. Les parties déclarent que le présent document constitue l’intégralité de l’accord intervenu entre elles et qu’il ne pourra être modifié en l’absence d’un document écrit et signé par elles. 21. Le signataire pour le Client déclare être dûment mandaté par ce dernier aux fins de la négociation et signature du présent contrat.

initiales

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CHAPITR E 10

comment remplir le contrat

section 1 - l’identification des parties Dans cette section, écrire le nom corporatif ou la raison sociale de chacune des parties ou, à défaut, le nom des particuliers entre qui l’entente est conclue. Dans le cas d’une compagnie, il est important de savoir que c’est envers elle (la compagnie, la personne morale), et non envers le particulier avec qui vous signez l’entente que vous vous engagez. Vous devez donc vous assurer que cette personne a en effet le mandat ou le pouvoir de conclure cette entente avec vous (voir condition 19). En cas d’éventuel défaut, c’est la compagnie qui sera responsable. Dans le cas d’une société enregistrée (entreprise qui fonctionne uniquement avec une raison sociale), ce sera le ou les propriétaires(s) enregistré(s) qui seront personnellement responsables envers vous. Assurez-vous donc de signer le contrat avec une personne effectivement responsable et inscrivez lisiblement le nom de cette personne dans cette section, pour des fins de référence.

section 2 – description de l’œuvre / des œuvres ou du travail à être effectué par l’artiste Dans cette section, il est important de décrire l’œuvre ou les œuvres, existante(s) ou à être créée(s), avec le plus de détails possible. Inscrivez le(s) titre(s) (s’il y a lieu), une description détaillée sur le plan visuel et toute autre information ayant trait à l’œuvre ou au travail à être exécuté. Au besoin, vous pouvez joindre une feuille additionnelle au contrat, sur laquelle vous pourrez inscrire ces détails, mais dans ce cas, mentionnez-le à la section 2 du contrat en ajoutant la phrase suivante « voir Annexe ci-jointe » et faites parapher cette « Annexe » par les deux parties, au bas de la page.

section 3 – utilisation de l’œuvre / des œuvres Comme vous le savez peut-être déjà, les droits d’auteur sur une œuvre sont acquis dès la création de celle-ci, sans qu’il soit nécessaire de les faire enregistrer, à condition que l’œuvre soit originale (elle doit être le fait de l’auteur, le fruit de ses compétences, et ne doit pas avoir été copiée sur une autre), qu’elle soit fixée matériellement et que son auteur soit, au moment de sa création, citoyen canadien, sujet britannique, résident d’un pays du Commonwealth ou ressortissant d’un pays étranger qui a adhéré aux Conventions internationales de Berne ou de Genève. Règle générale, l’auteur d’une œuvre est le premier titulaire (propriétaire) du droit d’auteur sur son œuvre.

La vente de l’œuvre n’entraîne pas le transfert du droit d’auteur au profit de l’acquéreur, à moins que le contraire soit stipulé dans un écrit, signé par l’artiste. Toute personne qui désire utiliser ou reproduire votre œuvre, qu’elle en soit le propriétaire ou non, doit donc obtenir une permission écrite de votre part. Cette permission s’appelle une licence. La section 3 du contrat définit les paramètres de la licence de droits d’auteur que vous accordez au diffuseur (désigné comme le Client dans le contrat), soit pour lui-même ou pour son client (désigné comme le bénéficiaire dans le contrat). Le bénéficiaire est donc la personne ou la corporation au bénéfice de qui l’utilisation de l’œuvre ou des œuvres est accordée par le contrat. Les supports de reproduction sont tous les objets et les médias sur et par lesquels vous autorisez votre client à reproduire et diffuser votre ou vos œuvre(s). Par exemple, les supports peuvent être des affiches, des sacs, des t-shirts ou même des produits d’emballages. Les médias, pour leur part, sont représentés entre autres par la presse écrite, la télévision, l’affichage, le cinéma et Internet. Le territoire de diffusion limite géographiquement l’utilisation de votre ou vos œuvre(s). Il peut être restreint à une ville, une province, un pays ou un continent, ou être défini comme s’appliquant au monde entier. La durée de l’utilisation limite dans le temps l’utilisation de votre ou vos œuvre(s). Elle peut être définie comme une période très courte (quelques semaines) ou très longue (plusieurs années), mais elle ne peut pas, dans le cas où l’auteur est le premier titulaire des droits sur son œuvre, être éternelle, puisque la Loi sur le droit d’auteur (L.R.C., chapitre C-42, article 14) prévoit une réversibilité des droits aux représentants légaux de l’auteur 25 ans après sa mort ! De toute façon, les œuvres relèvent du domaine public 50 ans après la mort de l’auteur (ce qui signifie qu’aucun droit d’auteur ne subsiste sur ces œuvres après cette date). Il vous revient alors de déterminer une période raisonnable compte tenu des circonstances entourant le contrat à signer.

section 4 – propriété des œuvres Il peut arriver que le diffuseur désire faire l’acquisition de l’original de l’œuvre, soit pour lui-même, soit pour l’offrir à son client. Dans ce cas, vous devrez, à la section 4 du contrat, inscrire le nom de l’éventuel propriétaire. Dans le cas contraire, inscrivez votre nom.

section 5 – prix et modalités de paiement À cette étape, il faut faire la distinction entre les

132

LES CONTRATS

frais de production – ou honoraires professionnels – (temps de création, matériel, recherche effectuée), le prix de l’original (si celui-ci est acheté par le client) et le coût de la licence (le prix demandé pour autoriser l’utilisation et la reproduction de votre (vos) œuvre(s), comme le stipule la section 4). Au prix total, il faudra ajouter la TPS (et votre numéro d’enregistrement) et la TVQ (et votre numéro d’enregistrement) si vous les percevez. Dans tous les cas, assurez-vous que le numéro de taxe provinciale du diffuseur soit inscrit sur son bon de commande et sur le contrat. Un espace est aussi prévu sur le contrat pour le numéro de bon de commande du diffuseur (s’il y en a un) ; n’oubliez donc pas de l’inscrire. La TPS est facturée à tout client (personne morale ou physique) qui réside au Canada et qui possède un numéro de TPS. La TVQ, quant à elle, est facturée à tout client (personne physique ou morale) qui réside au Québec et qui possède un numéro de TVQ. Ces deux taxes, lorsqu’elles s’appliquent, sont à calculer aussi bien pour les honoraires professionnels et les droits d’auteur que pour la vente de l’original. Finalement, un espace est prévu pour les artistes qui exigent qu’un dépôt soit donné avant de commencer le travail ; cet espace est optionnel, mais nous vous encourageons, dans la mesure du possible, à demander un dépôt, à tout le moins pour couvrir les frais que vous engagerez durant la production. Il est également possible d’inclure une clause qui offre au client de réduire le montant de la facture de 2 % s’il acquitte le montant dû dans un laps de temps prédéterminé. Dans la majorité des cas, ce délai est fixé à 10 jours suivant la remise des finaux. Cela peut tout de même s’étendre jusqu’à 30 jours. Cette clause peut être pratique pour inciter le client à vous payer le plus vite possible et ainsi vous éviter de courir après votre argent. N’oubliez toutefois pas d’ajuster votre soumission en fonction du 2 % si vous comptez l’appliquer.

section 6 – dates de livraison Précisez ici les dates de livraison prévues pour l’esquisse ainsi que pour l’original.

section 7 - signature du contrat Il est important de ne pas signer le contrat avant le diffuseur, et ce, afin de vous assurer qu’aucun changement auquel vous ne seriez pas prêt à consentir ne soit apporté à l’entente après que vous l’aurez signée. Au moment de la signature, assurez-vous que la date et le lieu de la signature du contrat sont inscrits pour chacune des signatures, aux espaces prévus à cet effet.

Ces inscriptions sont très importantes, particulièrement dans le cas d’une éventuelle action en justice, puisqu’elles déterminent le lieu et la date auxquels le contrat a été effectivement conclu. Enfin, n’oubliez pas de remplir la clause 14 (s’il y a lieu) et de faire parapher, par les deux parties, les conditions ajoutées ainsi que tout autre retrait ou ajout appliqué au contrat.

l’endos du contrat comprend les conditions d’application (clauses) Clause 1. Une fois le travail effectué, vous devrez faire parvenir une facture au diffuseur. Cette facture reprendra les mentions de la section 5, soit les frais de production, le prix de vente de l’original (s’il y a lieu), le coût de la licence et les taxes. Il est important de faire parvenir cette facture au diffuseur le plus rapidement possible. En cas de défaut du diffuseur à respecter le délai de paiement, nous vous recommandons de téléphoner à son bureau et de demander à parler à quelqu’un au service de la comptabilité plutôt qu’au directeur artistique. Le responsable des comptes payables saura vous donner l’heure juste en ce qui concerne le paiement de votre facture. Dans le cas où le retard excèderait 30 jours, faites parvenir au diffuseur un état de compte sur lequel vous ajouterez les intérêts mensuels de 2 %. Ce montant spécifiant les intérêts pour tout retard doit se retrouver dans le contrat et la facture. Clause 8. Cette clause confirme que vous conservez tous vos droits d’auteur sur l’œuvre ou les œuvres créée(s) en vertu de ce contrat. EN AUCUN CAS vous ne devrez rayer cette clause sans mûre réflexion et sans qu’une compensation financière assez importante vous soit accordée par le diffuseur pour la « vente » de l’ensemble de vos droits d’auteur. Clause 10. Cette clause prévoit que vous accordiez une licence au diffuseur pour les utilisations mentionnées à la section 3 du contrat. En vertu de la clause 10, cette licence ne sera valide qu’à compter du plein paiement du prix du contrat. Toutefois, en pratique, le diffuseur pourrait utiliser votre œuvre avant d’effectuer le plein paiement de ce montant. Vous devriez tout de même maintenir cette clause, car elle vous permet, en cas de non-paiement, d’interdire et de faire cesser TOUTE utilisation de votre œuvre, y compris celle prévue à la licence. Clause 11. Le diffuseur ne peut pas permettre à une autre personne d’utiliser votre (vos) œuvre(s) en vertu de la licence sans votre consentement préalable, donné par écrit.

133

CHAPITR E 10

Clause 12. Dans le cas où le diffuseur vous fournirait ou vous demanderait d’utiliser du matériel déjà existant pour l’exécution de sa commande (des marques de commerce, sigles, photos ou dessins tirés d’un livre), il doit, au préalable, avoir obtenu les droits de reproduction et d’utilisation de ceux-ci, à défaut de quoi votre travail pourrait être considéré comme de la contrefaçon et vous pourriez être accusé de violation de droits d’auteur ou de marque de commerce.

Que ce soit pour un contrat en éditorial, en édition jeunesse, en publicité, n’hésitez pas à consulter votre association ou un professionnel du droit pour obtenir de l’aide. Clause 13. Par cette clause, le diffuseur s’engage à prendre votre défense dans l’éventualité de toute réclamation ou action en justice (par exemple, en violation de droits d’auteur) en rapport avec le travail effectué en vertu du contrat, ainsi qu’à vous indemniser, financièrement ou autrement, pour tout dommage qui vous serait causé par cette réclamation ou action en justice. Clause 14. Dans certains cas, le diffuseur peut avoir besoin de l’œuvre pour une période de temps relativement longue pour faire, par exemple, des « stats », tramés de différentes manières et adaptés à des utilisations particulières. Soyez donc flexible au moment de fixer une échéance pour le retour de l’œuvre. Clause 16. Essayez de ne pas abuser de cette clause en empruntant l’œuvre, par exemple, six mois par année ou très fréquemment. Si

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vous prévoyez inscrire votre « chefd’œuvre » à tous les concours afin de le faire exposer, gardez-en donc la propriété. Clause 17. Cette clause prévoit que si un problème survient relativement à l’interprétation ou à l’exécution du contrat, ce sont selon les lois de la province de Québec que le problème sera réglé. Elle prévoit de plus qu’advenant un recours devant les tribunaux, ce recours devra être intenté devant une cour compétente dans la province de Québec. Initiales. N’oubliez pas de parapher et de faire parapher par votre client le bas de la page des « conditions », à l’endroit prévu à cet effet. En inscrivant leurs initiales sur cette page, les parties déclarent avoir pris connaissance des conditions qui y sont inscrites et s’engagent donc à les respecter.

10.4

LE CONTRAT, TOUJOURS PAREIL ? Certains domaines de l’illustration comportent des réalités particulières qui influeront sur la nature des contrats qui vous seront proposés. Le monde du produit dérivé présente effectivement son lot de particularités. Comme un grand manufacturier peut facilement produire plusieurs variétés de produits dérivés dans une même entreprise, il importe de bien spécifier sur le contrat les supports pour lesquels vous vendrez des droits de reproduction de votre travail (des imprimés sur T-shirts, des casse-têtes, de la vaisselle pour bébé, etc.). Vous devrez aussi vous assurer de bien spécifier la quantité de produits dérivés imprimables (5 000 cartes de souhaits, 250 tasses à café) et la période de marchandisation desdits produits. Aussi, vous pourrez décider d’y inscrire le nombre d’items, peu importe le

LES CONTRATS

produit manufacturé, que vous désirez recevoir gratuitement. Si vos illustrations se retrouvent sur des cartes de souhaits, vous pourriez en demander quelques exemplaires pour vous et en statuer le nombre dans le contrat. Dans son livre Licensing 101, Michael Woodward présente un modèle de contrat type que vous pourriez décider de reprendre pour négocier des droits de reproduction avec un manufacturier. Il spécifie également que pour la vente de droits de reproduction sur des produits dérivés en trois dimensions comme des jouets ou des figurines, il peut être important de consulter un professionnel, puisque ces ententes demanderont des assurances et des couvertures particulières (dans le cas où un enfant se blesserait avec un jouet dérivé de vos illustrations par exemple…) Il faut aussi retenir que dans ce domaine, tout comme dans le domaine de l’édition jeunesse par exemple, la rémunération de l’illustrateur provient de deux sources distinctes. Vous pourrez en effet obtenir un premier montant pour la création de vos illustrations (souvent, lorsqu’il s’agit de produits dérivés pour des cartes de souhaits ou autres supports communs, le manufacturier choisira plutôt d’acheter des droits de reproduction d’illustrations déjà existantes. Il commandera rarement une illustration particulière, évitant ainsi de devoir vous payer pour le travail de création…) et ensuite, une deuxième forme de rémunération entrera en jeu, soit les redevances. Ce concept signifie que lorsqu’une illustration se retrouve dans un livre ou sur un support manufacturé quelconque, la vente de chaque item rapportera un pourcentage précis du prix de vente à l’illustrateur. Cette entente devra donc être mentionnée dans le contrat liant l’illustrateur à la maison d’édition ou au manufacturier et le montant des redevances pourra être négocié. Il est toutefois à noter que des pratiques courantes existent quant au pourcentage des redevances versées à un illustrateur et qu’il pourra s’avérer difficile de négocier bien au-delà de ce qui est généralement pratiqué. En plus du pourcentage des redevances, il faudra que le contrat présente un calendrier de versement de celles-ci. Le chapitre traitant de la tarification présentera les pourcentages habituels livrés en redevances dans les divers cas. En ce qui concerne plus précisément le contrat en édition jeunesse, quelques autres particularités s’ajoutent. Le site Internet de l’ANEL (Association nationale des éditeurs de livres) nous informe bien quant à cette question. Les différentes maisons d’édition utilisent généralement un contrat-type qui peut différer légèrement d’une entreprise à une autre, mais qui contient sensiblement les mêmes informations.

On y retrouvera habituellement une clause qui stipulera qu’en plus de céder le droit à l’éditeur de publier et de vendre son œuvre, l’illustrateur cèdera aussi le droit d’exploiter son travail sous d’autres formes (traduction, adaptation, etc.) C’est ici que l’illustrateur devra être prudent. Quelles sont ces autres formes, que comprennent-elles ? Si vous ne savez pas tout à fait à quoi vous attendre ou que vous croyez que la clause est abusive, osez le dire ! Parmi les autres clauses particulières du contrat jeunesse, on retrouvera le tirage (la quantité d’albums imprimés et le nombre d’exemplaires que l’éditeur offrira à l’illustrateur). Le tirage moyen pour un album jeunesse est de 2 000 copies au Québec. Que ce soit pour un contrat en éditorial, en édition jeunesse, en publicité, en licensing, n’hésitez surtout pas à consulter votre association ou encore un professionnel du droit pour obtenir de l’aide pour comprendre le contrat, le valider ou, le cas échéant, l’adapter.

10.5

ET LA FACTURE ? Contrairement aux chiffres mentionnés dans la soumission, les montants donnés sur une facture doivent être déclinés de manière plus détaillée (et inclure les dépenses réelles ainsi que le coût des heures supplémentaires, s’il y a lieu). Même si le total est identique à ce qui avait été estimé, l’émission d’une facture est nécessaire pour confirmer que ce montant est maintenant cautionné et doit être acquitté. Signée par la personne responsable du projet, la facture peut également servir d’accusé de réception attestant que le travail s’est déroulé à la satisfaction des deux parties. La facture devrait donc être imprimée en deux exemplaires au moment de la livraison, quitte à être révisée si des corrections de dernière minute sont réclamées. Bien des artistes se contentent de laisser un de ces documents au chargé de projet, mais d’autres préfèrent la remettre ou la poster directement au département des finances afin d’éviter d’éventuels délais de transmission. Dans les deux cas, le nom de la personne en charge de la comptabilité (comptes payables) doit être noté, car c’est à elle que les réclamations subséquentes devront être adressées. Rappelez-vous que la personne chargée du projet n’est pas nécessairement chargée du paiement des factures. Pour éviter toute confusion, il est préférable de récapituler les principaux éléments de l’entente, ou même d’agrafer à la facture une copie du bon de commande antérieurement rempli.

135

CHAPITR E 10

FACTURE nO de la facture Nom de l’artiste :---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------Site Web :------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------Adresse :--------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------E-mail :-----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------Téléphone :-----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------Télécopieur :---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------Date (jour/mois/année) : ----------------------------------------------------------------------------------------------------------Client (nom/raison sociale et coordonnées complètes) :-------------------------------------------------------------Bon de commande :----------------------------------------------------------------------------------------------------------------Commandé par : ---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------Dossier du client : -------------------------------------------------------------------------------------------------------------------Description de(s) l’œuvre(s) ou du travail qui est effectué par l’artiste : ----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------

utilisation de(s) l’œuvre(s) permise par la licence Support de production :-----------------------------------------------------------------------------------------------------------Quantitée :------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------Territoire de diffusion :--------------------------------------------------------------------------------------------------------------Durée de l’utilisation :----------------------------------------------------------------------------------------------------------------

prix et modalités de paiement Frais de production---------------------------------------------------------------------------------------------------------------  $ Vente de l’originale (le cas échéant)----------------------------------------------------------------------------------------  $ Coût de la licence (droit d’auteur en vertu de l’article Art. 726.26 L.I. de la loi de l’impôt )-----------  $ TPS (numéro d’enregistrement)----------------------------------------------------------------------------------------------  $ TVQ (numéro d’enregistrement-----------------------------------------------------------------------------------------------  $ TOTAL :--------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------  $ DÉPÔT :-------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------  $ SOLDE :-------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------  $

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LES CONTRATS

conditions générales 1. La présente facture est un contrat émis par _______________________(nom de l’artiste), auteur et détenteur du droit d’auteur sur l’œuvre ou les œuvres qui figurent dans le présent document et donne permission de reproduction à la personne ou à l’entité citée d’après les conditions et limitations indiquées. 2. Toute autre utilisation, reproduction, publication ou diffusion par quelque moyen qu’il soit ou distribution en imprimé ou autres, sur réseau électronique ou digitale de l’œuvre ou des œuvres qui figurent dans le présent document non conforme aux conditions et limitation indiquées ci dedans est une utilisation non autorisée et un abus de droit d’auteur. Aucune autre utilisation, reproduction, publication, ou diffusion par quelque moyen qu’il soit ou distribution en imprimé ou autres, sur réseau électronique ou réseau digitale de l’œuvre ou des œuvres est permise sauf par permission écrit au préalable de l’auteur. 3. Lorsque le client agit au titre de représentant d’un tiers au nom duquel l’autorisation sera utilisée et l’œuvre ou les œuvres seront publiées, ce tiers sera désigné ci-dessus. Cette autorisation ne peut pas être transférée ou vendue à une autre partie sans le consentement écrit préalable de l’auteur. 4. Aucune modification, transformation ou adaptation des œuvres, soit partielle ou globale, n’est permise sans le consentement écrit de l’auteur. 5. En l’absence d’une entente indiquant le contraire signé par l’auteur des œuvres, l’original ou les originaux, décrits plus haut et dont la reproduction est l’objet de cette entente, demeure la propriété exclusive de l’auteur. 6. Le client doit indiquer sur chaque copie reproduite(s) de l’œuvre ou des œuvres : © année nom de l’artiste, avec permission. 7. Nonobstant les exclusivités accordées par cette entente, l’auteur se réserve le droit en tout temps de reproduire l’œuvre ou les œuvres décrites ci-haut pour la promotion non-commerciale (non-rémunératrice) de son activité professionnelle artistique, d’utiliser les copies et épreuves fournies par le client à cette fin, de les présenter dans des concours et d’autoriser leur reproduction dans le cadre de ces concours.

8. Le client doit reconnaître la participation de l’auteur lorsqu’une publication ou un produit dont son œuvre fait partie est présentée dans des concours professionnels ou autres, ou lorsqu’il lui est accordé un prix ou une mention. 9. Le client fournira à l’auteur __________exemplaires de chaque publication ou imprimé dans lequel une des ses œuvres figure. 10. La facture est réputée acceptée ainsi que les termes qui y sont associés au moment où le client paye celle-ci.

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CHAPITR E 10

Ces précautions ne vous permettront toutefois pas de contourner toutes les embûches. Voici un bref survol des difficultés de paiement auxquelles vous pourriez faire face :

Les chèques qui comportent à leur endos des

conditions modifiant les termes d’un contrat doivent être retournés, accompagnés d’une lettre réclamant l’émission d’un nouveau paiement. Si l’artiste préfère rayer les clauses en question avant de signer, l’entreprise doit néanmoins en être avisée par écrit ; si elle ne réagit pas au cours des 15 jours qui suivent, le chèque pourra être encaissé sans problème.

Lorsqu’un paiement n’est pas versé dans les

10.6

LES DIFFICULTÉS DE PAIEMENT Pour éviter tout problème, il faut d’abord appliquer certaines mesures préventives en cours de projet. L’artiste devrait toujours :

Lire dans leur entièreté les documents qu’on lui fait signer ;

Garder une copie de tous les travaux réalisés

délais prévus, il est peu indiqué de contacter les responsables de la direction artistique. En général, les questions financières ne les concernent pas ; si l’on compte éventuellement retravailler avec la même entreprise, il serait contre-productif de créer un antagonisme quelconque avec les personnes en charge de l’embauche. Un coup de téléphone au département de la comptabilité constitue la première démarche à entreprendre. Plusieurs appels polis peuvent cependant s’avérer nécessaires, ne serait-ce que pour empêcher que l’on vous oublie. S’il s’agit d’un oubli, d’un retard ou d’un problème administratif, cette technique suffit la plupart du temps à faire valoir les droits de l’artiste. Toutefois, si les appels ne portent pas fruit, une nouvelle facture marquée « Rappel – montant dû » doit être envoyée en courrier recommandé. L’entreprise dont les habitudes de paiement diffèrent des clauses du contrat (60 ou 90 jours, par exemple) a parfois besoin qu’on lui rappelle que le délai convenu pour le paiement est écoulé et que conformément à l’entente, des frais de retard seront ajoutés si le total n’est pas promptement acquitté. Une copie de la lettre de rappel doit toujours être conservée dans vos dossiers. Toujours en courrier recommandé, un « second rappel » suivra un mois plus tard, le montant étant modifié en fonction des intérêts. Comme le personnel d’une grande entreprise change souvent de département, un nouvel appel permettra à l’artiste de vérifier si la lettre est parvenue à bon port – et de démontrer le sérieux de ses démarches. Il importe, à cette étape, de s’enquérir des raisons qui retardent le paiement, et de proposer des solutions avec courtoisie :

Si la compagnie éprouve des difficultés finan-

responsables ;

cières, une extension de la période de grâce peut être accordée sur réception d’un versement partiel (et au taux d’intérêt fixé dans le contrat) ;

Demander un reçu pour le matériel laissé sur

Si l’illustration ne fait plus l’affaire malgré qu’on

pour un projet ;

Faire signer les esquisses approuvées par les place ;

Garder trace de tous les courriels (après une

conversation téléphonique, demander par courriel une confirmation de la discussion et des décisions qui ont été prises), puisque l’entente orale a une valeur juridique moins solide que les traces écrites.

l’ait préalablement acceptée, des corrections peuvent être proposées (moyennant la signature d’un contrat subsidiaire pour couvrir ce supplément de travail) ;

Si l’utilisation prévue pour la reproduction n’est plus réalisable, de nouvelles conditions peuvent être discutées (sans que l’artiste doive y voir une obligation).

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LES CONTRATS

En cas d’échec, un « dernier rappel » annoncera, le mois suivant, que non seulement le total a subi une seconde hausse, mais que le problème sera soumis aux instances juridiques appropriées (pensez à une mise en demeure, à la Cour des petites créances ou au tribunal fédéral si le montant est plus important).

les agences de recouvrement Les agences de recouvrement ne peuvent rien de plus que ce que l’artiste aura déjà tenté (elles le font d’ailleurs souvent moins poliment). Elles n’ont aucun pouvoir légal, sauf si on leur demande expressément de faire appel à des avocats. À moins que l’entreprise délinquante ne cède à l’usure, cette méthode est rarement une solution, surtout compte tenu de la commission exigée en cas de réussite (de 30 à 50 % du paiement émis par le client fautif). De plus, les agences refusent généralement d’intervenir si l’artiste a déjà entrepris une démarche juridique ; elles ne sont donc pas une solution à privilégier.

le règlement par intermédiaire On dénombre jusqu’à 33 façons de résoudre un différend par personne interposée. Mentionnons parmi celles-ci les procès informels, l’arbitrage, la négociation, l’adjudication privée, la médiation, l’écoute active et les conférences de règlement par modération. Versions modernes du ho’oponopono hawaïen (où les adversaires ne sortent d’une pièce qu’une fois le conflit réglé), ces méthodes commencent généralement par une évaluation de la situation suivie d’un plan pour solutionner le problème. L’artiste reste en charge de la gestion du conflit et reçoit les conseils d’arbitres qui interagissent avec la partie adverse en toute neutralité. Dans un cas comme la médiation, l’intermédiaire guide la discussion vers le meilleur compromis. Par contre, une technique comme l’arbitrage lui confère la position de juge et lui permet de rendre un verdict qui a force de loi, même si une des parties néglige de se présenter à la rencontre. Il est même possible d’inclure initialement la condition suivante au contrat, facilitant ainsi les choses en cas de conflit : « Advenant un différend relié à cette entente, les parties s’engagent à résoudre le conflit en recourant aux services d’une personne neutre. La partie qui revendique choisira la méthode ; la partie défenderesse choisira la personne (pourvu que cette personne n’ait pas ni ne soit perçue comme ayant un préjugé). L’entente qui en résulterait aura l’autorité d’un jugement final.* »

gaspard – dans le doute Vérifiez vos ventes en contactant Gaspard (www. btlf.qc.ca) Gaspard est un système d’information sur les ventes. Il recueille près de 50 % des ventes effectuées au Québec par les librairies et les grandes surfaces. Toutes les librairies n’utilisant pas Gaspard, il est impossible de connaître les ventes réelles (hormis en communiquant avec son éditeur et/ou distributeur).En contactant Gaspard, vous recevrez un relevé que vous pourrez comparer au relevé de vente transmis par votre éditeur. Ce dernier devrait être supérieur à celui de Gaspard. Cet exercice doit être fait lorsque vous avez toutes les raisons du monde de remettre en cause la véracité de vos paiements ou que les délais de paiement dépassent les 3 mois (attention : toujours vérifier votre contrat pour les dates de paiement).

voici la méthode à suivre pour contacter Gaspard : Écrire à Christian Reeves – conseiller commercial : [email protected] ;

Mentionner le ou les titres recherchés ainsi que l’année ;

Coût du service : 75 $/titre.

la sodec et les autres subventionneurs Vous pouvez contacter la SODEC pour lui faire part des délais hors norme pour le paiement de vos redevances et/ou à-valoir, ainsi que du non-respect de vos droits d’auteur. En tant que subventionneur,

*Source : Jack R. Miller, cofondateur et président du Groupe Interley du Canada Inc., une firme de résolution de conflit à Montréal, Québec (www.interley.ca).

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CHAPITR E 10

la SODEC peur retenir une subvention voire rapatrier celle-ci si elle est déjà versée. Lorsque les éléments sont probants, la SODEC peut enquêter et vérifier la gestion au sein d’une maison d’édition. Mais pour cela, il faut que les illustrateurs et les auteurs dénoncent une situation. Cette étape peut être faite auprès des autres subventionneurs que sont le Conseil des Arts du Canada et Patrimoine Canada, deux instances qui subventionnent fortement la plupart des éditeurs.

la prévention

Dans certaines régions, la Cour des petites créances offre aussi un service de médiation. Ce recours n’oblige personne à accepter un compromis ; il ne retarde pas non plus le cheminement du dossier et permet de résoudre plus de 75 % des litiges qui s’en prévalent. La brochure Les petites créances, publiée par le Ministère de la Justice, donne plus de détails sur la procédure à suivre.

l’aide juridique

vérification des livres : « Vérification des livres – Sur demande écrite et sur préavis d’au minimum 15 jours à l’Éditeur, l’illustrateur pourra, à ses frais, examiner ou faire examiner par une personne qu’il nommera, les livres comptables de l’Éditeur en lien avec l’exploitation de l’Oeuvre. Il est entendu que telle vérification est faite aux frais de l’illustrateur à moins que ne soient décelées des erreurs comptables au désavantage de l’illustrateur représentant plus de cinq pour cent (5 %) des sommes totales payées à l’illustrateur en vertu du contrat, auquel cas ladite vérification sera faite aux frais de l’éditeur. »

L’aide juridique fournit de précieux renseignements à l’artiste qui ne peut pas se payer les services d’un avocat. Dans certains cas, elle peut même se charger d’envoyer une mise en demeure au mauvais payeur, ce qui obtient souvent l’effet désiré. Pour un recouvrement de fonds, par contre, le dossier doit être référé à un bureau qui accepte les mandats d’aide juridique. La cause est alors traitée comme le serait toute autre poursuite, à ceci près que l’artiste n’encourt aucun déboursé si la démarche échoue. Dans le cas contraire, des frais de 10 à 30 % du montant obtenu lui seront réclamés.

Inscrire la clause suivante dans votre contrat

la mise en demeure

Inscrire la clause suivante dans votre contrat —

– relevé de vente : « Relevé de vente – tous les montants dus à l’illustrateur seront accompagnés d’un relevé explicitant le calcul des redevances. Ainsi que les informations suivantes :  e nombre d’exemplaires vendus pour la période L visée ; Le nombre d’exemplaires en inventaire ; Le taux de la redevance payable par l’ÉDITEUR ; Le prix de vente au détail hors taxe de chaque exemplaire vendu ; S’il y a lieu, les déductions applicables en vertu du présent contrat ; Le montant des redevances dues pour la période visée. »

Vous vous assurez ainsi d’avoir un relevé de vente compréhensible. R  etenir les finaux contre paiements – Vous pouvez également retenir les hautes résolutions de vos œuvres jusqu’au paiement de votre avance advenant que votre contrat précise clairement que le paiement a lieu au moment de la remise des finaux. 

la cour des petites créances

Il peut arriver, après la remise des illustrations finales ou tout autre document inscrit à votre contrat, que le paiement tarde à arriver. Il convient, dans ce cas, de faire preuve de courage. Dans un premier temps, communiquez directement avec le client ou son service de facturation pour obtenir des informations relatives à votre paiement. Par la suite, si vous n’arrivez pas à obtenir satisfaction et que vous jugez avoir tout fait pour obtenir la rémunération à laquelle vous avez droit, il sera alors temps d’envoyer une mise en demeure à votre client. N’ayez pas peur d’employer ce moyen légal. En effet, la personne qui vous embauche et celle qui est responsable de voir à votre rémunération sont souvent deux personnes distinctes. De ce fait, exiger son dû n’affectera en rien votre relation de travail. Après tout, vous avez rempli votre part du contrat et il est donc normal qu’on vous paie. De nos jours, il est inconcevable de jouir d’un bien ou d’un service sans le payer...

pour être admissible à la cour des petites définition : La mise en demeure est une lettre expédiée par créances, il faut : courrier recommandé, c’est-à-dire entraînant Ê  tre un individu et non une compagnie ; l’émission d’un avis de réception, qui ordonne S  e représenter soi-même, à moins que les ser- officiellement au destinataire d’exécuter formelvices d’un avocat n’aient été autorisés en vertu de la complexité de la cause ;

 oursuivre une personne ou une compagnie résiP dant ou étant établie au Québec ; Réclamer un maximum de 7 000 $.

lement une obligation qui lui est échue (remédier à un problème, acquitter un montant, respecter un engagement contractuel, etc.) selon certaines modalités et dans un délai déterminé. Cette lettre donne à son destinataire la possibilité de

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LES CONTRATS

de s’acquitter de son obligation sans passer devant les tribunaux. La partie revendicatrice peut rédiger elle-même la mise en demeure ou retenir pour ce faire les services d’un avocat. Il faut en conserver une copie et envoyer l’original par courrier certifié. Gardez une copie de la mise en demeure ainsi que la preuve de réception émise par Postes Canada, afin d’être en mesure de prouver qu’elle est bien parvenue à son destinataire.

ce que la mise en demeure doit contenir :

la mise en demeure doit être rédigée sous forme de lettre et contenir les éléments suivants : L  a date de sa rédaction, les coordonnées du destinataire ainsi que la mention « SOUS TOUTES RÉSERVES », afin de protéger l’expéditeur relativement à ce qui est avancé dans la lettre ; Un résumé du problème ; Une demande de règlement ; Un délai pour régler le problème ; Les coordonnées de l’expéditeur et sa signature ; L  ’expression « mise en demeure » incluse dans le texte afin que la personne qui la reçoit sache à quoi s’en tenir.

Si rien ne change après l’envoi de la mise en demeure et l’écoulement du délai imparti, il sera alors temps d’aller à la Cour des petites créances pour déposer une demande www.justice. gouv.qc.ca/francais/publications/generale/ creance.htm#conditions

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CHAPITR E 10

MISE EN DEMEURE Lieu et date

SOUS TOUTES RÉSERVES Nom Prénom de la personne poursuivie Adresse de la personne poursuivie

Madame, Monsieur, La présente est pour vous informer que je vous réclame la somme de ___$ pour les raisons suivantes : [...] Je vous mets donc en demeure de me payer la somme de ___$ dans un délai de 10 jours. Dans le cas contraire, des procédures judiciaires seront intentées contre vous sans autre avis ni délai. Veuillez agir en conséquence.

Signature Votre adresse Votre numéro de téléphone

142

LES CONTRATS

10.7

LIENS UTILES l a mise en demeure www.justice.gouv.qc.ca/francais/sujets/glossaire/mise.htm l a cour des petites créances www4.gouv.qc.ca/FR/Portail/Citoyens/ Evenements/consommateur-renseignement-plainte/Pages/deposer-demande-petites-creances.aspx g aspard www.btlf.qc.ca

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11

le guide de tarification

Sophie PA Cette section contient sûrement l’information la plus attendue par vous tous, chers illustrateurs. Illustration Québec propose de vous fournir quelques pistes quant aux éléments qui doivent entrer en ligne de compte pour vous aider à fixer le montant de la rémunération pour vos services.

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CHAPITR E 11

Encore une fois, aucune formule secrète n’existe quant à la réussite financière dans le domaine de l’illustration. Le présent chapitre constitue donc un guide qui fournit les éléments généraux à considérer lorsque vous fixerez un tarif pour un contrat particulier. Nous avons aussi cru bon de vous fournir différentes techniques de calcul pour fixer vos tarifs. Ces méthodes sont expliquées dans différents ouvrages dont nous vous fournirons les références. Vous verrez que ces méthodes diffèrent d’un auteur à l’autre et que vous devrez, selon les situations contractuelles devant lesquelles vous vous retrouvez le plus fréquemment, juger de celle qui vous convient le mieux. Par la suite, nous vous présenterons les grilles tarifaires élaborées en 2009 par un comité formé d’illustrateurs expérimentés et ensuite révisées lors de la mise à jour de ce guide, en 2014. Illustration Québec vous suggère fortement d’utiliser sa grille tarifaire dans le but de maintenir les standards de l’industrie. Sachez que tout tarif inférieur au minimum inscrit dans la liste aura un effet négatif sur le marché. N’ayez donc jamais peur de dire non à un contrat si vous constatez que le prix offert est largement inférieur aux standards du marché et/ou à la valeur de votre travail.

11.1

L’ILLUSTRATION ET L’ÉQUITÉ SALARIALE Même aujourd’hui, on constate une différence déplorable entre la rémunération offerte aux hommes et aux femmes travaillant dans le milieu de l’illustration, et ce, pour des qualifications similaires. Eh oui, bien que la société et les lois prônent l’équité salariale, la réalité, elle, est souvent tout autre. Illustration Québec clame haut et fort que l’égalité de salaire entre les illustrateurs et les illustratrices doit être respectée. En effet, peu importe que l’artiste soit homme ou femme, cela ne devrait avoir aucune incidence sur les tarifs offerts. Pour ce qui est du domaine public, le gouvernement travaille tous les jours à combler ce clivage. Toutefois, il est plus difficile

de soumettre le domaine privé à un contrôle quelconque. Évidemment, vos tarifs doivent être fixés en fonction d’autres critères, que nous détaillons ci-dessous.

11.2

LA MARCHE À SUIVRE POUR FIXER UN PRIX Voici les critères que vous aurez à évaluer pour chacun de vos contrats, avant même de procéder à une soumission.

la première rencontre Personne ne devrait fournir un prix dès le premier coup de téléphone. Si l’offre semble justifier le déplacement, l’artiste devrait toujours prendre rendez-vous avec les responsables du projet. Tout d’abord, ce délai lui procure l’occasion de s’informer sur l’entreprise qui fait appel à ses services, ce qui peut être fort utile pour préparer la discussion, ajuster le portfolio et sélectionner des échantillons susceptibles d’être laissés sur les lieux. Qui plus est, rencontrer la personne qui prendra des décisions permet d’éviter de fâcheux retournements de situation une fois le contrat exécuté. Cela dit, le lien entre l’artiste et la compagnie ne doit pas être vu comme une relation antagoniste : il s’agit plutôt d’une association formée pour atteindre un but commun. C’est là la clé d’une négociation fructueuse et menée dans le respect. Les deux partenaires veulent qu’on les rassure et qu’on les respecte ; ce sont leur enthousiasme, leur conviction, leur flexibilité et leur professionnalisme qui détermineront si cette collaboration portera fruit. Il ne faut donc pas sous-estimer l’effet d’une rencontre dans le processus de négociation. Tout se joue souvent dans les premières minutes. L’habillement, le langage non verbal et l’état d’esprit avec lequel l’illustrateur aborde le rendez-vous sont autant de facteurs qui influenceront la négociation.

les informations recherchées lors de ce premier contact sont les suivantes : Le genre de compagnie avec qui l’on fait affaire ; Le genre de personnes qui y travaillent ;

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LE GUIDE DE TARIFICATION

Le genre de production qui les intéresse ; L  e genre de réaction que suscitera votre portfolio.

La visite des lieux permet également de repérer les travaux des gens qui ont déjà travaillé avec la même entreprise. Ces personnes peuvent être d’un secours insoupçonné si on éprouve le besoin d’obtenir des renseignements supplémentaires (conditions de travail, délais de paiement, etc.). En effet, il n’est pas interdit de communiquer avec l’une de ces personnes, histoire de glaner un peu d’informations sur la façon de fonctionner des responsables du projet, leurs exigences, le degré d’autonomie qu’ils laissent à l’illustrateur et même leur budget. L’artiste ne doit jamais oublier que l’examen se fait dans les deux sens – à plus forte raison si la rencontre se déroule dans son propre studio. Il lui faudra démontrer sa capacité de répondre aux exigences du projet, tout en évitant d’afficher une servilité trop affamée. Au besoin, quelques anecdotes illustreront sa façon de résoudre les difficultés, et une attitude positive lui sera d’un grand secours (« quand je ferai ce travail » plutôt que « si je décroche ce contrat »). Au lieu de préparer une estimation pendant la discussion, il est plus profitable d’accorder toute son attention à la conversation. La soumission d’un prix se fera après une réflexion à tête reposée, lors d’un rendez-vous, ou d’un coup de téléphone ou d’un courriel.

l’analyse du projet Dans la mesure où l’on doit se prononcer sur le prix d’un travail qui reste encore à réaliser, il importe de brosser le portrait le plus exact possible de la tâche en posant un maximum de questions sur les aspects suivants, à adapter selon le projet :

le marché Quelle position l’entreprise y occupe-t-elle ? Quels produits a-t-elle déjà créés ? Quelles sont les compagnies concurrentes ? Quel est le public cible ?

le projet Quel est le produit à illustrer ? Q  uels sont les buts visés par sa mise en marché ? C  omment la diffusion se fera-t-elle ? (nombre de supports, médium, nombre d’exemplaires, durée, territoire, etc.)

Quels sont les artistes en lice pour ce projet ? Comment la sélection se fera-t-elle ?  ui s’occupera de la mise en page, de Q l’impression ?  ui aura le dernier mot sur le concept ou Q l’image ? Dans le cas d’un travail d’équipe, qui prend la décision, qui est la personne « clé » ?

l’illustration  e quelle documentation dispose-t-on ? (textes, D photos, modèles)  uels sont les paramètres à respecter ? (sujet, Q style, taille, position, cadre, zones libres)  omment l’illustration doit-elle être livrée ? C (œuvre originale ou numérisée… courriel, site ftp, courrier, etc.)

la méthodologie  uelles sont les étapes de production ? (croquis Q préliminaires, esquisses, final, corrections, suivi) Qui approuvera le matériel soumis ? Quel est l’échéancier à respecter ?

Les responsables de la direction artistique sont généralement des gens pressés ; un tel questionnaire ne peut donc pas être systématiquement récité lors de chaque rencontre (et encore moins être remis par écrit aux personnes concernées). Mais il donne une bonne idée des aspects qui gagnent à être couverts au cours d’une première discussion. En cas de désaccord sur la façon de procéder, l’expérience de l’artiste peut lui permettre de lancer quelques idées informelles – dans la mesure où cela ne remet pas en question l’expertise de l’entreprise en matière de mise en marché. Énoncées sans insistance, de telles suggestions peuvent inciter l’entreprise à élargir le contrat, par exemple en incluant une participation de l’artiste aux séances de conception. Cela affectera bien sûr la préparation de l’estimation. Prendre des notes est essentiel, et les grandes lignes de la conversation devraient toujours êtres récapitulées à la fin de l’entrevue. Si le temps alloué ne se prête pas à toutes ces considérations, on peut toujours établir un second contact par la suite pour obtenir les détails manquants (par téléphone ou par courriel). Il est aussi important de confirmer par écrit toute discussion en personne ou au téléphone ayant abordé des détails d’un contrat. Cette façon de faire vous fournira des preuves écrites en cas de problème, en vous assurant aussi de bien avoir compris les demandes du client.

le budget de l’entreprise

les personnes concernées  ue pense-t-on de ce qui a été réalisé par le Q passé ?

Il est tout à fait normal de s’informer des fonds disponibles. Sauf s’ils sont eux-mêmes en train

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CHAPITR E 11

de préparer une soumission pour une tierce personne, les gens qui commandent une illustration ont en général une bonne idée de leur budget au moment où ils font appel à des pigistes. Puisque les artistes sont des partenaires et non des adversaires, les montants qui ont été prévus à leur intention devraient leur être annoncés dès le premier contact, que ce soit au téléphone, en personne ou dans un courriel. La discussion devrait permettre d’établir l’ordre de grandeur du budget avec lequel on s’apprête à travailler. Cette somme doit être perçue comme un simple renseignement dans le cadre de la préparation d’un devis. Ni l’entreprise ni l’artiste ne devraient l’envisager comme une contrainte absolue à ce point de la négociation. Une bonne façon de procéder consiste à discuter du budget global du projet, de l’importance de l’illustration par rapport aux autres éléments (rédaction, mise en page, impression), et du pourcentage approximatif que l’on s’apprête à lui accorder. Cette méthode permet de garder la flexibilité de l’ensemble en perspective : l’illustration n’est plus le seul élément soumis à la négociation, mais un ingrédient parmi tant d’autres pour un produit final atteignant à peu de choses près un budget global préalablement estimé. Si le montant qui lui est alloué à la portion illustration ne semble pas réaliste, ce ne sera pas nécessairement à l’artiste d’en faire les frais. Les autres sommes pourraient peut-être être rajustées sans que le total soit affecté. Lorsque le personnel de l’entreprise hésite à révéler le budget actuel, une variante consiste à examiner ce que des illustrations similaires leur ont coûté par le passé. Cette stratégie permet de discuter de la question des tarifs sans placer les responsables du projet en cours sur la défensive. On doit cependant vérifier si les paramètres des dossiers précédents correspondent bien à ceux d’aujourd’hui, et discuter des ajustements qui seront nécessaires pour combler les différences éventuelles. Le taux d’inflation devra également être considéré, tant pour les tarifs de l’artiste que pour les dépenses qui seront engagées. Tradition oblige, bien des personnes préfèrent éviter de dévoiler leurs ressources. Ce n’est évidemment que partie remise, car le devis de l’artiste devra tôt ou tard être comparé aux prévisions de l’entreprise. Comme les deux partenaires auraient avantage à éviter les ajustements de dernière minute, on peut souligner que l’artiste ne fait que servir les intérêts du projet en cherchant dès le début une façon de se conformer au budget. Le sujet étant délicat pour certains clients, on doit avoir une approche diplomate mais ferme. Il peut aussi s’avérer possible d’aborder à nouveau le sujet lors d’une deuxième discussion, particulièrement lorsque la personne

qui communique avec vous n’a pas le pouvoir de négocier le tarif. Une fois les renseignements échangés, il ne reste plus qu’à s’entendre sur le temps qui peut être accordé à la préparation du devis, et à fixer le moment où celui-ci sera communiqué à l’entreprise.

les critères d’évaluation les critères d’évaluation se répartissent en trois catégories : L  es critères d’utilisation cernent la façon dont l’œuvre sera présentée au public, et déterminent la valeur des droits concédés ; L  es critères de réalisation permettent d’évaluer ce qui affecte la difficulté d’exécution du travail (les contraintes). Ils ne changent pas la valeur des droits, mais constituent une surcharge couvrant les problèmes susceptibles de survenir en studio ; L  es critères personnels, enfin, tiennent compte du statut de l’artiste et de sa vision du projet qui lui est proposé. Ils modifient la rigueur avec laquelle les critères précédents influencent son jugement.

critères d’utilisation L  a quantité de supports différents

le mot « support » fait ici référence non pas au canevas de l’œuvre originale, mais au moyen utilisé pour diffuser l’illustration. Il peut s’agir, entre autres, des supports suivants : Magazine, journal ou revue interne ;  rochure ou dépliant ; B Panneau ou affiche ; E  mballage  ; M  aquette  ; Rapport annuel ; C  alendrier  ; L  ivre  ; Pochette de disque ; Animation, film, émission télévisée, etc. ; Site Internet.

En plus des points couverts par les autres critères d’évaluation, chaque support a une valeur propre, qui dépend de sa visibilité, en termes d’emplacement ou d’importance (nombre d’exemplaires), et de l’impact obtenu, que ce soit pour des questions de prestige ou de crédibilité. Lorsque les droits de reproduction pour plusieurs supports sont cédés en même temps, un prix réduit peut être négocié pour chacun, comme c’est l’usage pour les achats en gros. Mais si un support doit être ajouté à la liste après

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LE GUIDE DE TARIFICATION

la signature du contrat, il faut alors qu’un nouveau document soit rédigé à cette fin, indépendamment de l’entente initiale ; les droits liés à la reproduction sur ce support sont alors payés au plein prix, comme un achat à l’unité. Il n’est pas toujours possible de prévoir tous les supports sur lesquels une illustration sera utilisée – particulièrement dans le domaine de la publicité, où le placement-média se fait souvent après la réalisation de l’illustration. Dans un tel cas, des options d’ensemble peuvent être négociées au lieu des différentes applications.

clause peut aisément être ajoutée au contrat pour stipuler que l’artiste n’utilisera pas les droits qui restent en sa possession à des fins qui entreraient en conflit avec les droits concédés. Outre les bénéfices qui résultent des contrats de réutilisation, une telle entente permet à l’artiste de publier l’illustration sur un autre support pour son propre compte. La vente de reproductions en galerie, par exemple, peut lui rapporter autant, sinon plus, que les revenus provenant d’une page de publicité ou d’une couverture de livre.

par exemple :

l’ampleur du tirage

T  out périodique, y compris les suppléments qui y sont encartés ; T  oute annonce au point de vente, y compris la publicité postale ; T  out affichage, à l’exclusion des annonces au point de vente ; T  oute utilisation télévisée ou cinématographique.

Certaines entreprises préfèrent opter pour la sécurité en achetant en bloc les droits pour l’ensemble des supports existants (buyout). Sachez qu’Illustration Québec s’est clairement positionné contre cette pratique. Nous encourageons fortement les artistes à ne jamais signer un tel contrat, à moins bien entendu que le montant de la rémunération octroyée soit conséquent. Cette pratique est souvent adoptée comme une solution de facilité ou un automatisme lorsque vient le temps de coucher sur papier la liste des droits désirés. Peu d’entreprises ont réellement besoin d’acquérir tous les droits possibles et imaginables sur une illustration donnée ; en fait, elles ne cherchent souvent qu’à obtenir l’exclusivité de façon à ce qu’aucune autre utilisation n’entre en compétition avec leur campagne. Recourir à une telle tactique est un peu comme si l’on abattait une forêt entière pour avoir l’exclusivité d’un arbre. Du point de vue de l’artiste, même si la majorité des droits est réclamée inutilement, le devis doit être rédigé comme si tous les médias allaient afficher simultanément son œuvre. Un prix maximal doit alors être réclamé pour le travail, ce qui peut être une source de friction si l’entreprise ne s’attend pas à ce qu’on lui présente un tarif à la hauteur de ses exigences. Placées devant cette situation, la plupart des entreprises trouvent généralement qu’il est plus économique d’acquérir des droits limités, quitte à signer un nouveau contrat si jamais leur plan de diffusion s’étend à des supports supplémentaires. Pour aplanir les remous éventuels, une

Idéalement, les frais d’utilisation de chaque image devraient toujours être proportionnels au nombre d’exemplaires qui en sont tirés. C’est le système qui est employé lorsque les droits sont prélevés à même les ventes. Dans le domaine du livre, par exemple, la plupart des maisons d’édition versent 10 % des revenus aux auteurs d’un album (illustrateur + auteur, soit 5 % chacun). Malheureusement, cette méthode ne peut pas être appliquée partout ; le nombre de personnes qui contribuent à un périodique, par exemple, rend un tel partage extrêmement difficile. On préfère donc verser un paiement forfaitaire pour chaque contribution ; en théorie, cette somme représente la part de l’artiste sur les revenus anticipés. Dans de telles circonstances, les artistes qui désirent rentabiliser leur production limiteront le plus possible la quantité d’exemplaires pour lesquels le droit d’utilisation a été accordé. Pour un périodique, il suffit de préciser dans quel numéro de la publication l’illustration est autorisée à paraître ; pour d’autres types de paiements forfaitaires (par exemple, pour des cartes de souhaits), le nombre de reproductions autorisées devrait toujours être mentionné sur le contrat. Une autre solution consiste à indiquer que l’entente porte sur le premier tirage de l’œuvre, ou à mentionner une limite au-delà de laquelle un supplément doit être versé. Cette clause constitue une protection contre les rééditions non autorisées, et fournit à l’artiste un revenu supplémentaire si la popularité de l’œuvre excède les prévisions. Le tirage d’une publication qui paraît en plusieurs langues est déterminé d’après le nombre total d’exemplaires publiés, toutes langues confondues.

l’étendue du territoire Lorsque le nombre de reproductions ne peut pas être déterminé (par exemple, lors de la diffusion d’une image télévisée), les frontières géographiques constituent le meilleur moyen d’évaluer l’importance de l’utilisation.

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CHAPITR E 11

le prix varie alors en fonction du territoire couvert :

du domaine public ; elle peut alors être utilisée par quiconque démontre son intérêt.

É  chelle d’une grande ville : tarif régulier

la surface occupée

É  chelle provinciale : 150 %

Nous l’avons vu, la taille d’un original n’affecte jamais le coût des droits concédés. Par contre, il n’en va pas ainsi de la surface que l’illustration occupe sur le support final. Un même dessin ne rapportera pas le même revenu s’il est imprimé sur une pleine page ou en vignette de deux centimètres carrés. La grandeur prévue doit donc être spécifiée lors de la commande ; une fois l’entente signée, cette taille ne peut pas être modifiée sans qu’une compensation adéquate ne soit versée. Le tarif d’une reproduction apparaissant sur une page sans texte sera calculé comme si l’illustration occupait la page entière. Dans le cadre d’un tel calcul, la légende, le nom de l’artiste, le titre de l’œuvre et les détails techniques ne constituent pas une quantité de texte suffisante pour justifier un tarif inférieur. Par ailleurs, une illustration servant de toile de fond pour d’autres éléments ne rapportera pas nécessairement le même montant que si elle avait été exempte de toute superposition. Une image partiellement recouverte de texte ou un décor peint derrière une photo ne sont que deux exemples ; non seulement la surface réelle de la reproduction s’en trouve-t-elle réduite, mais on peut aussi argumenter que l’attention du public sera alors partagée entre les différents plans de la composition. Tout comme le prix d’un espace publicitaire, les tarifs varient également selon l’endroit où l’image est utilisée. C’est le cas de la couverture d’une publication ou, plus rarement, de ses pages centrales ou impaires (le côté droit bénéficiant d’une plus grande visibilité quand on feuillette le produit). Certaines maisons offrent même un supplément lorsqu’elles reprennent un extrait de l’œuvre en plusieurs endroits (y compris la page où figure le sommaire de la publication). Cette pratique mérite d’être encouragée, et le nombre d’emplacements prévus devrait toujours être consigné sur le bon de commande ou le contrat.

É  chelle nationale : 300 %

Fixer une limite territoriale permet à l’artiste de multiplier ses gains lorsque des maisons différentes sont susceptibles d’éditer une de ses œuvres dans leur région respective. Par exemple, l’artiste qui autorise la distribution d’un album jeunesse pour un marché précis (Québec, Canada, pays francophones, etc.) peut ensuite permettre à une autre entreprise de publier sa propre édition du même livre sur un territoire distinct. Cependant, si l’entente originale ne comporte aucune limite, un tel arrangement ne pourra être conclu que par la maison d’édition ayant signé le premier contrat – qui retiendra alors une bonne part des profits provenant des publications à l’extérieur de son territoire.

la durée de la licence Il n’existe pas de durée standard au-delà de laquelle un contrat devient excessif. Par contre, la plupart des périodiques n’ont besoin des droits que le temps d’un numéro. Rares sont les campagnes publicitaires qui utilisent la même illustration pendant plus de deux ans. Et dans le domaine du livre, la vie d’une première édition dépasse rarement dix années. Quoi qu’il en soit, il n’est jamais bon de concéder les droits à vie sur ce que l’on crée ; en plus de constituer un lien que le temps peut rendre gênant, un contrat qui ne comporte aucune limite prive l’artiste de tous les revenus qui pourraient survenir au-delà de la période où l’œuvre est réellement utilisée. Les ententes où figure une clause à vie doivent donc être soit révisées, soit assorties d’un prix qui compense cette exigence exceptionnelle. Bien que cela puisse sembler évident, il est important de souligner que les droits acquis par une personne donnée ne peuvent pas être revendus par celle-ci pour une durée excédant les limites de son contrat avec l’artiste. Par exemple, si une entreprise désire traduire un livre pour lequel une maison d’édition ne possède plus que trois ans de droits, seule cette période peut faire l’objet de la transaction entre les deux compagnies. Après l’expiration de la licence, l’entreprise qui publie la traduction devra faire affaire directement avec l’artiste. La durée au cours de laquelle la Loi protège une illustration au Canada est de 50 ans après la mort de l’artiste (ou, dans le cas d’un travail réalisé à plusieurs, 50 ans après la mort de la dernière personne vivante qui y a collaboré). Une fois ce délai écoulé, l’œuvre fait partie

l’utilisation de la couleur À égalité des autres facteurs, une illustration imprimée en couleur coûtera généralement entre 25 et 50 % plus cher que sa contrepartie en noir et blanc. Il ne s’agit ici que de la valeur des droits concédés ; la complexité, la précision et la technique employée peuvent faire monter le prix bien au-delà de cette limite. Note : l’ajout de couleurs sur un dessin commandé en noir et blanc constitue une violation du droit moral si cette question n’a pas au préalable été discutée avec l’artiste.

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LE GUIDE DE TARIFICATION

critères de réalisation

la difficulté de la conception En publicité, la personne qui illustre une campagne est rarement celle qui en a trouvé l’idée. La plupart du temps, les pigistes reçoivent toutes les indications nécessaires à l’exécution du produit fini, du concept de base à l’emplacement réservé à chaque élément visuel ; dans certains cas, un croquis du dessin à réaliser leur est même fourni par l’agence. La virtuosité technique est tout ce qu’on leur réclame, et les initiatives personnelles ne sont pas vues d’un très bon œil. Dans un tel contexte, un paiement additionnel doit être versé aux artistes si on les invite à participer aux séances de conception. Le montant peut être calculé selon un taux horaire ou selon un pourcentage du contrat total. La difficulté du thème, l’ampleur de la contribution et l’originalité du résultat sont les principaux facteurs qui influencent le tarif demandé. Ceci est particulièrement vrai pour les manuels scolaires ou des publications techniques : plus les contraintes sont nombreuses, plus le tarif devrait être élevé. En illustration éditoriale, par contre, la situation est exactement l’inverse. L’artiste s’exprime ici en son propre nom, et les indications préalables constitueraient bien plus un handicap qu’un soutien à la création.

la durée de la recherche Bien des contrats exigent qu’une solide documentation soit amassée avant la production de la première esquisse. Cette recherche prend de nombreuses formes : l’artiste peut se rabattre sur ses archives personnelles, rechercher des images sur Internet, visiter des bibliothèques publiques ou créer ses propres sources pour l’occasion (séance de photographie, construction d’un prototype, travaux d’après modèle). La recherche inclut aussi les démarches qui confirment l’originalité d’un concept, les croquis qui permettent de développer le produit et les tests qui en vérifient l’efficacité (pré-maquette, simulation, sondage). Pour évaluer le coût de ce travail, on peut se baser sur un tarif fixe pour chaque démarche ou un taux horaire distinct de celui qui est réservé à la création. L’estimation doit prévoir un montant suffisant pour couvrir les imprévus, et inclure la consultation du matériel que l’on possède déjà – les pigistes qui font preuve de prévention ont autant de mérite que les artistes capables d’improviser au pied levé. Étant en principe les gens les mieux renseignés sur le sujet, les responsables du projet peuvent fournir une partie du matériel nécessaire, mais l’artiste est la seule personne apte à juger de la qualité de cette documentation. Aussi importe-t-il de bien l’étudier avant de rédiger une soumission,

car le matériel soumis peut ne pas correspondre à toutes les attentes (une photo de face pour un portrait de profil, une expression indésirable, un éclairage insuffisant). Si une pièce cruciale dépend de la disponibilité d’une source précise, il est préférable de consulter les personnes en question avant de fixer la date de livraison du produit. Les gens dont le portrait doit être fait, par exemple, n’ont généralement pas un horaire qui peut être contrôlé par l’artiste. Dans de telles circonstances, il est important de mentionner que l’échéancier dépend de ce genre d’impondérables ; une autre solution consiste à ne discuter que de la durée prévue pour la création, à partir du moment où la recherche est complétée.

la fréquence des rencontres Le temps des illustrateurs a la même valeur que celui des gens qui les consultent. Lorsque ce sont les artistes qui se déplacent pour participer à une réunion, les heures passées hors du studio sont facturées selon un taux horaire fixe ; pour ce qui est des rencontres les plus courtes, on peut même déterminer un montant minimum en dessous duquel il sera plus rentable de faire appel à un service de livraison. Les coûts à prévoir pour de telles rencontres varient en fonction du nombre d’étapes (remue-méninges, approbation des croquis, esquisses poussées, modifications, produit fini, retouches et présentation) et du nombre d’intermédiaires (représentant, personne-contact de l’agence, directeur artistique, responsable du projet, directeur de l’agence, contact auprès de la firme cliente, responsable de la mise en marché, directeur de la firme cliente). Le temps passé sur la route et dans les salles d’attente est facturé au même taux. Notons que l’usage d’un télécopieur ou d’un service de courrier permet non seulement de réduire ces frais, mais aussi de transformer ces coûts intangibles en factures remboursables.

la complexité de la commande Dans la mesure où ce sont des contraintes prédéterminées auxquelles l’artiste doit se conformer, la quantité de détails, la précision réclamée dans la finition et la création de l’image en fonction d’une maquette qui sort de l’ordinaire sont autant de facteurs qui affectent la difficulté de la réalisation. Une commande qui exige la mise en place de nombreux éléments (personnages, objets, éléments graphiques, etc.) sera donc facturée en fonction de ce critère, et ce, quelle que soit la rapidité de l’exécution. Par contre, lorsque la difficulté résulte d’une question de style ou d’une décision personnelle de l’artiste à qui on a laissé pleine liberté, le tarif relèvera plutôt du critère relatif à la qualité souhaitée. La complexité

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CHAPITR E 11

est alors une question distincte des particularités d’une commande et peut être négociée avec une plus grande flexibilité.

l’urgence des délais Si on se fie au nombre de commandes qui sont passées le vendredi après-midi pour le lundi suivant, les artistes n’auraient pas le même horaire que le reste de la population. Ce n’est pas tout à fait exact. Les artistes travaillent aux moments qui leur conviennent, mais leurs journées ne durent pas plus longtemps que celles de leur clientèle. Les pigistes qui suivent un horaire régulier peuvent en témoigner : leur temps devient généralement du temps supplémentaire au-delà d’une période de 7,5 heures par jour (ou 37,5 heures par semaine). Ainsi, une personne dont la semaine de travail est déjà mobilisée à 75 % est en droit de décider qu’elle ne peut accorder qu’une dizaine d’heures de temps régulier à un nouveau contrat. S’il est impossible de reporter l’ouvrage à la semaine suivante, le travail pourra être facturé en heures supplémentaires pour toute la période qui dépasse cette limite. Comme les revenus ne parviennent pas aux artistes sous la forme d’un chèque de paie, les heures supplémentaires peuvent être rémunérées de plusieurs façons. Par exemple, l’artiste dont le taux horaire régulier est de 60 $ et qui passe 8 des 12 heures d’un projet de 1 000 $ en temps supplémentaire peut, au choix : • Ajouter un supplément fixe de 25 % au montant total de la facture (à l’exclusion des dépenses engagées) : 1 000 $ + 25 % = 1 250 $ •• Ajouter un supplément de 50 % à la portion du total correspondant à ce qui a été exécuté en temps supplémentaire : 1 000 $ + [50 % x (1 000 $ x 8 / 12)] = 1 333 $ •• Ajouter un supplément équivalent à 50 % de son taux horaire pour chaque heure supplémentaire travaillée : 1 000 $ + [(50 % x 60 $) x 8 heures] = 1 240 $

On le constatera à l’usage, chacune de ces méthodes présente des avantages particuliers (la seconde méthode est préférable si on exécute plus de la moitié d’un travail en temps supplémentaire ; la troisième méthode, pour sa part, gagne à être appliquée si l’on a plutôt tendance à faire un grand nombre d’heures supplémentaires). Pour des questions de constance et d’éthique professionnelle, l’artiste ne devrait utiliser qu’une seule de ces méthodes après avoir trouvé celle qui convient le mieux au type d’urgence qui lui sont demandées le plus souvent. L’artiste est bien sûr libre de fixer son propre taux, surtout si le travail doit être exécuté lors d’un congé férié ou dans des délais très courts.

Ce taux doit être mentionné par écrit, particulièrement dans les cas où le nombre d’impondérables risque de faire déborder le travail du calendrier prévu. Il est également recommandé de réserver 20 à 25 % du temps total pour les imprévus et les corrections de dernière minute. Dans tous les cas, un relevé précis des heures consacrées à chaque contrat sera très utile à l’artiste, ne serait-ce que pour préparer un rapport d’activité éventuel. Un tel relevé doit pouvoir être consulté en tout temps, sur simple demande des responsables du projet. Bien entendu, cette méthode de facturation d’heures supplémentaires ne fonctionne pas toujours et ne peut pas être utilisée avec tous les clients. En effet, les budgets ne sont pas extensibles à l’infini et la peur de perdre le contrat peut souvent forcer certains illustrateurs à omettre de facturer le temps supplémentaire. Cependant, il est possible de négocier avec le client lorsque celui-ci a besoin d’une illustration dans un délai très court. La négociation peut porter sur d’autres aspects que sur le tarif. Ainsi, il est possible de demander en contrepartie d’être payé dans les 10 jours après réception des finaux, ou encore de recevoir une avance, par exemple. À ne pas oublier, la facturation de temps supplémentaire doit se faire en toute honnêteté. C’est-à-dire que le client qui demandera une illustration en urgence sera avisé que des frais de temps supplémentaire seront ajoutés à sa facture totale puisqu’il s’agit d’une urgence. En aucun cas cette solution ne doit être utilisée parce que l’artiste aura peiné à gérer son temps de travail pour un contrat qu’il avait accepté depuis un certain temps…

les commandes en gros La promesse d’une commande ultérieure ne suffit jamais à justifier qu’une image soit produite à tarif réduit. Cependant, de véritables achats en grande quantité permettent d’offrir un coût inférieur par unité, comme cela se fait constamment dans le monde des affaires. Les films d’animation et les livres scolaires bénéficient souvent d’une telle clause, puisqu’ils procurent du travail sur une très longue période. Toutefois, le travail souspayé, même prolongé pendant plusieurs mois, demeure toujours du travail sous-payé. Qui plus est, ce genre de contrat présente le désavantage de monopoliser l’artiste au détriment d’autres projets, sans pour autant offrir la sécurité financière d’un emploi à plein temps. La production se fait généralement par tranches successives, le matériel à illustrer étant envoyé à mesure qu’il est rédigé par la maison de production. Lorsque le flot est interrompu, l’artiste cesse d’être rémunéré ; il lui est cependant impossible d’accepter d’autres contrats, car la reprise soudaine des

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LE GUIDE DE TARIFICATION

activités risque de l’empêcher d’honorer ses engagements. Pour pallier cet inconvénient, une commande en gros doit toujours comporter un échéancier mensuel et les clauses suivantes : N  ombre garanti d’illustrations pour chaque période  donnée ; P  aiements à intervalle fixe et non sur livraison du  projet ; A  nnulation de la priorité en cas d’arrêt momentané de la production (l’artiste peut honorer d’autres commandes avant de se remettre au travail) ; T  ravail facturé en temps supplémentaire si le délai initialement convenu n’est pas repoussé après un arrêt imprévu.

critères personnels la taille de l’entreprise

Le succès d’une entreprise se mesure souvent au montant qu’elle est prête à dépenser pour sa promotion, aux sommes qu’elle exige pour promouvoir d’autres personnes et, ultimement, aux profits qu’elle partage avec ses partenaires. Puisque les artistes sont des partenaires, c’est normal qu’ils tiennent compte de la taille de l’entreprise pour faire leur évaluation, même si la façon dont cette information affecte leur devis reste strictement personnelle. Il leur suffit pour cela de jeter un coup d’œil au rapport annuel de la compagnie, à sa place sur le palmarès des affaires, de même qu’aux grilles de tarifs qu’elle offre ou qu’elle utilise. La position de l’entreprise par rapport à la moyenne du marché est un bon indice du tarif qui lui correspond sur l’échelle de prix. Si la firme qui requiert les services de l’artiste vend de l’espace publicitaire dans sa propre publication, il est toujours possible de fixer le prix en fonction des tarifs qu’elle réclame elle-même à de tierces personnes ; si ce n’est pas une maison d’édition, mais que l’illustration doit néanmoins paraître dans un périodique, les tarifs de la publication en question feront aussi bien l’affaire.

la sécurité financière de l’artiste Rappelons tout d’abord que ce facteur, comme tous les critères de réalisation et tous les critères personnels, ne permet pas de réduire la valeur des droits concédés, qui est uniquement fixée en fonction des critères d’utilisation. Les besoins financiers des pigistes peuvent bien sûr influencer leur désir de décrocher un contrat, mais seul le travail en studio peut être exécuté à rabais. Et même sur ce point, l’artiste gagnera toujours à exiger des tarifs aussi uniformes que possible. Plusieurs raisons justifient une telle approche. Les plus évidentes sont le respect de soi et la nécessité de se comporter avec un maximum de

professionnalisme. L’artiste qui se positionne en dessous de la moyenne laisse planer un doute sur la qualité de son travail (personne n’ayant les mêmes goûts, le prix est souvent considéré comme un élément déterminant dans le monde des arts). Loin d’augmenter son chiffre d’affaires, le recours aux réductions lui bâtit une réputation de gagne-petit ; cela risque de ne plus lui permettre de décrocher de contrats de haut calibre, perpétuant ainsi le cercle vicieux que la baisse des tarifs a instauré. Qui plus est, cette attitude dévalue l’ensemble du marché. À partir du moment où une illustration rapporte un montant inférieur à sa valeur réelle, tous les travaux du même type sont susceptibles d’être affectés par la chute des cours. Sans nécessairement faire preuve de mauvaise foi, les bénéficiaires d’un tarif réduit se mettent à planifier leurs budgets en fonction de cette expérience, et le cas servira bientôt de précédent pour abaisser les tarifs offerts à d’autres pigistes. Lorsque la situation se généralise, les gens qui ont « temporairement » réduit leurs prix se retrouvent alors face à un marché où il n’est plus possible de remonter la pente. En d’autres termes, le coût d’une illustration ne devrait pas être plus flexible que celui de l’impression ou de la direction artistique. Au bout du compte, si l’on tient à bénéficier d’un service de bonne qualité de la part de l’artiste, il serait contre-productif de ne lui offrir qu’un piètre tarif. Dans le cas où une rémunération raisonnable ne peut vraiment pas être accordée, ce sont les exigences du contrat qui devraient être modifiées – comme ce serait le cas dans tout autre type de transaction.

l’expérience de l’artiste Un grand nombre d’années de métier ne garantit pas nécessairement l’originalité d’une illustration, mais c’est un facteur très prisé par les entreprises qui ne veulent pas prendre de risque. L’expérience de l’artiste permet d’éviter les problèmes de communication lorsqu’on passe les modalités du contrat en revue. Cela sous-entend que les écueils de production les plus fréquents seront évités. L’exécution sera compétente, le produit livré à temps, et le résultat conforme aux exigences techniques. De plus, il y a fort à parier qu’une personne qui est en affaires depuis longtemps a trouvé son créneau et satisfait la majorité de sa clientèle. Tous ces éléments ont une valeur aux yeux d’une entreprise : ils permettent de gagner du temps, ils rassurent les responsables et ils annoncent le professionnalisme du résultat. Dans un métier où les principes d’avancement et d’ancienneté n’existent pas, ces qualités ne peuvent se traduire que par une augmentation de tarifs pour l’artiste d’expérience, s’il se donne lui-même

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la peine de la faire valoir. Le taux de l’augmentation est laissé à la discrétion de l’artiste. On peut établir une échelle d’expérience en distinguant les artistes ayant moins de 2 ans, de 2 à 5 ans, plus de 5 ans et plus de 15 ans d’expérience.

Bien des contrats d’illustration exigent un savoir qui relève d’une formation spécialisée. L’infographie, l’animation, le dessin technique, la retouche photographique et l’illustration médicale ne sont que quelques exemples de domaines où l’on peut difficilement accepter un contrat si l’on ne dispose pas des connaissances liées à l’utilisation des appareils ou au respect des normes propres à ces milieux. Contrairement à l’expérience, l’expertise ne se mesure pas en années de métier. Elle dépend uniquement des habiletés qui distinguent quelques artistes de la masse. Dans son sens le plus large, l’expertise peut aller de la caricature au dessin de mode, et de la maîtrise d’un certain style au développement d’une technique unique sur le marché. La façon dont l’estimation des tarifs est influencée par l’expertise dépend du nombre de personnes avec qui on partage ces connaissances et du niveau de maîtrise que l’on peut démontrer dans le domaine.

souvent d’un statut particulier auprès des agences de publicité et des maisons d’édition – que ce soit sous la forme d’une création au prix coûtant ou de l’espace accordé sans frais dans un périodique. Lorsqu’aucun profit monétaire ne sera retiré de la diffusion d’une illustration, bien des pigistes envisageront la possibilité d’œuvrer à tarif réduit. Les campagnes à but non lucratif ne sont pas épargnées par les questions d’éthique. Même si l’on ne cherche pas à relier le nom de l’artiste à un produit donné, une certaine association est toujours inévitable aux yeux du public. C’est ce qui fait qu’en cette ère de responsabilité sociale, personne ne peut se dispenser de vérifier si le travail qu’on lui propose correspond bien aux principes qui régissent sa vie privée. L’écologie, les droits de la personne, la santé et la politique ne sont que quelques-unes des causes au nom desquelles on peut refuser de collaborer à un projet particulier… ou, au contraire, faire don de certains droits de reproduction. Un problème d’éthique ne peut cependant pas être invoqué pour faire grimper le coût d’un travail de création, pas plus que la portée sociale d’un projet ne provoque automatiquement une baisse des prix. Comme tous les autres critères personnels, ce facteur a l’importance que l’artiste lui accorde.

la réputation de l’artiste

l’attirance éprouvée pour le projet

Lorsque l’identité de l’illustrateur compte autant, sinon plus, que l’illustration commandée par l’entreprise, le tarif peut être augmenté pour couvrir non seulement les droits de reproduction, mais aussi l’utilisation que l’on fait du nom et de la réputation de l’artiste. Le cas est comparable aux campagnes publicitaires qui font appel à une personnalité connue qui constitue, dans certaines limites, une caution accordée à un produit donné. Cette décision ne peut pas être prise à la légère ; l’artiste devrait toujours s’assurer de l’intégrité du projet et de l’entreprise qui en bénéficie avant d’y associer sa réputation. Dans un autre ordre d’idées, un nombre croissant de contrats prévoient une augmentation du tarif si le nom de l’auteur n’est pas mentionné, que ce soit sous la forme d’une signature ou d’une légende en marge de l’image. La signature étant le principal moyen dont l’artiste dispose pour diffuser sa renommée, sa publication constitue bien plus qu’une simple question de vanité ; elle assure carrément sa subsistance, en lui procurant de nouveaux contrats et en soulignant sa présence sur la place publique.

Tout simplement parce qu’ils sont plaisants à exécuter, les projets originaux, sympathiques ou amusants mériteront souvent les faveurs des pigistes, même si leur horaire s’y prête difficilement. Les tarifs exigés reflètent parfois cette attitude – que ce soit pour retourner la faveur ou parce que la difficulté d’exécution semble disparaître dans de telles circonstances. L’acceptation d’un projet peut également dépendre de l’attrait des bénéfices marginaux. Un voyage tous frais payés, le prestige d’un produit inusité, un nombre élevé de tirés à part ou une ambiance de travail chaleureuse sont autant d’avantages qui ne peuvent pas être comptabilisés de façon officielle. Ils n’en demeurent pas moins des facteurs qui touchent le cœur de l’artiste, et leur influence n’est pas négligeable lors de la procédure d’évaluation.

l’expertise de l’artiste

la portée sociale du projet Les œuvres de bienfaisance, les campagnes éducatives et les entreprises culturelles bénéficient

la qualité souhaitée Jusqu’à maintenant, tous les critères n’ont traité que des circonstances entourant le processus de création. L’argument final concerne l’œuvre ellemême, et consiste à se demander si l’entreprise qui passe la commande désire obtenir le travail le moins cher ou la meilleure illustration possible. Cette question est loin d’être aussi cynique qu’on pourrait le croire à première vue. En effet, les

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LE GUIDE DE TARIFICATION

deux catégories correspondent à des besoins réels ; les consommateurs du monde entier font ce genre de choix à tout moment, et ce, quel que soit le type d’achat concerné. Recherchet-on le produit le plus abordable ou ne fait-on confiance qu’aux créations haut de gamme ? Les critères précédents constituent un bon élément de réponse. En effet, il serait absurde d’engager une personne d’expérience et de se lancer dans une campagne multimédia à l’échelle nationale si l’on veut en fait que le résultat coûte aussi peu que possible. Les économies ne pouvant pas se faire uniquement au niveau du travail d’artiste, les conclusions auxquelles on arrive quant à la qualité souhaitée doivent être en accord avec l’ensemble des décisions antérieures. Si vraiment c’est le plus bas prix qui est visé, il faut comprendre que le montant offert ne permettra à l’artiste que de consacrer un minimum d’efforts à la tâche. Cela ne signifie pas que l’œuvre sera bâclée, mais plutôt que l’artiste fera pour le mieux avec les moyens qui sont mis à sa disposition. Le temps accordé à la réflexion pourrait être court, et le travail, rapidement accompli. Au besoin, plusieurs raccourcis s’avèreront nécessaires pour simplifier le tout (fond blanc, dessin sobre, couleurs unies, etc.) sans toutefois sacrifier la qualité du travail final. Par contre, une illustration de haut calibre fera preuve de moins de retenue et de plus de minutie. Elle coûtera plus cher et sa réalisation nécessitera plus de temps, mais le produit fini n’en sera que plus efficace, ce qui sous-entend la possibilité de répercussions économiques plus élevées après sa publication. Qu’elle soit complexe ou non, une œuvre de grande qualité ne représentera donc pas nécessairement un plus grand déboursé si l’on tient compte des revenus à moyen terme. Il ne faut pas oublier que les entreprises les plus soucieuses de leur budget sont malgré tout sensibles à la beauté pure et simple d’une illustration – surtout lorsque celle-ci véhicule leur image de marque auprès du grand public. Cet argument devra être solidement étayé à l’étape de la négociation, mais il faudra inévitablement le considérer si la réputation de la compagnie entre en jeu. Ironiquement, plus les artistes se comporteront comme des gens d’affaires, plus les gens d’affaires, mis en confiance, se laisseront aller à apprécier la valeur artistique de l’illustration.

la procédure d’évaluation À première vue, il peut sembler difficile de fixer un prix en tenant compte de tous les critères énumérés dans cette section. Si l’on connaît bien le marché, ou si l’on a déjà travaillé avec les mêmes personnes pour un prix satisfaisant, quelques

légers ajustements permettront d’adapter un prix connu à un nouveau contrat. Cependant, les illustrateurs ayant moins d’expérience devraient considérer un à un les différents critères et y aller en plusieurs étapes. Il est inutile de vous précipiter. Prenez votre temps, car, par la suite, il sera trop tard pour modifier votre offre une fois qu’elle aura été envoyée. Bien entendu, vous devez conserver des marges de manœuvre. Autrement dit, présentez un tarif un peu plus élevé que celui que vous visez afin d’avoir un peu de jeu lors de la négociation. En effet, dans la plupart des cas, une négociation aura lieu entre le client et l’artiste. Cette dernière peut aussi bien porter sur le tarif que sur l’échéancier ou encore sur le mode de paiement.

11.3

LA SOUMISSION Lorsque le projet est modeste, un coup de téléphone suffit pour annoncer le résultat de l’évaluation aux responsables. Par contre, il arrive souvent que la soumission mérite d’être rédigée avec plus de précision, par exemple, dans les cas suivants : S  i le projet s’échelonne sur de nombreuses semaines ; S  i le montant alloué au projet nécessite l’approbation de plusieurs personnes ;

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CHAPITR E 11

S  i les critères d’évaluation gagnent à être expliqués en détail ; S  i plusieurs artistes sont en lice pour le même projet.

Dans de telles circonstances, il est préférable de rédiger un document résumant les arguments sur lesquels l’estimation est basée. Une présentation en personne ne suffit pas : si la soumission circule par la suite au sein de l’entreprise, le dossier sera alors la seule référence utilisable par l’artiste. Il faut donc veiller à ce que tous les renseignements pertinents soient consignés sur papier. Il est préférable de fournir le plus souvent possible une soumission papier pour deux raisons : la première dans le but de garder une trace écrite de vos échanges et de l’offre, la seconde pour offrir un service professionnel. L’image de marque véhiculée par le devis dépend du contenant comme du contenu. Le document doit avoir une allure professionnelle, mais sans excès : une pochette élégante, une couverture portant le nom du projet et la date de la soumission, une mise en page aérée. Les phrases doivent être courtes et les idées, clairement présentées – de préférence au moyen de listes ou d’énumérations bien ordonnées. On ne doit jamais chercher à dissimuler ce qui est le plus difficile à faire passer. Les détails qui n’ont pas été remarqués à cette étape ne feront que causer un conflit à une étape ultérieure, et les gens qui demandent une soumission détestent ce genre de surprises. Plutôt que de compter sur un débat judiciaire pour régler le problème, l’artiste et l’entreprise devraient toujours mettre cartes sur table. Si l’on anticipe certaines difficultés, des solutions doivent être suggérées en même temps que l’on en mentionne l’existence ; les questions les plus délicates n’en seront que mieux débattues. Selon l’ampleur du projet, la soumission peut occuper de deux à dix pages. Si l’on désire que des personnes qui n’étaient pas présentes lors de la rencontre initiale puissent en bénéficier, les éléments suivants doivent y figurer : 1. Résumé des informations obtenues lors de la rencontre 2. Positionnement de l’artiste par rapport au projet (facultatif)

Interprétation des données Direction proposée 3. Plan d’action Entrevues (avec qui ? sur quel sujet ?) Recherche (de quoi ? à quels endroits ?) Croquis préliminaires (combien ? méthode de sélection ?) Approbation des croquis (par qui ? où ?) Esquisse (avec quelle précision ?)

Approbation de l’esquisse (par qui ? où ?) Finalisation (comment ? type de présentation ?) Approbation du final (par qui ? où ?) Corrections éventuelles (dans quelles limites ?) Suivi (quelles tâches ? à quels endroits ?)

4. Échéancier Généralités (disponibilités, heures de travail) Calendrier (durée des étapes, dates de remise) Conditions (responsabilités face aux imprévus) Variantes (heures supplémentaires, taux)

5. Coûts Utilisation (droits de base, extensions) Réalisation (recherche, rencontres, délais) Dépenses (achats, services, embauche)

6. Modalités de paiement Conditions (versements, délais, intérêts de retard) Frais divers (corrections, abandon, dommages) Mentionner la durée de validité de l’offre (ex : prix valide pour deux semaines)

7. Annexes N otes biographiques, curriculum vitae, prix remportés R éférences, liste de contrats antérieurs,  bibliographie Coupures de presse, extraits de critiques Tirés à part, imprimés, articles promotionnels

Une soumission doit donner des renseignements aussi complets que possible ; les documents les plus détaillés (mais sans longueur) sont souvent les plus appréciés. Dans la mesure du possible, on ne doit rien laisser « à confirmer », quitte à préciser que les montants ne constituent que des approximations sujettes à changement. Il est important que la soumission soit perçue comme un document de travail, et non comme un produit définitif. Elle sert uniquement de base pour la négociation, et les prix qui y sont cités peuvent encore être discutés. Les remarques informelles, les suggestions et les possibilités de compromis peuvent être réunies dans une lettre d’accompagnement, personnellement adressée à la personne rencontrée plus tôt. Pour les contrats d’envergure, il est préférable de ne laisser le dossier entre les mains des responsables que si l’accueil qui lui est réservé semble favorable. Dans le cas contraire, le document devrait être révisé en fonction des réactions obtenues avant de circuler dans l’entreprise (voir la section « Négociation » dans le chapitre 12). Au cas où la soumission serait acceptée telle quelle, il est préférable d’y joindre un bon de commande ou un contrat prêt à être signé. L’essentiel de la soumission devrait y être résumé (particulièrement en ce qui concerne le plan d’action et l’échéancier). Si ces informations sont trop complexes, la mention « en accord avec la procédure présentée dans la soumission ci-jointe » peut figurer sur le document qui doit être signé.

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LE GUIDE DE TARIFICATION

11.4

STAGNATION DES PRIX L’enquête sur le marché de l’illustration au Québec et en Amérique du Nord, menée par Illustration Québec en 2007, dresse un portrait de la situation des tarifs dans le domaine de l’illustration. Cette étude démontre que la concurrence n’a cessé de croître ces dernières années. D’une part, notons l’accroissement du nombre de concurrents, que ce soit les autres illustrateurs, les graphistes ou encore les banques d’images, sans compter la mondialisation de ces marchés. En effet, la concurrence n’est plus locale, mais bel et bien internationale. D’autre part, il y a la multiplication des supports de diffusion, qui visent de plus en plus des créneaux bien précis (c’est ce que l’on appelle la segmentation du marché). Cette double multiplication (support et concurrence) a une incidence directe sur les prix, qui se nivèlent de plus en plus vers le bas. Nous sommes bien loin des années glorieuses, soit les années 1980 et 1990, où le domaine de la publicité était en plein essor et possédait des budgets presque illimités. Actuellement, il est rare de trouver des illustrateurs vivant uniquement de deux ou trois gros contrats par année. La norme aujourd’hui est plutôt d’avoir à accomplir une multitude de petits contrats pour arriver à un salaire annuel respectable. L’avantage est que cela stimule continuellement la créativité, la performance et repousse les limites de l’artiste, surtout si on lui impose des contraintes de création. C’est ce contexte qui explique que les prix n’aient pas réellement augmenté depuis plusieurs années ; on pourrait même avancer que pour un grand nombre de clients (toutes les publications, par exemple), les tarifs ont chuté, entraînant avec eux la diminution des délais de production. En d’autres mots, on veut des résultats plus vite pour moins cher.

NON aux contrats inintéressants, même s’ils pourraient vous ramener de l’argent. Dites non à un « buy out », à la cession complète de vos droits. Vous êtes dans une situation, en tant qu’artiste, où vous avez le pouvoir de faire vos choix et, conséquemment, de dire NON. N’ayez pas peur des conséquences qu’entraîne un refus, il sert à vous protéger des abus et à empêcher que vous subissiez des injustices.

11.6

COMMENT RECONNAÎTRE UN CLIENT À PROBLÈMES Bien entendu, les clients à problèmes ne sont pas la norme, mais certains cas nous ont été rapportés. C’est sur la base de ces anecdotes que la liste qui suit a été conçue. Il n’y a pas de règle d’or ni de démarche qui puisse vous empêcher de tomber sur un client à problèmes. Il faut donc être vigilant. Dans le doute, la meilleure technique reste de s’abstenir. Toutefois, il ne faut pas avoir peur de vous adresser à votre association ou à des collègues illustrateurs, qui sauront vous aider et vous conseiller. Voici quand même de petits indices qui peuvent vous mettre la puce à l’oreille... D  ès le départ, l’attitude du client et son approche vous paraissent louches ; Il est contre toute forme de contrat ou d’entente écrite ; Il vous assure que vous êtes son premier choix, mais vous apprenez entre les branches que vous êtes le énième illustrateur qu’il approche ; Il tarde à répondre à vos questions ; Il reste toujours dans le flou lorsque vous lui posez des questions précises sur le projet, son envergure, les délais, etc.

11.5

11.7

L’IMPORTANCE DE DIRE NON…

LE TRAVAIL GRATUIT (CODE ÉTHIQUE)

Dire NON à quoi ? À la surexploitation et aux modifications incessantes des clients trop minutieux. Soulignez que le prix que vous proposez suppose que les corrections et modifications seront limitées à un nombre prédéterminé. Sans cela, vous risquez d’être exploité ! Il est important de dire NON également aux tarifs inférieurs à ceux du marché actuel. Dites

En ce qui concerne cette problématique, vous pouvez vous référer au code éthique d’Illustration Québec qui suit, à l’article 8 et 9 et à la section « Spéculation des pratiques relevant de l’éthique ou de son absence ». Sachez que nous sommes contre cette pratique. Tout travail mérite salaire. Un client devrait dans la mesure du possible baser son choix sur le portfolio de l’artiste. Dans

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CHAPITR E 11

le cas où le client demande un essai, celui-ci devrait être rémunéré.

seulement les droits relatifs à l’utilisation projetée par le client.

code d’éthique

code d’éthique

Ce code d’éthique contient les résolutions adoptées par l’assemblée générale de d’Illustration Québec. Nous invitons tous les membres d’Illustration Québec à se montrer solidaires des décisions collectives de l’association en s’inspirant du code d’éthique et en s’y conformant dans leur travail quotidien. Nous espérons obtenir la collaboration des clients et de l’ensemble des intervenants de notre industrie pour que ce code d’éthique soit de plus en plus utilisé et respecté.

l’illustration dans son ensemble Les illustrateurs sont des artistes graphiques, des créateurs d’images. Ils créent des images de styles divers à l’intention d’un large éventail de marchés. La plupart des illustrateurs sont des artistes indépendants qui ont leur propre studio et servent plusieurs clients. C’est ce qui les distingue des artistes salariés qui demeurent à l’emploi d’un seul organisme. Certains illustrateurs embauchent un agent pour promouvoir leurs services auprès de clients éventuels. Cependant, la plupart des illustrateurs se chargent eux-mêmes de leur promotion. Les illustrateurs utilisent plusieurs techniques pour produire des images. L’illustrateur doit connaître les différentes techniques servant à reproduire ses œuvres - notamment les méthodes d’impression et de séparation de couleurs - afin de bien contrôler la qualité de l’image lors de l’impression finale. Pour s’inspirer dans la préparation et la réalisation de ses œuvres, l’illustrateur utilise plusieurs documents de référence tels que les coupures de presse, les photos et les livres d’images. Les droits d’auteur et l’original d’une illustration constituent deux propriétés distinctes. Les droits de reproduction peuvent être négociés pour des utilisations limitées. Le prix est alors déterminé en fonction de paramètres usuels comme la date de tombée, les frais généraux, la complexité du style, l’utilisation projetée et le marché visé. L’original se vend séparément des droits d’auteur, sinon, il demeure la propriété de l’illustrateur. Habituellement, le client n’achète que les droits de reproduction dont il a besoin pour sa publication ou sa campagne publicitaire. L’artiste peut vendre à nouveau des droits d’utilisation de la même œuvre à d’autres clients, à condition de ne pas entrer en compétition avec le client initial et de ne pas compromettre son marché. Il est recommandé, en tout temps, de négocier

1 L’artiste ou son agent ne devrait négocier qu’avec des personnes dûment mandatées pour représenter le client.

2 Toutes les commandes doivent être confirmées à l’artiste ou à son agent par écrit. L’artiste ne sera tenu à l’exécution de ses obligations qu’à compter du moment où il est en possession d’un exemplaire du contrat. Celui-ci doit être rédigé en deux exemplaires et inclure les éléments suivants : L  e nom de la compagnie ou de la personne physique à qui l’artiste accorde une licence de  reproduction ; U  ne autorisation de reproduction détaillée mentionnant le titre de l’œuvre, sa description, les supports de reproduction, le nombre d’exemplaires, la durée d’application, les limites du territoire de diffusion, la transférabilité ou la non-transférabilité à des tiers de l’autorisation de reproduction ; L  e droit de propriété sur l’œuvre originale ; L  a contrepartie monétaire due à l’artiste ainsi que les modalités de paiement ; S  ’il s’agit d’édition, la périodicité selon laquelle le diffuseur rend compte à l’artiste des opérations relatives à l’œuvre visée par le contrat, à l’égard de laquelle une contrepartie monétaire est due après la signature du contrat (exemple : pourcentage des ventes) ; L  a signature des deux parties.

3 L’artiste devrait faire approuver et signer les esquisses par le client avant de poursuivre la production d’une illustration finale. Toute modification attribuable à un changement d’avis du client (plutôt qu’à une erreur de l’artiste ou de son agent) devrait être facturée à l’acheteur sous forme de frais supplémentaires.

4 Le client ne devrait pas payer de frais supplémentaires pour des corrections imputables à l’artiste. Seules les dépenses autorisées dans l’entente peuvent être facturées.

5 Le client ne devrait jamais modifier une image sans l’approbation de l’artiste (droit moral). Quand les délais le permettent et que la qualité

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LE GUIDE DE TARIFICATION

de son travail n’est pas remise en cause, l’artiste devrait avoir priorité pour effectuer lui-même les retouches qui s’imposent. Dans le cas où l’illustrateur ne peut le faire, le client devrait toujours faire approuver les corrections et changements à l’illustrateur dans le but de respecter le droit moral de l’artiste.

6 L’artiste devrait prévenir son client s’il entrevoit un retard dans la livraison de l’œuvre commandée. Si l’artiste ne parvient pas à livrer l’œuvre dans un délai convenable, s’il enfreint les dates d’échéance convenues ou si l’œuvre livrée ne se conforme pas aux exigences de la commande, le client peut invoquer une rupture de contrat par l’artiste et se dégager de toute obligation financière envers celui-ci.

7 Tous les projets interrompus par le client pendant leur exécution doivent être livrés immédiatement et facturés en proportion du travail déjà effectué et des dépenses engagées. Dans le cas d’un projet interrompu après que l’artiste ait complété l’œuvre finale, le client doit respecter le contrat en acquittant la totalité des frais convenus. En pareil cas, le client doit rendre les originaux à l’artiste, sauf si le contrat inclut un transfert de propriété des œuvres originales.

8 On ne devrait jamais demander à un artiste de travailler gratuitement en lui promettant des contrats rémunérateurs à l’avenir. L  ’original d’une œuvre exécutée par l’artiste (esquisse, illustration, etc.) demeure sa propriété, à moins qu’il n’ait cédé cette propriété par une clause particulière ou un contrat distinct. O  n ne devrait pas demander à un artiste d’exécuter un projet sans conclure un contrat en bonne et due forme.

9 Les concours d’illustrations à des fins commerciales constituent des pratiques abusives en raison de leur caractère incertain et spéculatif.

10 L’artiste et son agent ne devraient en aucun cas offrir de rabais, pot-de-vin ou boni au représentant du client contre l’attribution d’une commande. Réciproquement, l’acheteur ne devrait solliciter aucun pourboire, prime ou récompense personnelle en échange de sa décision.

s’y rattachent appartiennent à l’artiste, conformément à la loi sur le droit d’auteur.

12 L’œuvre originale et les droits d’auteur qui s’y rattachent sont deux propriétés distinctes de l’artiste. Il peut les négocier séparément. Le contrat devrait toujours mentionner séparément ce qu’il advient des originaux, d’une part, et des droits d’auteur, d’autre part.

13 Dans le cas où l’artiste vend une partie de ses droits d’auteur, seuls les droits d’utilisation nécessaires au client devraient être négociés. Tous les autres droits d’auteur non mentionnés dans le contrat demeurent la propriété de l’artiste.

14 Si l’artiste accorde une licence pour une utilisation limitée de l’œuvre et que le client la diffuse ensuite à une plus vaste échelle, ce dernier doit verser à l’artiste des redevances supplémentaires proportionnelles à l’utilisation.

15 Une œuvre réalisée en vertu d’une commande ne doit pas être considérée ni rémunérée selon les mêmes conditions qu’un travail d’employé.

16 Si le client désire utiliser des esquisses, des photos ou d’autres documents préliminaires acquis ou réalisés par l’artiste pendant l’exécution de son œuvre, il doit verser pour cela une somme supplémentaire adéquate.

17 Dans le cas où un artiste est embauché pour effectuer des recherches ou des esquisses préliminaires en vue de l’exécution finale de l’œuvre par un autre artiste, le client doit l’aviser de cette procédure et le contrat doit en faire mention. De même, si le client désire acheter des esquisses, photographies de référence ou autres documents préliminaires appartenant à l’artiste dans le but de faire exécuter une œuvre finale par un autre artiste, il doit en faire mention dans le contrat d’achat.

18 L’éditeur de toute reproduction d’œuvre d’art doit publier le nom de l’auteur en même temps que la reproduction (droit de paternité), à moins que l’artiste n’ait cédé ses droits d’auteur par un contrat écrit en échange d’une somme d’argent.

11

19

Dès sa création, l’œuvre et les droits d’auteur qui

On ne devrait jamais plagier une œuvre originale.

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CHAPITR E 11

20 Dans le cas où on demanderait à l’artiste de travailler dans des délais si courts qu’il doit travailler à des heures déraisonnables, des frais supplémentaires devraient être négociés.

21 Lorsqu’un artiste utilise les services d’un agent pour le représenter de façon limitée ou exclusive, les deux parties devraient négocier et signer un contrat officiel afin de protéger leurs intérêts respectifs. Dans le cas où l’artiste désignerait un agent, un studio ou une maison de production comme son représentant exclusif, il s’engage à n’accepter aucune commande d’un autre représentant. L’artiste refusera à tout autre représentant le droit de présenter ses œuvres à des clients.

22 Toutes les œuvres et tous les articles de promotion utilisés par l’agent pour représenter un artiste devraient porter le nom de l’artiste. Ni l’artiste ni son agent ne doivent s’attribuer le crédit d’une œuvre réalisée par un autre artiste.

bonnes relations entre les illustrateurs 1 Quand deux artistes sont consultés par un client ou appelés à présenter des soumissions à propos du même projet, ils ne devraient échanger aucun renseignement et conserver une discrétion absolue.

2 Un artiste ne devrait jamais ternir la réputation d’un autre devant le client.

3 Dans le cas où il embaucherait un collègue pour l’assister dans la réalisation de son œuvre, l’artiste négociera et signera un contrat pour clarifier l’état de la propriété de l’œuvre et des droits d’auteur qui s’y rattachent.

4 Un artiste ne devrait jamais inclure l’œuvre d’un tiers dans son portfolio. Cette pratique peut entraîner son expulsion d’Illustration Québec.

23

5

Une fois que son contrat de représentation est terminé, l’agent devrait rendre à l’artiste tout son matériel de présentation.

L’artiste devrait s’abstenir de travailler à des prix inférieurs aux tarifs minimums prescrits par le guide des tarifs d’Illustration Québec.

24

6

Après la fin d’un contrat de représentation exclusive, l’agent devrait conserver le droit à une commission sur toutes les commandes à venir au nom de l’artiste pour une durée équivalent à un mois pour une année de représentation (ex : 3 ans de représentation correspond à 3 mois de commission après la fin du contrat).

Aucun artiste ne devrait accepter de retoucher ou de modifier l’œuvre d’un collègue sans que celui-ci ait donné son accord.

25 Les œuvres et les reproductions confiées à l’agent ou prêtées à un client éventuel pour examen continuent d’appartenir à l’artiste. Il devrait être interdit de les reproduire sans le consentement de l’auteur. Les œuvres et les reproductions appartenant à l‘artiste devraient lui être rendues rapidement et en bon état après utilisation.

26 Le comité d’éthique d’Illustration Québec conserve le droit exclusif d’interpréter ce code d’éthique. L’assemblée générale de l’association est la seule instance habilitée à y apporter des amendements.

7 Tout membre qui désire exprimer un grief à l’égard d’Illustration Québec devrait s’adresser directement au conseil d’administration et s’abstenir de répandre des propos diffamatoires.

8 Tous les illustrateurs de l’association se doivent respect, quel que soit leur champ d’activité.

9 Aucun artiste ne devrait nuire à la réputation de l’association en utilisant le nom d’Illustration Québec pour cautionner des positions ou des opinions strictement personnelles.

Équité fiscale Il est faux de prétendre qu’un artiste peut déduire de son revenu imposable toute la valeur marchande d’une œuvre donnée à un organisme de charité. L’artiste ne peut déduire que les frais de production, soit principalement le coût des

160

LE GUIDE DE TARIFICATION

matériaux. Il en va différemment pour un client qui achète l’œuvre d’un artiste et en fait ensuite don à un organisme de charité. Dans ce cas, le client peut déduire entièrement de son revenu imposable la valeur marchande de l’œuvre, fixée d’après la facture d’achat. Ce contexte fiscal limite les artistes à l’alternative suivante : conserver leurs originaux ou les vendre à des collectionneurs privés. Dans un cas comme dans l’autre, le grand public en est privé.

nouvelles technologies Les artistes professionnels ont de plus en plus recours à l’infographie et aux images de synthèse. Les œuvres réalisées à l’aide de ces technologies ont pour support original un fichier électronique facile à reproduire par simple transfert. Les fichiers peuvent facilement être emmagasinés dans des banques d’images électroniques ou transmis à travers les réseaux de télécommunication. Ce nouveau support rend plus difficile que jamais la vérification des droits d’auteur. L’infographie peut contribuer à l’épanouissement de la société si on prend les moyens nécessaires pour en faire un médium sûr et accessible. Dans la mesure où ces conditions seront remplies, l’infographie et les images de synthèse permettront aux artistes d’atteindre de nouveaux sommets sur le plan de la création et de la communication sociale.

spéculation des pratiques relevant de l’éthique ou de son absence Illustration Québec s’oppose fermement à la pratique des présentations spéculatives, c’est-à-dire lorsqu’on demande à un artiste de réaliser une illustration sans savoir s’il obtiendra une juste rémunération en contrepartie. Aucun client ne devrait demander à un artiste de réaliser une œuvre sans avoir signé un contrat ou un bon de commande qui précise l’objet de la commande et le montant du tarif offert. Un client manque à l’éthique s’il demande à l’artiste de créer une œuvre pour lui avant de s’engager à le rémunérer. Il manque également de professionnalisme s’il se réserve le droit de refuser la rémunération pour des motifs discrétionnaires ou toute raison autre qu’une rupture de contrat définie selon le code d’éthique d’Illustration Québec. La pratique abusive des commandes spéculatives inclut les commandes où la rémunération dépend d’une publication incertaine, d’un critère indéfinissable ou de la seule discrétion du client. En ce qui concerne les droits d’auteur relatifs à une œuvre commanditée, le client doit consentir une avance de paiement pour que l’artiste puisse

subvenir à ses besoins et respecter les obligations financières que lui impose la production de l’œuvre.

l’illustration publicitaire Les illustrateurs en publicité sont des artistes graphiques dont le travail est d’utiliser des produits, des services ou des concepts commerciaux dans le cadre des campagnes publicitaires. Ces illustrateurs collaborent avec le personnel des agences de publicité : directeurs artistiques, administrateurs publicitaires, rédacteurs-concepteurs et directeurs de la création. Les agences choisissent l’illustrateur publicitaire dont le style correspond le mieux aux besoins de la campagne publicitaire en cours. Parfois, l’illustrateur crée son illustration à partir d’une esquisse fournie par l’agence et approuvée par l’annonceur. Les modalités d’exécution et les tarifs sont normalement négociés par l’illustrateur ou son agent et par l’acheteur désigné par l’agence. La nature du processus de création publicitaire justifie un prix plus élevé. L’illustrateur en publicité doit souvent livrer l’illustration finale dans un délai très court et démontrer un haut niveau de talent et de performance. Il doit fréquemment effectuer des changements et des modifications de dernière minute. Ces modifications font partie du processus normal, car l’illustrateur doit satisfaire les exigences de plusieurs personnes aux opinions différentes, tant au sein de l’agence que chez l’annonceur. Les prix sont strictement négociés sur les bases de l’utilisation, avec un supplément relié à la complexité du style, au rapprochement des échéances, à la vente de droits résiduels et à la cession de droits. Les ententes devraient donc être négociées en conformité avec les règles suivantes :

1 L’utilisation du bon de commande n’est destinée qu’à l’usage du client, par exemple pour confirmer à son service de comptabilité la transaction avec l’artiste. En aucun cas, un bon de commande ne peut remplacer un contrat en bonne et due forme.

2 Normalement, la vente ne porte que sur les droits de première reproduction, sauf si des clauses contraires figurent au contrat.

3 Avant d’utiliser l’œuvre dans des limites différentes de celles qui ont été fixées par le contrat, le client doit renégocier le prix avec l’artiste. Il n’existe aucune échelle tarifaire pour fixer le montant des droits d’auteur subséquents. En principe, si l’œuvre est diffusée à une plus vaste échelle que

161

CHAPITR E 11

ce qui était prévu dans le contrat initial, les redevances doivent être plus élevées elles aussi.

4 L’illustrateur devrait mener la négociation sur les droits de réutilisation avec diligence et respect pour son client.

5 L’artiste doit automatiquement récupérer son original après l’utilisation, sauf s’il existe une entente à l’effet contraire.

6 L’utilisation détermine toujours le prix de l’œuvre. Si la publicité s’adresse à un vaste marché ou si le client acquiert tous les droits de reproduction, le prix est beaucoup plus élevé que si l’utilisation se limite à un marché local ou à un territoire bien circonscrit.

7 Plus les délais sont courts, plus le prix doit être élevé. On peut utiliser une échelle de temps supplémentaire pour effectuer le calcul.

d’une œuvre devraient faire l’objet d’une facturation distincte. Ces charges incluent les frais de déplacement, de consultation, de production, de location de costumes et autres dépenses afférentes à la conception, à la réalisation et aux droits d’auteur. Ces frais devraient faire l’objet d’une clause incluse dans le contrat initial ou à titre d’amendement. Selon le code d’éthique d’Illustration Québec, les concours où chaque artiste crée un produit fini sans garantie de rémunération doivent être considérés comme abusifs. Plutôt que de faire travailler inutilement plusieurs membres de la communauté artistique, une compétition en règle suivra les étapes suivantes : 1. Annonce des règlements, y compris les critères de sélection, l’identité du jury, la façon dont les résultats seront diffusés et l’utilisation que l’on fera des soumissions, qu’elles soient retenues ou non ; 2. Envoi de tirés à part ou de reproductions de travaux existants par les personnes qui désirent s’inscrire. Des rendez-vous peuvent également être pris pour consulter le portfolio des artistes les plus dignes d’intérêt ; 3. Sélection d’un petit groupe de finalistes ;

8 S’il refuse l’œuvre finale, le client doit néanmoins dédommager l’artiste. Ce dédommagement est négociable. Il devrait s’élever à au moins 50 % du plein montant convenu dans le contrat. La somme peut varier d’après le motif du rejet et le degré de complexité du travail. Si l’œuvre est rejetée à l’étape de l’ébauche, on fixe habituellement le dédommagement au tiers du prix initial. Ce montant peut être moindre pour des ébauches rapides et plus grossières. Il peut être supérieur pour un travail demandant plus de temps.

4. Production d’esquisses rémunérées à même le budget du concours ; 5. Signature d’un contrat avec l’artiste qui remporte la palme ; 6. Exécution du produit fini contre un paiement au moins équivalent à ce qu’il est possible d’obtenir sur le marché.

Compte tenu du statut particulier qu’ont les œuvres créées dans le cadre d’un emploi, le personnel de l’entreprise qui organise le concours ne peut pas participer à celui-ci.

9 Si le client annule une commande pour des motifs ne découlant pas de la performance de l’artiste, celui-ci a droit à un dédommagement. Le montant est fixé selon l’étape déjà atteinte dans le développement du projet.

10 Le travail effectué à titre spéculateur est contraire aux usages qui ont cours dans le métier. Il est également contraire au code de déontologie du comité d’éthique.

11 Illustration Québec s’oppose fermement aux contrats de location de services.

12 Toutes les charges afférentes à la réalisation

11.8

LES PRIX PLANCHERS Si vous souhaitez contribuer à valoriser le métier d’artiste, il n’en tient qu’à vous d’exiger d’être payé pour vos prestations. L’idée préconçue selon laquelle un engagement à diffuser l’œuvre d’un artiste est une faveur qu’on lui accorde doit définitivement vous sortir de la tête. Vous avez quelque chose à offrir, au même titre que tout travailleur ; il est donc normal d’en tirer un certain profit. Bien entendu, en refusant de travailler pour rien, vous perdrez peut-être quelques occasions de vous faire connaître, mais est-ce que le jeu en vaut la chandelle ? Soyez solidaires de vos collègues… Si les clients ne trouvent personne pour travailler à rabais, ils seront bien obligés

162

LE GUIDE DE TARIFICATION

de revoir leur rémunération à la hausse ! Malgré tout cela, si vous décidez d’offrir vos services gratuitement, exigez au moins un contrat, sachez évaluer le coût de votre don !

11.9

EUH… VRAIMENT DÉSOLÉ, MAIS… POURRAIT-ON ME PAYER, S.V.P. ? Toutes les considérations mentionnées ci-dessus vous seront sûrement utiles pour établir vos tarifs. Toutefois, sachez que la manière dont vous réfléchissez votre facturation rendra la tâche plaisante ou, au contraire, rébarbative. D’abord, ne croyez jamais insulter les clients en leur soumettant des tarifs que vous jugez justes. Soyez seulement certain que la qualité de votre travail vaut bien ces tarifs et vous n’aurez pas à facturer à la baisse par peur de trop demander. Si le client est sérieux et que vous détenez les arguments nécessaires pour justifier votre facture, allez-y sans retenue. Le simple fait que vous débutiez dans le métier ne suffit pas à niveler vos tarifs par le bas. Sachez qu’il est plus difficile d’imposer une augmentation de tarif que d’imposer un tarif raisonnable dès le premier client. Au contraire, quand vous aurez gagné en rapidité et en expérience, vous pourrez demander moins tout simplement parce que vous aurez à passer moins d’heures sur un contrat particulier. Assurez-vous de facturer vos services le plus rapidement possible. Cette tactique vous évitera de manquer de liquidités pour faire avancer votre entreprise parce que vous attendez encore des paiements de facture que vous avez tardé à remettre. En effet, les factures, surtout dans les grosses entreprises, sont souvent réglées par un département distinct de celui qui a commandé les illustrations. Envoyez donc des factures très claires et détaillées, le plus rapidement possible et au bon département. Vous pouvez même exiger d’être payé en plusieurs versements, en argumentant que vous commencerez le travail dès que vous aurez reçu le premier versement. Cette technique permet entre autres d’assumer les coûts de production (que vous devez aussi facturer, en plus de votre salaire horaire). Nous répétons qu’il n’y a aucune raison d’être gêné de facturer votre travail, sauf si vous jugez l’avoir bâclé ou ne pas avoir respecté les clauses du contrat. Certaines situations vous permettront également de mieux négocier. Par exemple, vous vous trouverez dans une situation rêvée pour

augmenter vos tarifs si jamais deux clients réquisitionnaient vos services en même temps. Le jeu de l’enchère comporte tout de même des risques et vous devriez vous y aventurer prudemment. Sachez aussi reconnaître les éléments de négociation possibles. Qui dit éléments négociables ne dit pas seulement rémunération : vous pouvez négocier vos conditions de travail, les délais de livraison ou même des échanges de services selon la spécialisation de l’entreprise qui fait appel à vous. Ce serait par exemple une bonne stratégie de négocier votre salaire à la baisse pour un imprimeur qui consent à imprimer vos cartes professionnelles à un tarif proportionnellement tout aussi bas…

11.10

OUI, BON…MAIS COMBIEN ? Différents systèmes de calcul s’offrent à vous pour fixer vos tarifs. Fleishman, dans son ouvrage Starting your Career as a Freelance Illustrator or Graphic Designer, fournit une excellente méthode. Voici donc, en premier lieu, la méthode à utiliser pour connaître la somme MINIMALE pour laquelle vous pouvez vous permettre de travailler : C  alculez d’abord la somme de vos frais mensuels de fonctionnement (téléphone, électricité, loyer, etc.). M  ultipliez cette somme par 12, en y ajoutant la totalité de vos frais de démarrage (pour votre première année de fonctionnement). D  ivisez ensuite cette somme par 52 pour obtenir le montant hebdomadaire dont votre entreprise a besoin pour exister. E  n divisant ce dernier montant par 5, vous connaîtrez finalement l’entrée d’argent journalière minimale pour assurer votre survie. D  ivisez cette somme par 5 (admettons qu’il s’agit du maximum d’heures ouvrables par jour). Vous connaissez maintenant votre seuil de salaire horaire pour faire rouler votre entreprise.

Évidemment, le salaire horaire obtenu par ce calcul ne vous assure aucun profit. Il s’agit uniquement de l’argent nécessaire à la survie de votre entreprise, mais non à votre propre survie. Voilà pourquoi vous devrez encore procéder aux calculs  suivant : D  écidez de la somme annuelle de profit net que vous jugez acceptable. D  ivisez cette somme par 52 pour transposer ces profits en revenus hebdomadaires.

163

CHAPITR E 11

D  ivisez ce résultat par 5 pour obtenir une somme journalière. D  ivisez ce résultat par 5 pour en arriver à une somme à l’heure. A  joutez ce dernier résultat à la somme obtenue à l’étape 1. Vous connaissez maintenant le taux horaire que vous devez facturer pour obtenir les profits escomptés en bout d’année.

Toutefois, Fleishman souligne que le mode de calcul présenté ici ne tient aucunement compte de jours fériés ni des congés de maladie ni de vos vacances, dont vous aurez éventuellement besoin. Vous pouvez donc gonfler quelque peu vos dépenses et vos profits souhaités pour vous assurer une petite marge de manœuvre. Lorsque vous obtiendrez un contrat, n’oubliez pas que ce taux horaire ne représente que votre salaire personnel et que vous devrez y ajouter toute dépense liée à la production de vos épreuves et de vos originaux. D’ailleurs, le fait de connaître le taux horaire associé aux profits que vous souhaitez atteindre vous aidera à fixer des prix forfaitaires, et vous permettra également de séparer, sur la facture à envoyer au client, le montant associé à vos heures de travail des coûts de production. Si vous êtes enregistré à la TPS et à la TVQ, vous ajouterez ces taxes à la somme totale de vos heures de travail et de vos coûts de production. Ne réajustez pas vos tarifs parce que vous trouvez que la taxe gonfle trop la facture… Agir de la sorte aurait pour conséquence de vous priver de revenus pour en assurer au gouvernement. Vous payez déjà de l’impôt sur vos revenus, ne les diminuez pas simplement parce que vous pensez que la taxe ajoutée à votre facture fera sursauter le client. La vente de services est imposée au Québec et au Canada et vous n’y pouvez rien. Le client comprendra que vous n’avez aucun contrôle sur la taxation ; toutefois, identifiez clairement le montant associé aux taxes sur la facture… Toutes ces considérations prises en compte, n’oubliez pas de valider vos tarifs auprès d’autres illustrateurs et en fonction du marché de votre région. Autre détail important : vous pouvez décider de jouer avec vos tarifs en facturant davantage pour certains aspects de votre travail (travail plus minutieux ou plus spécialisé) et moins pour d’autres (facilité d’exécution ou autre). Sachez pourtant qu’avec une telle fluctuation de tarifs, vous risquez de créer de la confusion chez votre clientèle et d’avoir l’air peu professionnel. Le secret est de disposer des arguments nécessaires pour justifier ces fluctuations et d’informer des raisons qui vous poussent à diminuer vos tarifs pour certaines tâches particulières. Il

vous sera même possible de faire miroiter une diminution de tarifs comme une faveur au client concerné et de promouvoir votre entreprise par la même occasion. Par contre, attention : dans ce cas précis, diminution stratégique des tarifs ne signifie aucunement diminution de la qualité du résultat…

11.11

ENFIN, UNE RÉFÉRENCE ! Les grilles présentées ici ont été élaborées lors de tables rondes regroupant des illustrateurs expérimentés travaillant dans les différents secteurs de l’illustration. Ces grilles doivent servir de référence pour vous aider dans le processus de fixation de vos prix. Notez toutefois que les rubriques mentionnées ci-dessus peuvent elles aussi entrer en ligne de compte lorsque vous faites une soumission. Ces grilles présentent les catégories de travaux le plus souvent demandés par les clients. Si vous ne trouvez pas d’information pour un mandat particulier, vous pourrez sans doute arriver à une conclusion en comparant divers montants de mandats similaires. Il est également possible de consulter d’autres grilles. En voici trois qui pourront vous être utiles : C  elle du RAAV, disponible sur le site du RAAV, section « ressources pour artistes et diffuseurs », sous la rubrique « grille tarifaire » ; C  elle du livre The Business of Illustration par Steven Heller, Teresa Fernandes et Courtney Clinton ; C  elle du Graphic Artists Guild Handbook Pricing & Ethical Guidelines par The Graphic Artists Guild. C  elle de Canadian Artists Representation Copyright Collective : carcc.ca/feeschedulesFR. html H  ire an illustrator : www.hireanillustrator.com/ how-to-commission-an-illustrator.pdf Illustrators on line : www.illustratorsonline.com/ webaffil/priceguide.html

Avec tous ces éléments, vous êtes sûrement fin prêt pour envoyer une soumission à vos clients. Dans le doute, n’hésitez surtout pas à communiquer avec votre association ou à vous adresser à un illustrateur qui pourra sûrement vous guider.

164

LE GUIDE DE TARIFICATION

livre tous publics au québec Livre tous publics

Petit tirage (moins de 3 000)

Grand tirage ( + de 3 000)

Couverture

500 à 700 $

700 à 900 $

1 page

450 à 550 $

650 à 1 100 $

½ page

350 à 450 $

500 à 900 $

Vignette

150 à 300 $

300 à 750 $

Livre tous publics

Petit tirage (moins de 3 000)

Moyen tirage ( + 3 000)

Couverture *

500 à 1 500 $

1 000 à 2 500 $

livre tous publics au canada

1 page *

400 à 800 $

650 à 1 100 $

½ page *

300 à 700 $

500 à 900 $

Vignette *

200 à 550 $

300 à 750 $

Livre scolaire

Québec / Canada

États-Unis

Couverture

500 à 1 500 $

1 250 à 3 000 $

Double page *

500 à 1 500 $

1 000 à 2 500 $

1 page *

300 à 500 $

750 à 1 500 $

½ page *

200 à 400 $

700 à 800 $

¼ page *

100 à 300 $

350 à 700 $

vignette *

75 à 250 $

175 à 300 $

au québec Édition jeunesse

Forfait

Droits d’auteurs

Avances de droits (montant de base)

Roman jeunesse illustré

5 % du prix de vente X tirage

2 %

N/A

Illustrations

5 % du prix de vente X tirage

Entre 5 % et 7 % 

1 200 $ à 1 800 $ (N&B) 1 500 $ à 3 000 $ (couleur)

Illustrations et texte

10 % du prix de vente X tirage

10 %

1 500 à 3 000 $

 

Petit tirage

Grand tirage

Couverture seulement *

500 à 1 500 $

1 000 à 2 500 $

Dessin intérieur (prix unitaire) *

75 $ à 500 $

125 à 800 $

* prix variant selon le tirage

165

CHAPITR E 11

au canada Édition jeunesse

Forfait

Droits d’auteurs

Avances de droits (montant de base)

Roman jeunesse illustré

5 % du prix de vente X tirage

2 %

N/A

Illustrations

5 % du prix de vente X tirage

Entre 5 % et 7 % 

1 200 $ à 1800 $ (N&B) 3 000 $ à 5 000 $ (couleur)

Illustrations et texte

10 % du prix de vente X tirage

10 %

4 000 à 6 000 $

 

Petit tirage

Grand tirage

Couverture seulement *

600 à 1 500 $

1 200 à 2 500 $

Dessin intérieur (prix unitaire) *

75 $ à 500 $

125 à 800 $

Édition jeunesse

Forfait

Droits d’auteurs

Avances de droits (montant de base)

Roman jeunesse illustré

5 % du prix de vente X tirage

2 %

N/A

Illustrations

5 % du prix de vente X tirage

Entre 5 % et 7 % 

3 500 $ à 6 000 $ (N&B) 8 000 $ à 20 000 $ (couleur)

Illustrations et texte

10 % du prix de vente X tirage

10 %

8 000 à 25 000 $

aux états-unis

 

Petit tirage

Grand tirage

Couverture seulement *

800 à 2 000 $

2 000 à 3 000 $

Dessin intérieur (prix unitaire) *

75 $ à 500 $

125 à 800 $

Édition jeunesse

Forfait

Droits d’auteurs

Avances de droits (montant de base)

Roman jeunesse illustré

5 % du prix de vente X tirage

2 %

N/A

Illustrations

5 % du prix de vente X tirage

Entre 5 % et 7 % 

1 200 $ à 1800 $ (N&B) 1 500 $ à 3 000 $ (couleur)

Illustrations et texte

10 % du prix de vente X tirage

10 %

1 500 à 3 000 $

 

Petit tirage

Grand tirage

Couverture seulement *

400 à 1 500 $

1 000 à 2 500 $

Dessin intérieur (prix unitaire) *

75 $ à 500 $

125 à 800 $

en europe

* prix variant selon le tirage

166

LE GUIDE DE TARIFICATION

En ce qui concerne l’estimation et la négociation d’une commande en publicité, plusieurs éléments sont à considérer. Nous vous suggérons une marche à suivre qui correspond, selon notre enquête, à la pratique des professionnels du milieu de l’illustration. Cette méthode tient compte que l’utilisation d’une illustration en publicité ne se fait pas vraiment en fonction de son format, comme en éditorial par exemple, mais plutôt en fonction de ses différents supports d’utilisation.

il est important avant tout de poser des questions essentielles : De quel type de campagne s’agit-il ? Une campagne d’envergure locale, régionale, nationale ou internationale ? Qui est le client ? (Il arrive qu’on ne veuille pas vous dévoiler cette information tant que le contrat ne vous aura pas été accordé de façon officielle, mais ça vaut quand même la peine de poser la question.) Quelles seront les utilisations qui seront faites de l’illustration que vous allez réaliser (ou les supports qui seront utilisés) ? Qu’est-ce que le client désire acheter ? À cette question, plusieurs réponses sont possibles :

A : Le client peut vouloir une ou plusieurs utilisation(s), dont il vous fournira la liste. C’est la situation la plus simple. B : Le client sait précisément ce qu’il veut faire de l’illustration que vous allez réaliser et sait déjà qu’il n’aura pas besoin d’autres droits d’utilisation ; cependant, il veut s’assurer que vous ne revendrez pas cette illustration à un autre client. Dans ce cas, vous pouvez proposer de geler les droits de l’illustration en question, ce qui fait que vous vous engagez à ne pas vendre votre illustration à un autre client. Votre client, lui, s’en tient aux supports pour lesquels vous vous êtes entendus dans votre accord et doit vous recontacter pour négocier à nouveau s’il désire utiliser l’illustration sur un autre

support. Nous vous suggérons de limiter cette entente sur une période de temps précise afin de récupérer la possibilité de vendre à nouveau les droits de votre illustration le plus tôt possible.Gardez toujours, si possible, le droit d’utiliser l’illustration à des fins de promotion personnelle.

En ce qui concerne l’estimation et la négociation d’une commande en publicité, plusieurs éléments sont à considérer. Il est important avant tout de poser des questions essentielles. C : Enfin, qu’il sache ou non quelles utilisations il veut faire de votre illustration, le client ne veut pas avoir à vous contacter pour négocier chaque fois qu’il voudra obtenir des droits supplémentaires. Le client veut donc obtenir les droits d’utilisation illimités de votre illustration. Vous pouvez proposer ce type d’entente (essayez d’éviter le terme dangereusement flou de « buy out »), mais nous suggérons que vous la limitiez toujours sur une période de temps définie. En publicité, une campagne a toujours une durée de vie relativement courte ; vous pouvez facilement proposer de limiter la durée de cette vente de droits illimités sur une période de trois mois, six mois ou un an. Même si le client voulait étendre l’entente sur trois ans, par exemple (moyennant une rémunération plus élevée, bien sûr),

167

CHAPITR E 11

vous récupèrerez quand même la possibilité de revendre les droits de cette illustration après une période tout de même assez courte, ce qui est évidemment préférable que de ne jamais plus pouvoir en tirer des revenus. Une fois que vous avez bien compris ce que le client veut obtenir, vous pouvez préparer votre soumission. En vous reportant à la grille de tarification, utilisez comme prix de base le montant proposé pour l’utilisation la plus importante dans la liste que vous aura donnée votre client. Ensuite, cherchez dans la grille de tarification les prix suggérés pour chacune des utilisations additionnelles, et facturez, en plus du prix de base, de 30 à 50 % (selon votre évaluation) des prix suggérés pour chacune de ces utilisations supplémentaires. Voici un exemple qui vous aidera à mieux comprendre : On vous demande de réaliser une illustration pour une campagne de publicité nationale. Celle-ci sera utilisée sur un panneau géant, dans une publicité magazine pleine page (cinq parutions) et dans une publicité Web (plein écran). L’utilisation principale demandée par le client est le panneau géant. Sur la grille de tarification dans la section affiche publicitaire, le prix suggéré pour le droit de reproduction d’une

illustration sur un panneau géant dans le cas d’une campagne de publicité nationale est entre 3 500 et 8 000 $. Disons alors 5 750 $. Ce montant sera votre prix de base. On vous demande aussi un droit de reproduction pour une publicité pleine page de magazine. Vous trouverez le montant suggéré dans la section publicité imprimée, campagne nationale toujours, soit entre 2 000 et 7 500 $, disons 4 750 $. Mais comme il ne s’agit plus du montant de base, mais bien d’une utilisation additionnelle, vous ajoutez seulement au prix de base entre 30 % et 50 % de ce dernier montant. Disons 40 % de 4 750 $, soit 1 900 $. Mais comme la publicité magazine sera publiée cinq fois, vous devez ajouter 20 % à ce montant (voir la section tout juste sous la publicité imprimée). Donc, 20 % de 1 900 $, résultat : 380 $. Ainsi, pour l’utilisation supplémentaire en publicité magazine, vous arrivez à un montant de 1 900 $ + 380 $, soit : 2  280 $. Enfin, on vous demande aussi un droit d’utilisation pour une publicité Web. Vous trouverez les montants suggérés dans la section publicité Web, bien sûr. Pour une campagne nationale, plein écran, le montant suggéré se situe entre 2 000 et 7 500 $, disons 4 750 $ comme dans le cas de la publicité magazine. Et comme il s’agit aussi d’une utilisation supplémentaire qui s’ajoutera au prix de base, vous facturez entre 30 et 50 % de ce montant. Disons 40 %. Alors 40 % de 4 750 $, ce qui donne : 1 900 $. Vous voilà prêt à faire le total du prix que vous demanderez dans votre soumission. Vous additionnez donc votre montant de base, 5 750 $ avec le prix de l’utilisation supplémentaire pour une publicité magazine pleine page publiée cinq fois, soit 2 280 $, et avec le prix pour l’utilisation supplémentaire de la publicité Web plein écran, soit 1 900 $. Donc 5 750 $ + 2 280 $ + 1 900 $ : votre total serait de 9 930 $.Vous obtenez ainsi un prix global que vous pourrez facilement défendre face à votre client. Nous vous suggérons d’ailleurs de présenter votre estimation avec le détail plutôt que de présenter un montant global sans explication. Ainsi, le client sera en mesure de bien comprendre comment vous en êtes venu à ce montant, et vous démontrez ainsi que vous agissez de façon professionnelle et organisée. Enfin, si vous travaillez de façon traditionnelle, c’est-à-dire sans l’aide d’un ordinateur, et que vous produisez donc des originaux, nous vous suggérons, si le client veut acheter votre original, de traiter cette demande à part, autrement dit de ne pas l’inclure dans les autres ententes avec le client, de sorte qu’il n’y ait pas de confusion entre la vente d’un original et la cession de droits.

168

LE GUIDE DE TARIFICATION

autres productions Bande dessinée

Couleur

N&B

Planche

375 à 700 $

150 à 600 $

Strip

100 à 250 $

- 

BD publicitaire (planche)

2 000 à 6 000 $

1 000 à 2 000 $

BD magazine (planche)

200 à 450 $

-

Droits % Album

8 - 12 %

8 – 12 %

BD (système É-U)

Encrage

Coloration

1 planche *

60 à 450 $

70 à 170 $

Magazine (édition)

Petit tirage (50 000 et moins)

Grand tirage ( + de 50 000)

Couverture *

1 200 à 2 500 $

2 000 à 4 000 $

2 pages *

750 à 1 200 $

1 000 à 2 000 $

1 page *

500 à 800 $

1 100 à 1 400 $

½ page *

400 à 700 $

700 à 1 100 $

¼ page *

200 à 500 $

300 à 700 $

Revue professionnelle et spécialisée Couverture *

1 500 à 2 500 $

2 pages *

1 500 à 2 500 $

1 page *

1 000 à 1 800 $

½ page *

400 à 900 $

¼ page et moins *

300 à 600 $

Journal éditorial

Distribution régionale / nationale

Distribution internationale

Pleine page *

500 à 700 $

750 à 1 500 $

½ page *

250 à 450 $

500 à 1 000 $

¼ page et moins *

75 à 250 $

350 à 750 $

Publication interne ou d’entreprise

Petite et moyenne entreprise

Grande entreprise

1 page *

700 à 1 200 $

1 100 à 1 800 $

½ page *

400 à 750 $

700 à 1 100 $

¼ page *

300 à 500 $

500 à 800 $

Vignette *

200 à 550 $

300 à 750 $

Rapport annuel

Petite et moyenne entreprise

Grande entreprise

Couverture *

1 000 à 3 500 $

2 750 à 5 000 $ et +

1 page *

800 à 1 800 $

1 750 à 3 000 $

½ page *

400 à 1 300 $

1 250 à 2 500 $

¼ page *

250 à 800 $

800 à 1 500 $

Publicité imprimée 1 parution

Local

Régional

National

International

Magazine - pleine page *

1 000 à 4 000 $

1 000 à 5 000 $

2 000 à 7 500 $

3 000 $ et + 3 000 $ et +

Journal *

1 000 à 2 500 $

1 000 à 4 000 $

2 000 à 6 000 $

Brochure - couverture *

1 000 à 2 000 $

1 000 à 4 000 $

2 000 à 6 000 $

3 000 $ et +

Brochure - 1 page*

500 à 1 500 $

800 à 3 000 $

1 000 à 4 500 $

2 500 $ et +

Brochure - ½ page *

300 à 750 $

500 à 2 000 $

600 à 3 000 $

800 $ et +

Brochure - vignette *

150 à 750 $

250 à 1 000 $

450 à 1 500 $

500 $ et +

2 à 5 parutions

+ 20 %

+ 20 %

+ 20 %

+ 20 %

Multiples parutions

+  50 %

+ 50 %

+ 50 %

+ 50 %

Attention : pour la publicité sur Internet, il est important de tenir compte de la durée d’utilisation de l’illustration, cela ayant une incidence directe sur le prix demandé.

169

CHAPITR E 11

Publicité Web

Local

Régional

National

International

Plein écran

500 à 2 000 $

1 000 à 5 000 $

2 000 à 7 500 $

3 500 $ et +

½ écran

300 à 1 200 $

500 à 3 000 $

800 à 4 000 $

1 000 $ et +

Icône

100 à 400 $

250 à 500 $

300 à 600 $

350 à 750 $

Affichage publicitaire

Local

Régional

National

International

Panneau géant, autobus, métro, abris-bus *

1 500 à 3 000 $

2 500 à 5 000 $

3 500 à 8 000 $

7 500 $ et +

Point de vente *

1 200 à 2 000 $

2 000 à 4 000 $

3 000 à 7 000 $

6 000 $ et +

Affiches autres *

1 000 à 2 000 $

1 500 à 4 000 $

3 000 à 7 000 $

6 000  $ et +

Pour un format 5” x 7” Story Board

Noir et blanc au trait

Noir et blanc + demi-teintes

Couleur

Agence de publicité

40 à 75 $

60 à 95 $

85 à 125 $

Maison de production

40 à 60 $

50 à 80 $

75 à 100 $

Packaging / Emballage Vignette *

125 à 500 $

Illustration complexe *

400 à 2500 $

Télévision / film publicitaire (durée max de 3 mois) Régional

Provincial

National

Prix de base

600 $

600 $

600 $

Prix /illustration/seconde

20 à 60 $

40 à 120 $

100 à 300 $

Cinéma Affiche *

1 200 à 5 000 $

Campagne complète *

3 000 à 12 000 $

Théâtre Affiche *

500 à 2 000 $

Campagne complète *

1 200 à 6 000 $

Pochette CD

Petite et moyenne distribution

Livret *

1 000 à 3 500 $

Grande distribution 3 000 à 6 000 $

Couverture *

750 à 2 500 $

2 000 à 4 000 $

Carte de souhaits

Québec

États-Unis

Forfait *

200 à 400 $

500 à 1 500 $

Droits *

5 à 10 %

5 à 10 %

Objet pour la vente Droits d’auteur *

Entre 8 et 15 % du prix de vente X tirage

Avances de droits *

250 à 3 000 $

* prix variant selon le tirage

170

LE GUIDE DE TARIFICATION

Dans le monde du licensing, la rémunération fonctionne dans la majorité des cas sous le principe des « royalties » ou encore avance sur droits d’auteurs, comme le font aussi les maisons d’édition jeunesse, par exemple. Il existe certains cas où, pour des « licences individuelles », le manufacturier acceptera de payer un tarif spécifique (flat fee) pour les droits de reproduction pour un nombre d’années donné, sur un seul support connu et dont le territoire de distribution est précisé (350 $/illustration pour la production de 3 illustrations de cartes postales, distribuées en Amérique du Nord et dont l’entente est d’une durée de trois ans par illustration. Il s’agit donc ici d’un flat fee total de 1 050  $). Il sera toutefois bien important d’identifier toutes les conditions autour du droit de reproduction vendu pour éviter de vous faire avoir… Recevoir 1 050 $ pour des illustrations imprimées en quantité limitée et distribuées en Amérique du Nord peut être relativement satisfaisant comme entente, alors que le même flat fee peut devenir ridicule pour un droit d’impression en quantité illimitée sur tout territoire… Ceci dit, comme expliqué, la manière de procéder la plus commune demeure les avances sur droit d’auteur, c’est-à-dire que votre rémunération est toujours dépendante du nombre d’items illustrés que le manufacturier arrivera à vendre. Pour chaque catégorie d’objets, un pourcentage du prix de vente est redistribué à l’illustrateur. C’est précisément ce pourcentage que vous aurez à négocier lors de la signature de vos ententes. Donc, pour vous assurer de ne pas vous faire avoir, Woodward explique qu’il est impératif de vous informer des prix de vente de votre manufacturier et des quantités qu’il vend généralement. Ceci est d’autant plus important que la manufacturier peut décider de faire des ententes de vente en gros à différents distributeurs et ainsi diminuer son prix de vente par item en fonction de la grosseur de la commande. Alors qu’il vendrait un poster 3 $ l’unité, il peut tout aussi bien le vendre 0,25 $ à qui lui en achète une grosse quantité. Ceci influencera donc les sommes réelles de vos redevances. Informez-vous de ces ententes de vente en gros avant de statuer sur un pourcentage de redevances. D’autre part, vous pourrez demander des avances de royautés à la livraison des illustrations. Cette avance sera déduite des premières ventes faites et vous serez ensuite payé au pourcentage entendu pour toutes les ventes dépassant le seuil de remboursement de cette avance. Toutefois, il faut savoir qu’il existe déjà des pratiques bien ancrées dans le marché et il pourrait s’avérer difficile de sortir de ces conventions… Voici une grille des différents taux de royautés par catégorie d’item présentée par Woodward dans Licensing Art 101.

CALENDRIER 5-10 % du prix de vente x qté vendue

IMPRESSION COMMERCIALE 7-10 % du prix de vente x qté vendue

TISSUS 5-10 % du prix de vente x qté vendue

PAPIER D’EMBALLAGE 3-5% du prix de vente x qté vendue

CARTE DE VŒUX 4-8 % du prix de vente x qté vendue

ÉDITIONS LIMITÉES 10-15 % du prix de vente x qté vendue (20 % pour artistes reconnus)

TASSES 5 % du prix de vente x qté vendue

CARTES POSTALES 3-5 % du prix de vente x qté vendue

AFFICHES (POSTERS) 7-10 % du prix de vente x qté vendue

DRAPS 5-8 % du prix de vente x qté vendue

RIDEAU DE DOUCHE 6-8 % du prix de vente x qté vendue

PAPETERIE 4-6 % du prix de vente x qté vendue

TEXTILES 5-10 % du prix de vente x qté vendue

SERVIETTES 4-8 % du prix de vente x qté vendue

T-SHIRTS 8-10 % du prix de vente x qté vendue

ITEMS POUR LA MAISON 4-8 % du prix de vente x qté vendue

PAPIER PEINT 5-10 % du prix de vente x qté vendue

MONTRES 6-8 % du prix de vente x qté vendue

171

12

les affaires

Oussama Mezher Soyez curieux ! La curiosité vous permettra d’être au courant des aléas du métier, de converser intelligemment avec vos clients à propos de leur entreprise et de trouver des solutions aux problèmes courants. Les gens curieux sont souvent plus ingénieux et ont plus de ressources à portée de main pour les aider en cas de pépin.

173

CHAPITR E 12

12.1

QUELQUES TRUCS POUR ÊTRE MEILLEUR EN AFFAIRES Étant donné les nombreuses recommandations que contient ce guide, nous avons cru utile de procéder à une récapitulation des petits éléments pouvant vous aider à être meilleur en affaires. Cette rubrique nous permet aussi d’inclure des conseils supplémentaires pour nous assurer que vous ayez en main tous les outils nécessaires pour devenir un redoutable « artistehomme d’affaires ». Encore une fois, Jean-Benoît Nadeau partage son expérience en tant que travailleur autonome en fournissant une liste de « cinq vertus scoutes » qu’il croit indispensables à la réussite dans ce mode de vie. Il parle tout d’abord de patience. Vous l’aurez sans doute remarqué vous-même : si vous êtes pressé et que vous souhaitez devenir millionnaire dans la minute, non seulement le statut de travailleur autonome ne vous convient pas, mais celui d’illustrateur non plus ! Vous aurez probablement plus de chances en jouant à la loterie ! Rendez-vous à l’évidence, il vous faudra plusieurs années pour vous constituer une clientèle intéressante et vous ne serez jamais à l’abri des périodes creuses. Toutefois, vous pourrez employer ces périodes tranquilles à peaufiner votre plan de promotion, à mettre de l’ordre dans votre comptabilité ou encore à faire de la recherche pour renouveler votre style. Ne restez jamais inactif, quitte à travailler sur un projet personnel parallèle. En deuxième lieu, Nadeau conseille d’être honnête en tout temps. Il vous arrivera quelquefois d’être en désaccord avec vos clients. Affirmezvous. Certes, vous devez demeurer diplomate, mais ne vous autocensurez pas par peur de perdre des contrats. Les clients apprécieront votre transparence. Qu’il s’agisse d’un problème de compréhension de la commande, d’une difficulté à respecter les délais prescrits ou encore d’un problème de facturation ou de paiement, les clients préféreront toujours avoir l’heure juste que de se trouver devant une impasse à la dernière minute sans s’y être attendus. L’honnêteté sera

aussi rentable pour vous. Pas plus que les clients vous ne voulez vous retrouver face à un imbroglio la veille de la remise de vos épreuves. Une telle attitude est aussi révélatrice de votre sérieux et de votre souci du travail bien fait. Si vous comptez sur le bouche-à-oreille pour obtenir des contrats supplémentaires, vous gagnerez à être honnête et diplomate. Donnez fréquemment signe de vie à vos clients et soyez ouvert à la communication. L’audace est aussi de mise pour mener une carrière fructueuse. Voyez grand, mais planifiez en conséquence. Soyez prêt à cogner aux portes de grandes entreprises. Le marché de l’illustration est assez compétitif et parfois, seule votre audace vous y assurera une place de choix. Osez, personne ne vous fera de cadeau… Soyez toutefois toujours prudent : ne vous embarquez pas dans de gros contrats qui dépassent vos capacités en terme de temps. Soyez curieux ! La curiosité vous permettra d’être au courant des aléas du métier, de converser intelligemment avec vos clients à propos de leur entreprise (ce qui les charmera assurément) et de trouver des solutions aux problèmes courants. Les gens curieux sont souvent plus ingénieux et ont plus de ressources à portée de main pour les aider en cas de pépin. Finalement, l’humilité vous ouvrira aussi bien des portes. Attention : il ne s’agit pas ici de soumission ni de servilité, mais bien de la capacité d’admettre vos erreurs et de vous montrer prêt à apprendre. Nul n’est omniscient et l’humilité vous assurera d’être excusé plus facilement en cas de faute. En n’étant pas orgueilleux, vous vous assurez d’être plus ouvert à la communication et au partage, état d’esprit souvent recherché par la clientèle. Quoiqu’il s’agisse d’une qualité admirable, n’oubliez pas que la ligne est mince entre l’humilité et l’autodévalorisation. Soit, vous devez faire preuve de modestie, mais ne mettez pas en jeu vos valeurs et gardez toujours le contrôle sur vos créations et leur utilisation. Soyez tout de même fier de votre travail et de vos clients. Vérifiez toujours si vos illustrations sont utilisées à bon escient, soyez poli mais ferme. Hormis ces cinq qualités essentielles, J.-B. Nadeau donne aussi quelques conseils concernant l’aménagement de votre espace de travail. Il faut savoir que l’environnement de travail a un impact direct sur votre état d’esprit. Il est donc important, que vous travailliez à la maison ou

174

LES AFFAIRES

ailleurs, d’aménager un espace confortable qui reflétera aussi votre sérieux. Ne sacrifiez toutefois jamais le confort au sérieux. Certains illustrateurs n’accueilleront pas les clients dans leur bureau, mais préféreront plutôt se déplacer. Vous n’avez pas à investir outre mesure dans le style. Mettez l’accent sur le fonctionnel, assurez-vous d’avoir un espace qui correspond à vos besoins et qui vous permet de travailler efficacement. Vous embellirez votre espace au fur et à mesure que vos finances le permettront. Veillez aussi à offrir un excellent service aprèsvente à votre clientèle. Il s’agit en effet du « petit extra » qui fidélisera vos clients et qui fera en sorte qu’ils reviendront vous voir par la suite. Vous n’avez qu’à penser aux magasins à grande surface et à leur manière de gérer les plaintes et les pépins après-vente. Un petit coup de fil, une fois le contrat terminé, pour vous assurer que vos clients sont satisfaits du résultat final suffira la plupart du temps. C’est en effet une excellente manière de démontrer de l’intérêt envers le contrat en tant que tel. Dans le cas où surviendrait un problème, faites l’effort qu’il faut pour trouver les solutions… Un bon service à la clientèle peut aussi vouloir dire s’assurer d’être toujours ponctuel et même parfois à l’avance. Finalement, faites continuellement des efforts pour vendre vos services, même si vous avez assez de contrats. Cette recherche active vous évitera de connaître trop de périodes creuses et de temps morts. Nous recommandons de faire au minimum une démarche par semaine visant la recherche de nouveaux clients. Prudence toutefois à ne pas vous surcharger. Dans le meilleur des mondes, vous arriverez à bien étaler vos tâches en faisant se chevaucher les phases prioritaires des divers contrats que vous devez mener à terme.

12.2

COMMENT GARDER UNE SANTÉ FINANCIÈRE ET PRÉVOIR L’IMPRÉVISIBLE (ACCIDENT, MALADIE, ETC.) « sans sabbat, le travailleur autonome s’abat. » (auteur anonyme). Jean-Benoît Nadeau, qui est travailleur autonome

depuis plusieurs années, connaît les risques de surcharge de cette position précaire et formule donc un sérieux avertissement contre cette tendance à accepter plus de contrats qu’on ne peut en réaliser, sans jamais s’arrêter pour prendre du repos. Pour perdurer en tant qu’illustrateur, malheureusement, le talent et l’énergie ne suffisent pas. Il faut la santé, bien manger, bien dormir, savoir se détendre et faire un peu d’exercice : des règles élémentaires que trop d’artistes talentueux oublient, par insécurité ou manque de temps. Dans le cas où ils oublieraient de prendre soin d’euxmêmes, les illustrateurs ne seraient qu’étoiles filantes dans le milieu. De plus, « il va sans dire que le novice / débutant doit avoir le dos plus large, mais il doit établir très tôt la limite, sinon les clients abuseront » (Nadeau, 2007). Évidemment, ce sont de beaux conseils, mais pas toujours faciles à appliquer. En effet, il est parfois difficile de prendre le temps de décrocher et de prendre du recul, surtout lorsqu’on travaille depuis son domicile. Il est souvent impossible de condamner la porte de son bureau ou de l’imperméabiliser contre les « attaques extérieures » quotidiennes. Un truc courant consiste à établir des rituels que l’on peut pratiquer pour marquer le début et la fin de la journée de travail (s’habiller comme si on allait au bureau, se maquiller, se coiffer, commencer à une heure fixe), ce qui n’est pas toujours facile, il va sans dire, lorsqu’on dépend de contrats à flux et à délais variés. Tout employé procède à un déplacement en auto, en transport en commun ou même à pied, ce qui consiste en fait en un genre de rituel. Le travailleur autonome, qui n’a qu’à fermer la porte de son bureau avant de se mettre à l’ouvrage, doit faire un effort supplémentaire, peu importe le rite, pour créer les délimitations nécessaires à une vie professionnelle saine et pas trop envahissante. Quelques journées de vacances de temps à autres sont également essentielles. Pour être certain de ne pas manquer d’argent, vous pouvez employer une méthode infaillible : il suffit d’ouvrir un compte d’épargne où vous placerez entre 5 et 25 % de vos revenus. Ce compte pourra servir à financer vos vacances et / ou vos REER. Pour que le plan fonctionne, n’utilisez ce compte que dans ce but ou, évidemment, en cas d’urgence financière. De plus, il est primordial de vous constituer un coussin financier. Celui-ci devrait idéalement représenter trois mois des dépenses, incluant le loyer ou l’hypothèque, le téléphone, la connexion internet, la nourriture, etc. Cette mesure vous permettra de maintenir un niveau de vie respectable dans le cas où le nombre de contrats diminuerait ou advenant quelque embûche d’autre nature. Pour maintenir une santé financière, il convient de rationaliser ses dépenses, tout en évitant

175

CHAPITR E 12

d’accumuler une surabondance de matériel qui pourrait se perdre inutilement, à tout le moins durant les premières années de fonctionnement de votre entreprise. Bien sûr, limiter le travail à crédit vous permettra de bâtir une meilleure gestion financière. Dans cet ordre d’idées, vous pouvez aussi demander des avances ou encore des paiements en plusieurs versements lorsqu’un contrat s’échelonne sur une longue période. De plus, rien ne vous empêche d’occuper un second emploi, idéalement dans un secteur connexe, en graphisme par exemple. En effet, plusieurs graphistes travaillent aussi comme illustrateurs et vice-versa. Ce sont deux professions qui se veulent complémentaires et dont la formation de base est souvent la même. On peut même avancer qu’ils se partagent aussi à peu près la même clientèle. Deux philosophies de travail s’offrent à vous ; surnommons-les « l’artiste-artiste » et « l’artiste-homme d’affaires ». « L’artiste-artiste » ne compte pas les heures de travail passées sur chacune de ses œuvres, il ne refuse pas les contrats et est un très mauvais négociateur. Ses difficultés à bien gérer son temps l’empêchent d’être rentable malgré sa bonne volonté. Il est conscient de sa valeur et de la qualité de son travail, cependant, il ne peut pas s’empêcher de travailler au-delà des heures rémunérées négociées pour un travail donné. Pour « l’artiste-homme d’affaires », la charge de travail est en fonction du tarif négocié. Il travaille toujours au meilleur de ses capacités. Il garde en tête, tout au long de l’accomplissement de ses contrats, le montant alloué par le client. Il rentabilise son temps en établissant à l’avance le nombre d’heures qu’il doit consacrer à une tâche précise selon la rémunération accordée. Vous aurez sans doute deviné laquelle des deux philosophies est la plus susceptible de mener au succès... Il est loin le temps où un artiste n’avait pas la chance d’être reconnu avant sa mort. De nos jours, l’artiste, quel qu’il soit, a la possibilité de vivre

176

de son art et de son talent. Il ne faut surtout pas se sous-estimer, mais plutôt faire tout ce qui est possible pour se permettre de gagner convenablement sa vie. C’est également dans cette optique qu’il est primordial de prévoir l’imprévisible. Pour cela, rien ne vaut une bonne assurance-vie dès le départ, ceci dans le but d’alléger le désarroi dans lequel se trouveront vos proches en les déchargeant du poids des dettes et de la facture liée à vos funérailles. Vous pensez qu’il est trop tôt pour contracter une telle assurance ? Bien au contraire : plus tôt vous en prendrez une, moins cher elle vous coûtera. En outre, la vie est faite de situations imprévisibles. On ne peut donc jamais être trop prévoyant. Souscrivez également une assurance pour vos biens et votre matériel professionnels. En effet, ils représentent une grosse partie de vos outils de travail. Il est donc important d’en prendre soin, surtout si vous avez investi en matériel informatique. Cette assurance devrait être distincte de celle de vos autres biens si vous travaillez chez vous. Pour ce faire, souscrivez deux assurances ou bien prenez deux contrats différents. Cette dépense supplémentaire est évidemment déductible d’impôt ! Finalement, songez à avoir une bonne assurance invalidité et salaire. En effet, en tant que travailleur autonome, vous êtes le patron, mais vous seul générez vos revenus. De ce fait, en cas de maladie ou d’invalidité, vous êtes tout de suite embêté. Les conséquences de cette éventualité ne doivent pas être minimisées. Encore une fois, le plus tôt vous souscrivez une telle assurance (assurance maladie – invalidité), le moins cher elle vous coûtera. Il ne faut pas négliger le magasinage d’assurance. Les prix et les couvertures varient d’une compagnie à l’autre. Prenez le temps de bien comparer, de vous demander quel type de couverture vous souhaitez et le montant d’argent que vous êtes prêt à débourser par mois. Certaines chambres de commerce ou associations offrent des assurances à prix réduit pour leurs membres ; informez-vous. Le gouvernement fédéral

LES AFFAIRES

offre à cet effet plusieurs assurances spécialement conçues pour les travailleurs autonomes, renseignez-vous (www.servicecanada.gc.ca/ fra/sc/ae/ta/).

12.3

LES VIEUX JOURS Il est parfois nécessaire de rencontrer un planificateur financier qui vous aidera dans la planification de votre retraite, en déterminant avec vous vos besoins financiers présents et futurs, ainsi que vos objectifs et les moyens les plus efficaces de les atteindre. En tant que travailleur autonome, il vous incombe de constituer votre propre retraite. C’est pourquoi vous devez penser très tôt à investir dans un REER, un CELI ou d’autres placements dans le but de vous constituer un capital. Votre conjoint pouvant également contribuer à votre REER, ceci est un atout non négligeable du point de vue fiscal.

12.4

DU TEMPS ET DE L’ARGENT ! Le concept d’équilibre devra être pris en compte en tout temps par le travailleur autonome. En effet, le plus grand danger qui pend au bout du nez de l’illustrateur est de se retrouver à travailler constamment pour assurer la rentabilité de son entreprise. Pourtant, le succès passe aussi par d’autres critères que le financier. Le repos, la vie sociale et familiale et la tranquillité d’esprit sont aussi très importants dans le calcul du succès. À ce sujet, Mateo Ilasco et Deangdeelert Cho proposent une liste de questions que vous devrez vous poser afin d’évaluer quels sont les buts à atteindre pour arriver à un équilibre satisfaisant. D’abord, demandez-vous combien d’heures vous comptez travailler par semaine. Tentez le plus possible de vous coller à cette convention. Vous serez rapidement rattrapé par des délais plus courts, des contrats spéciaux, etc. Autant que possible, respectez vos règles personnelles. Parmi celles-ci figurent la quantité de temps libre que vous souhaitez avoir, le salaire mensuel dont vous avez besoin, le genre de projet que vous souhaitez privilégier, le genre de client avec qui vous avez envie de travailler, les vacances que vous désirez prendre et quand, combien de temps vous désirez consacrer à vos proches (amis, enfants, partenaire de vie). La liste

est encore bien longue. Mais en mettant toutes vos cartes sur table, vous pourrez ainsi, d’une part, gérer votre budget, mais aussi votre horaire. Vous comprendrez vite que votre santé mentale peut dépendre de votre capacité à atteindre cet équilibre. La qualité de vie est tout aussi importante que la réussite financière. Nous avons tous tendance à l’oublier… Dans Creative inc., on vous propose des moyens d’atteindre l’harmonie entre vie personnelle et vie professionnelle. Commencez d’abord par vous procurer un calendrier. Comme votre gestion du temps dépendra beaucoup de l’affluence de contrats, il sera important de noter tous les extrants interférant avec vos occupations professionnelles et de prévoir à l’avance ces temps d’arrêt. Ainsi, vous ne manquerez pas le spectacle de ballet de votre fille ou encore votre rendez-vous chez le massothérapeute, puisque vous aurez calculé ce temps d’arrêt dans votre gestion du temps. En vous créant des routines et des habitudes de travail, vous sauverez également beaucoup de temps. Vous n’avez pas nécessairement à faire du 9 à 5, mais en créant des habitudes et un horaire similaire de jour en jour, vous vous assurez un minimum d’heures de travail par jour et vous serez moins tenté de perdre du temps à droite et à gauche… D’ailleurs, cela vous facilitera la tâche quand vous voudrez calculer le temps que vous aurez passé sur un projet particulier. En plus de vous aider à estimer le temps requis par chaque contrat, vous aurez de meilleures balises pour calculer vos tarifs. Ensuite, prenez la peine de séparer la maison du travail. Cette idée est d’autant plus intéressante si vous travaillez à la maison. Créez-vous un espace dédié spécifiquement à vos occupations professionnelles. Vous serez moins tenté de faire la lessive ou le ménage pendant vos heures de travail. Investissez également dans des outils qui vous permettront de sauver du temps. En ayant l’équipement nécessaire à vos contrats sous la main, vous sauverez beaucoup de temps de déplacement et de logistique pour emprunter du matériel. Toutefois, investissez toujours sagement en fonction de vos économies et de vos priorités. Et finalement, accordez-vous des temps de pause. Ce n’est pas pour rien que les normes du travail imposent cette mesure aux employeurs. En prenant des pauses lorsque vous en sentirez le besoin, vous serez plus productif et gagnerez du temps en bout de ligne. Encore une fois, le secret est de bien départager pauses et procrastination… Lorsque vous aurez atteint un rythme de croisière et que votre « entreprise » sera bel et bien démarrée, vous aurez peut-être moins tendance à empiéter sur votre vie privée. Par contre, la

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gestion financière ne sera pas moins à considérer. Bien qu’une certaine forme de roulement soit établi, vous aurez continuellement à gérer vos revenus et vos dépenses. Il pourra s’avérer intéressant, une fois les coûts de démarrage absorbés, d’établir des règles de gestion de budge, c’est-à-dire, de diviser vos revenus en « enveloppes » précises. Dans The Designer’s Guide to Marketing and Pricing, Peleg Top propose sa répartition budgétaire en modèle, tout en proposant aux travailleurs autonomes de trouver celle qui leur convient. Il consacre d’abord 30 % de ses revenus totaux au paiement de l’impôt. Si vous connaissez votre salaire brut annuel, vous pourrez facilement trouver votre taux d’imposition aux deux paliers gouvernementaux et ainsi mieux gérer votre modèle de redistribution. Top suggère ensuite de prendre le revenu net restant et de le redistribuer selon une organisation précise. Il soumet l’idée de consacrer 60 % du revenu total à l’ « enveloppe » vie courante. Il s’agit de toutes les dépenses récurrentes d’un mois à l‘autre et des nécessités de base (l’hypothèque, l’épicerie, les comptes de services, etc.). Un 10 % est ensuite consacré à la création de richesse via les intérêts accumulés sur des placements ou des bons d’épargne. 5 % sera ensuite distribué à ce qu’il appelle le « joy account » c’est-à-dire le montant consacré aux loisirs et aux plaisirs ponctuels. Il indique qu’ainsi vous vous sentirez moins coupable et impulsif et aurez plus de plaisir à vous gâter. Un autre 10 % est ensuite investi dans une enveloppe pour les achats rêvés. Qu’il s’agisse d’une nouvelle voiture, d’un voyage en Grèce ou d’un nouvel ordinateur ultra-puissant, en consacrant systématiquement une partie de vos revenus à épargner pour vos rêves, vous constaterez que vous arriverez aux sommes nécessaires plus rapidement. 5 % des revenus totaux est ensuite réservé à l’apprentissage continu. Vous avez besoin d’une formation ou d’embaucher un professionnel pour apprendre la tenue de livre ? Ne soyez pas pris au dépourvu et épargnez toujours en prévision de ces besoins. Finalement, le dernier 10 % de Top sera utilisé à des fins de charité. Il s’en servira afin de supporter diverses causes ou simplement pour donner généreusement et bonifier son karma. Vous serez peut-être tenté de retravailler ces catégories. Allez-y. Ce qui fera le succès d’un système de ce genre, c’est qu’il conviendra à vos besoins. Vous pourriez par exemple viser à consacrer un 5 % à un fonds de retraite ou encore souhaiteriez-vous éliminer la dernière catégorie proposée pour en bonifier une autre… L’important est d’avoir des règles de base pour vous faciliter la gestion financière et, encore une fois, d’atteindre l’équilibre entre temps et argent !

12.5

LES EXCUSES DES CLIENTS ET COMMENT Y RÉPONDRE… Il n’est pas toujours facile de répondre à un client. Cependant, c’est en vous y préparant que les mots, les arguments et les exemples vous viendront naturellement. Néanmoins, gardez toujours votre calme, restez poli et diplomate. Trouver des exemples appropriés au secteur d’activité du client pourra vous aider à instruire votre clientèle des aléas de votre métier. En effet, si vos clients font les choses d’une telle manière, ce n’est pas toujours pour mal faire, mais parce qu’ils ne sont pas toujours au courant des pratiques de la profession. Votre rôle ainsi que celui des autres illustrateurs et d’Illustration Québec est en effet d’informer le milieu et donc les clients du code d’éthique, des pratiques de la profession d’illustrateur, des tarifs et des droits d’auteur.

« on a toujours agi ainsi… » Ce n’est pas parce que tout le monde saute du pont qu’il faut le faire. Les savoir-faire, les lois et la société dans son ensemble sont en constante évolution. Une façon de faire ou une tradition ne devrait en aucun cas empêcher un illustrateur ou une entreprise de changer ses procédures. De plus, l’artiste peut n’avoir jamais « agi ainsi » de son côté. Et, puisque la loi lui confère autant de poids qu’à l’entreprise, les habitudes et les formulaires de cette dernière n’ont donc aucune priorité sur des méthodes plus équitables pouvant être suggérées par l’artiste.

« on a un petit budget… » Peut-on imaginer que cet argument fasse baisser les prix de l’essence, de l’épicerie ou même de l’entreprise avec qui l’artiste fait affaire ? Il est tout aussi absurde de l’utiliser pour marchander une illustration. Les droits de reproduction constituent une dépense aussi peu flexible que les frais d’impression ou le salaire du directeur artistique. Ils ne varient que si la licence ou les conditions de travail sont modifiées. Le tarif de l’artiste n’est pas déterminé par le budget restant une fois les autres intervenants payés. Si l’entreprise a manqué de prévoyance lors de la préparation de son budget, cela ne suffit pas pour que l’entièreté du marché s’ajuste aux fonds disponibles.

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LES AFFAIRES

« ce dessin peut être fait en une heure… » La valeur des droits de reproduction d’une illustration dépend de l’utilisation qui en sera faite et non du temps nécessaire pour son exécution. Le taux horaire ne sert que pour les corrections mineures ou lorsque des heures supplémentaires doivent être facturées à l’entreprise. Comme les pigistes ne disposent d’aucune sécurité d’emploi, ce taux doit lui-même être sensiblement plus élevé que celui d’une personne engagée à temps plein dans une entreprise quelconque.

« cela te fera une bonne publicité… » Si une illustration constitue une bonne publicité, c’est qu’elle bénéficie d’une haute visibilité. Or, la visibilité est justement ce qui permet à une image de rapporter une somme plus élevée. La personne la plus publicisée étant d’abord et avant tout celle qui a commandé le produit, les revenus qui découlent d’une bonne diffusion devraient lui permettre de payer des droits en conséquence. Les personnes les plus sensibles à l’argument promotionnel éprouvent en général de graves difficultés financières. Ce n’est toutefois pas en travaillant à tarif réduit qu’il leur sera possible d’améliorer leur situation. Plutôt que de gaspiller des centaines de dollars en réductions accordées à gauche et à droite, il leur serait plus profitable d’investir cet argent dans l’achat d’une page dans un répertoire, d’un portfolio en ligne ou bien encore dans l’envoi de cartes postales aux entreprises susceptibles d’acheter de l’illustration.

« on se reprendra sur le prochain contrat … » À moins que la compensation en question et la date de ce prochain contrat ne soient couchées sur papier, cet argument ne vaut rien de plus que l’effort exigé pour en énoncer la possibilité. Plutôt que d’accorder une réduction immédiate, l’artiste pourrait très bien promettre de baisser ses tarifs lors d’une collaboration ultérieure avec la même personne. Si celle-ci ne semble pas intéressée par ce genre d’offre, la proposition inverse ne devrait pas non plus présenter le moindre attrait.

« aucun montant ne peut être versé avant la fin du projet… » Les gens qui trouvent inacceptable le « risque » de payer une avance avant d’avoir vu le produit se rendent rarement compte que leur attitude oblige l’artiste à courir un risque tout à fait similaire, soit le risque de réaliser le travail complet sans recevoir de paiement. Aucune raison ne peut justifier que l’artiste soit la seule personne

à s’engager dans le projet et à faire confiance à ses partenaires, surtout si le contrat se déroule sur plusieurs semaines. Lorsque le partage des responsabilités n’est pas réciproque et que le respect n’est pas mutuel, la coopération s’annonce de mauvais augure…

12.6

LA NÉGOCIATION « Rassurez-vous, négocier n’est pas malpoli. (…) Négocier, c’est d’abord et avant tout poser des questions. Puis c’est discuter, se faire entendre et écouter », nous expliquent Martin Page et Gwendoline Raisson dans le document de La Charte, Le contrat dont vous êtes le héros. L’illustrateur en début de carrière aurait peut-être tendance à être intimidé et à vouloir travailler à tout prix. C’est un piège à éviter. Développez immédiatement de bonnes habitudes et voyez la négociation comme un processus normal. Avant d’entamer la négociation, l’artiste doit tout d’abord adopter une attitude qui le place au même niveau que ses partenaires. Il n’est pas question qu’il y ait un perdant dans cette histoire, les deux parties doivent sortir gagnantes de la négociation. La relation est en fait identique à celle que l’on retrouve lors d’un achat au supermarché : les deux côtés ont besoin l’un de l’autre, mais si l’on sent qu’une entente ne peut être atteinte, il ne sert à rien de vouloir sauver les meubles coûte que coûte. Même s’il est impossible de prévoir une « activité de rechange » pour chaque contrat en cours de négociation, l’artiste doit toujours conserver une attitude sereine face à l’inévitable flux et reflux du métier ; son attitude au cours de la démarche n’en sera que plus solide, et la relation aura de meilleures chances d’être reprise dans un avenir plus ou moins rapproché. Dans la mesure où la personne que l’artiste rencontre est censée négocier un tarif acceptable pour les deux parties, il faudra s’assurer d’être en conversation avec la bonne personne. En effet, dans les grosses boîtes, bien qu’il soit extrêmement surprenant d’être amené à discuter de contrat avec quelqu’un qui n’ait aucun pouvoir de décision sur le sujet, cette situation s’est déjà vue. Si c’est le cas, votre interlocuteur n’est pas vraiment en charge de la négociation et vous devriez alors discuter avec les véritables responsables du budget, quitte à revoir votre contact initial pour tout ce qui concerne la direction artistique du projet. D’abord, soyez préparé. Informez-vous des concepts que vous ne saisissez pas bien. Vous pourriez même demander les conseils d’un

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avocat pour débuter. Vous constaterez rapidement que dès que vous comprendrez les notions de base, la négociation deviendra limpide. Parmi les conseils que vous offre la Chartre dans son document, on souligne également l’importance d’être organisé. Ayez en main une copie de votre contrat et identifiez bien les passages qui posent problème. Faites une liste par écrit de vos demandes et envoyez-la à votre client. Cela dit, il est important de noter que le montant du contrat ne devrait pas être le seul objet de discussion. Même si une autre personne peut faire le travail pour un prix moindre, le service qui en découlerait ne serait pas identique à ce que vous pouvez offrir. Par conséquent, avant d’envisager une solution aussi radicale, les parties en cause auraient intérêt à se demander si le changement en vaut la chandelle. Puisqu’on obtient généralement un résultat à la hauteur de ce qu’on paye, il importe de vérifier si l’entreprise est vraiment prête à abaisser ses standards. De son côté, l’artiste ne doit JAMAIS réduire ses tarifs dans le seul but de couper l’herbe sous le pied à la compétition. Non seulement est-ce là une pente fort glissante (car on trouvera toujours des pigistes qui acceptent une somme encore plus basse que le prix convenu), mais la guerre des prix peut avoir un effet extrêmement néfaste sur l’ensemble de la profession. Une certaine flexibilité peut toutefois être démontrée de part et d’autre sans que l’éthique professionnelle soit compromise :  ’artiste doit s’enquérir de ce qui ne va pas (si L une certaine pudeur avait jusqu’ici contraint les responsables à taire leur budget, c’est souvent à ce stade que le prix envisagé fait surface) ;  a soumission détaillée devient alors un précieux L instrument de travail pour réviser les différents aspects du contrat, point par point ;  i la légitimité de l’une des conditions du contrat S est contestée, la négociation peut commencer ;  omme un tarif n’est pas un prix arbitraire, toute C réduction du tarif doit être accompagnée d’une réduction de la tâche à exécuter ou d’une amélioration des conditions de travail. Par exemple : Les droits acquis peuvent être plus ciblés ;  e tirage peut être réduit ; L Le territoire de diffusion peut être précisé sur le contrat ; La durée d’utilisation peut être raccourcie ; La surface occupée par la reproduction peut être diminuée ; La mise en couleur peut être simplifiée ; La responsabilité de la conception peut changer de mains ; L a recherche peut être confiée à une autre personne ; Les rencontres peuvent être moins fréquentes ; La complexité de la requête peut être modifiée ; Les délais peuvent être prolongés ;

 es illustrations peuvent être moins nombreuses ; L Les conditions de travail peuvent être assouplies ; Les déplacements peuvent être effectués par les responsables ; Une assistance technique peut être fournie à l’artiste ; Du matériel existant peut être substitué à certains éléments ; Les dépenses nécessaires peuvent être réévaluées ; Un compte spécial peut être ouvert pour faciliter les achats ; Le matériel peut être fourni par l’entreprise ; Une avance peut être réclamée ; Les modalités de paiement peuvent être changées ; Les profits découlant des ventes peuvent être partagés.

En d’autres termes, la réduction d’un prix dépend autant de l’artiste que de la bonne volonté de ses partenaires. Tout dépendra donc de la personne qui bénéficie de la position de force. Si l’artiste est facilement remplaçable, il lui faudra faire preuve de beaucoup de persuasion ; par contre, si la commande peut difficilement être confiée à une autre personne, une simple énumération des solutions possibles laissera à l’entreprise le soin d’ajuster son budget par elle-même. Une réduction de prix, si elle est consentie, peut être accompagnée d’un allongement du délai de production, ou encore d’une garantie de paiement dans les 10 jours (ou autres modalités) après la remise des finaux. Après tout, lors d’une négociation, chacun doit mettre de l’eau dans son vin. Avant d’entamer les pourparlers, il convient de bien cerner les aspects du projet sur lesquels la négociation doit porter, tout en établissant ceux sur lesquels on peut faire une concession. Il faut se préparer à la discussion et ne surtout pas arriver « les mains dans les poches ». Autre précieux conseil : soyez patient. Ne bousculez pas les choses de peur de perdre votre client. Prenez la peine de discuter de toutes les clauses qui vous semblent déraisonnables. Aussi, la négociation demande de la persévérance… Vérifiez toujours que les négociations dont vous conviendrez seront corrigées sur le contrat papier. Advenant que ça ne soit pas fait, n’hésitez pas à revenir à la charge auprès du client. Si ce dernier a besoin qu’on lui réexplique pourquoi vous tenez à ces corrections, faites-le avec le plus de pédagogie possible. Une fois qu’il aura bien compris, il sera beaucoup plus enclin à apporter les corrections et à vous respecter dans vos demandes. Ayez confiance en vous, vos demandes sont légitimes et vous n’êtes pas asservi à vos clients ! Finalement, une fois la négociation terminée, n’oubliez surtout pas de tout mettre sur papier et de signer votre contrat. Vous devriez TOUJOURS signer un contrat, et ce, AVANT le début des travaux !

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LES AFFAIRES

12.7

QUELQUES PETITES ERREURS À NE PAS COMMETTRE… Comme dans tout métier, il y a quelques pièges classiques à éviter. Encore une fois, Jean-Benoît Nadeau nous aide à identifier les plus fréquents en termes de travail autonome. Tout d’abord, assurez-vous de bien gérer votre travail et évitez d’accorder trop souvent des rabais par bonté de cœur. Attendez qu’on vous demande une entente avant de proposer d’ajuster vos prix. Une fois que vous aurez travaillé pour moins cher pour un client particulier, il vous sera extrêmement difficile de justifier vos tarifs lors d’une autre négociation. Sachez que le monde de l’illustration est petit et que les nouvelles se répandent rapidement. Autant le bouche-à-oreille est bénéfique pour le marketing, autant il peut devenir néfaste lorsque vous aurez choisi de faire un rabais à un client bavard… Ne vous laissez jamais dégonfler par votre gêne ou vous crainte d’être mal reçu. Si vous tardez à vous faire payer, il faut demander et redemander son dû. C’est en insistant que vous finirez par recevoir votre paie et sachez aussi vous faire une liste de clients mauvais payeurs pour ne pas vous faire reprendre plus tard ! Demandez toujours des explications à un retard de paiement ou à un changement subit au contrat. Si les choses tardent à se développer et que vous êtes au bout de votre capacité d’investissement sans jamais voir de retour, posez-vous des questions. Réétudiez votre plan d’affaires. Questionnez-vous, réorientez-vous. Ne tardez pas trop à vous questionner et à vous repositionner. Si cela semble nettement plus compliqué pour vous que pour vos collègues illustrateurs, peut-être vous faudra-t-il vous remettre en question. Sachez le faire au moment venu… D’ailleurs, si vous tardez à voir des retours, mais que vous cessez de décaisser pour du matériel et des nouvelles technologies, revoyez vos priorités. Il n’y a aucun mal à ralentir votre expansion en fonction de vos revenus. Par contre, en tentant d’épargner et en choisissant toujours au moins coûtant, vous pourriez avoir à sacrifier côté qualité. Il s’agit toujours d’atteindre un équilibre entre investissement à long terme et épargne. Au départ, vous pourriez être tenté de travailler avec un seul client. Si ses commandes suffisent à vos besoins d’argent, il peut être plus confortable de se concentrer sur ce dernier. Toutefois, en gardant contact avec quelques clients, vous

vous assurez des portes de sortie si ça tourne mal avec votre éditeur chouchou ou votre agence de pub préférée. Vous devez toujours consacrer une partie de votre temps pour faire du démarchage et de la chasse aux clients potentiels. Si vous n’en avez pas besoin maintenant, pensez à long terme. Lorsque vous n’aurez plus de contrat, vous n’aurez plus de capital à investir en publicité non plus… Aussi, diversifier les contrats et les tâches, c’est en quelque sorte un des plaisirs du travailleur autonome ! D’ailleurs, Nadeau développe davantage sur la question de la relation avec vos clients. Ces derniers ne sont pas vos amis. En affaire, pas d’amitié, pas de famille. Cela vous paraît sévère ? Imaginez-vous qu’un client avec qui vous auriez créé des liens amicaux ou même un membre de votre famille pour qui vous auriez accepté de travailler tarde à vous payer ou demande des corrections à la dernière minute… Cela complique ensuite tout aspect de négociation. C’est aussi le moment de vous rappeler que le client n’a pas systématiquement toujours raison. Ce mode de fonctionnement est révolu. Un client qui ne respecte pas son engagement a tort. Un client qui ne vous paie pas aussi ! Ne tombez pas dans le piège du « oui » spontané. Si cela ne vous convient pas comme arrangement, dites non. Si vous n’avez pas le temps de vous investir dans un nouveau contrat, dites-le. Vous attirez plus de respect comme ça qu’en excusant constamment vos retards. Dans son e-book 10 Common Mistakes Designers Make with Clients, Preston D Lee met en garde contre le fait de faillir aux délais. Vous n’arriverez jamais à démontrer votre sérieux et votre professionnalisme si vous ne respectez pas les délais. De plus, en voulant satisfaire tout le monde, vous risquez de vous écarter de votre champ d’expertise et devoir travailler à ce qui ne vous plaît pas vraiment. Personne n’est gagnant dans cette situation. Par contre, évitez de partir avec une mauvaise attitude envers tout client potentiel. Cela vous empêcherait de négocier de bonne foi et d’établir des bonnes relations de travail. Certains vont trop loin, mais la majorité est sensible aux arguments sensés que vous leur présenterez. La relation d’affaires est une relation de confiance réciproque. Ne l’oubliez jamais. Ainsi, lorsque vous vivrez une situation de négociation non fructueuse, demeurez courtois. Ne brûlez pas vos ponts, ainsi que le conseille Preston D Lee. Vous ne savez jamais à quel moment vous recroiserez un éditeur ou un publiciste donné… S’il le faut, sentez-vous bien à l’aise de questionner vos collègues par rapport à leur expérience avec un client donné. Vous en avez tous les droits. Vous choisissez vos clients tout autant qu’ils vous choisissent ! Lorsqu’une bonne relation est établie, vous pourrez même

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Gardez votre énergie pour faire ce que vous faites le mieux et ce que vous préférez faire !

ensuite demander à vos clients de vous référer à d’autres ! Aussi, pour entretenir vos bonnes relations, Lee souligne encore qu’il ne faut en aucun cas négliger vos suivis. Même si la négociation fut corsée, une fois le contrat rendu, le client appréciera une petite attention de votre part pour vous assurer que tout est conforme à ce qui avait été convenu. Nadeau, pour sa part, ajoute encore de bien surveiller votre niveau de stress. En tant que travailleur autonome, vous serez le seul en position de reconnaître un état de fatigue et de stress plus élevé que la normal. Accordez-vous des moments repos. Ne vous menez à bout sous aucun prétexte. Cela ne vous aidera nullement. D’ailleurs, fiez-vous à des professionnels qui peuvent vous être d’un grand secours. Faites faire votre comptabilité par un expert. Vous voulez garder votre autonomie, engagez des sous-traitants. Et si l’administration devenait trop importante, pourquoi pas un assistant ? Gardez votre énergie pour faire ce que vous faites le mieux et ce que vous préférez faire !

12.8

LES DÉFIS DE L’ILLUSTRATION… Le métier d’illustrateur, vous en conviendrez, n’est pas très reposant. Bien que nous ayons fait notre possible pour vous guider et vous fournir les informations de base nécessaires au maintien d’une carrière saine, nous ne sommes pas dupes et savons que bien des embûches surgiront sur votre parcours. Malheureusement, dans tous les domaines et pas seulement en illustration, il est presque impossible de mener une carrière sans aucun remous. D’ailleurs, nous manquerions probablement de motivation s’il ne nous arrivait jamais de faire face à de petits défis. Nous croyons avoir souligné pour vous les enjeux principaux du métier, mais il nous semble important d’insister à nouveaux sur les plus importants.

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LES AFFAIRES

Les banques d’images constituent sûrement un compétiteur de taille pour les illustrateurs qui travaillent sous le mode autonome. En effet, travailler pour une organisation de ce genre peut sembler alléchant. Il s’agit d’une rémunération constante, qui vous assure une certaine stabilité. Rappelez-vous toutefois que ces entreprises vous considéreront généralement comme employé et que, du coup, vous perdrez tous vos droits d’auteur sur vos illustrations et, par le fait même, votre force de négociation advenant qu’une de vos images soit très populaire et utilisée par plusieurs clients. D’ailleurs, ces fameuses banques d’illustrations constituent des compétiteurs de taille pour le marché. Les images qu’elles présentent sont souvent libres de droits d’auteur et donc attrayantes pour la clientèle. Il faut être conscient qu’enrichir ces banques contribue quelque peu à la dévaluation du marché de l’illustration… D’ailleurs, dans cet ordre d’idées, gardez en tête que le travail gratuit ou sous-rémunéré est tout autant meurtrier pour le marché. En ce qui concerne le style que vous développerez, vous devez également être à l’affût de quelques délicates nuances. Il s’agit pour vous de vous approprier un style qui vous servira de signature. Bien que celui-ci doive être reconnaissable, assurez-vous toutefois de laisser de la place à l’évolution. Si votre « marque de commerce » est basée uniquement sur une mode passagère, il y a fort à parier que votre vie professionnelle ne connaîtra pas de période stable et que vous serez constamment plongé dans de grandes remises en question vous empêchant de vous faire un nom. Votre défi en tant qu’illustrateur est de vous créer un style à la fois personnel et durable, évolutif mais reconnaissable. Malgré tous ces petits questionnements, le problème majeur de ce siècle dans le domaine de l’illustration demeure l’avancement des nouvelles technologies ainsi que le développement des logiciels de design graphique. En effet, selon certains auteurs, dont Steven Heller and Marshall Arisman, ces logiciels rendent pratiquement l’illustration à la portée de tous ou, à tout le moins, contribuent à ce que l’on confonde de plus en plus le métier d’illustrateur et de designer graphique. Encore une fois, Heller et Arisman, dans Inside the Business of Illustration, insistent sur cette différence en se basant sur les origines distinctes des deux domaines. D’après eux, le design graphique serait né dans le monde de l’impression, de la presse et de l’éditorial, alors que l’illustration, pour sa part, demeure en lien direct avec les beaux-arts figuratifs. Toutefois, cette distinction ne suffit pas à enrayer tout questionnement quant au statut de l’illustration dans

le monde de l’art. Alors que le design graphique trouve sa place assez facilement dans le monde de la publicité et de l’informatique, l’illustration demeure en eaux troubles. Malgré toutes ses années d’existence, une question subsiste au sujet du métier : s’agit-il de beaux-arts au même titre que la peinture, la sculpture ou la photographie, par exemple ? « Dès 1910, l’imagerie illustrée est déjà dévaluée et les critiques de beaux-arts utilisent le terme illustration de manière générale, facile et péjorative pour décrire l’imagerie d’éléments réels ou la représentation figurative - une pratique encore courante aujourd’hui. Le mot illustration devient synonyme de l’ouvrage dont la qualité plastique, le contenu et l’intégrité artistique sont superficiels » [Traduction libre] (Heller et Arisman, 2004). Pourquoi le début du vingtième siècle a-t-il été ainsi porteur d’une dévaluation de l’illustration ? Étrangement, ce mode d’expression artistique a été pratiquement et subitement renié par les artistes et les critiques de l’époque. Heller et Arisman expliquent ce rejet subit par l’arrivée de la photographie, qui pousse la peinture à se redéfinir et à abandonner l’idée de la représentation du réel pour se tourner tranquillement vers l’abstrait. En effet, la photographie et plus tard le cinéma deviendront les arts de reproduction du réel par excellence. Toute autre forme de représentation figurative deviendra peu encouragée, voire snobée. D’ailleurs, en s’éloignant de la représentation du sujet (rappelons-nous le Carré blanc sur fond blanc de Malevich, par exemple), les manifestations du genre abstrait ont participé à l’isolement de l’illustration. Alors que l’art a rompu avec les canons de l’Académie et que conséquemment il ne relève plus de la commande, l’illustration y restera affiliée. Cette évolution de l’art et de son marché ont donc quelque peu troublé le statut de l’illustration et nous laisse à ce jour aux prises avec cette question qui semble parfois sans réponse. Est-ce de l’ART ? En effet, ce débat, toujours ouvert, demeure la grande question sous-jacente à bien des interrogations importantes auxquelles il vous faudra réfléchir. Il est indéniable que la définition que vous accorderez à votre métier aura un impact important sur votre philosophie de travail et votre gestion de carrière. Au-delà des détails techniques courants, peut-être qu’une réflexion sur cette problématique vous permettra de régler bien des dilemmes…

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s’exposer

François Berger Vous avez toujours hésité entre l’art visuel et l’illustration ? Depuis vos débuts vous produisez souvent des œuvres personnelles pour le plaisir de créer et votre atelier croule sous le poids des travaux non édités que vous accumulez d’année en année ? Pourquoi ne pas tenter d’exposer votre travail ?

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Après tout, l’illustration demeure une forme d’art et l’engouement grandissant pour les nouveaux médias pourrait très bien vous profiter. Nous avons préalablement parlé dans ce guide de la possibilité de réaliser différents produits dérivés (affiches, sacs, objets, etc.) de vos œuvres afin de les vendre. De plus, nous avons abordé la possibilité d’imprimer des affiches et des giclés. Pourquoi ne pas faire quelques impressions de bonne qualité à encadrer pour ensuite proposer vos talents à des galeristes de votre coin ? Nous avons tenté de vous aider, tout au long de ce guide, à devenir de bons gestionnaires, mais nous ne pouvons renier le fait que vous êtes d’abord et avant tout un artiste, votre travail en témoigne. En flirtant avec le monde des galeristes, cela vous permettra de vous créer un nom, de vous faire connaître et éventuellement d’aider votre carrière d’illustrateur. Soyez conscient qu’il se peut que pour rentrer dans le monde très prisé des galeristes, vous deviez adapter votre travail, votre style. En effet, créer une image pour une commande publicitaire, par exemple, n’est pas le même travail que créer une œuvre à exposer. La clientèle, entre autres, n’est pas la même.

13.1

D’ABORD, TROUVER OÙ… D’accord pour exposer son travail, mais où exactement ? Comment faire pour trouver le premier endroit qui acceptera d’exposer votre travail ? À ce sujet, le site Internet www.artisteo.com offre quelques judicieux conseils. D’abord, il faudra lister les galeries dans votre entourage qui vous semblent intéressantes. Tentez d’aller jeter un coup d’œil dans ces dernières et questionnez-vous à savoir si ce qui y est exposé se rapproche de votre travail et de votre démarche artistique. Certaines galeries offrent même des infolettres auxquelles vous pourrez vous abonner. Cela pourra s’avérer utile, parce que certaines galeries fonctionnent par appels de projet et ceux-ci ne manqueront certainement pas d’être diffusés dans leurs infolettres ! Si dans vos recherches vous tombez sur des galeries qui exposent uniquement de la photographie ou

des installations multimédia, vous pourrez déjà les rayer de la liste. Cherchez ce qui vous ressemble, ne gaspillez pas de temps ou d’énergie en visant le mauvais marché ! D’ailleurs, le Web peut encore une fois vous venir en aide ; en effet, la plupart des galeries ont un site Internet sur lequel elles partagent leur vision artistique, leur appel de dossier et les expositions qu’elles présentent. Une simple consultation vous permettra vite de savoir si la galerie est pertinente pour vous. Souvent, vous y trouverez une section du style « Comment faire pour exposer chez nous ? ». Vous y verrez aussi les différentes politiques en termes de commissions et d’exigences pour les œuvres (encadrées ou non, formats spécifiques, nombre de tableaux, etc.). Lorsque vous aurez fait une liste des galeries qui vous intéressent et dont les conditions vous conviennent, faites-y une ou deux visites, sans toutefois y entrer avec vos gros sabots. Tentez de vous intéresser à l’exposition et laissez le galeriste venir à vous. N’entrez pas dans une galerie pour la première fois votre portfolio sous le bras, avec la ferme intention de vendre votre travail au propriétaire, allez-y plutôt doucement et discutez des œuvres présentées avec le maître des lieux. Laissez-le venir à vous et il vous demandera peut-être en cours de route si vous êtes vous-même artiste. Ou peut-être pas, auquel cas vous pourrez le lui mentionner subtilement dans le courant de la conversation, mais rappelons-le, il importe de ne rien brusquer. Vous pourrez, une fois de retour à la maison, envoyer un courriel au propriétaire avec en corps de texte deux ou trois de vos images et ensuite attendre un retour de sa part. Autre conseil, de la part de Brigitte Camus, qui signe un billet sur la question sur le site Artisteo : ciblez préférablement de nouvelles galeries qui ne possèdent pas déjà leur quota d’artistes ou encore une longue liste d’attente. De plus, ne vous limitez pas strictement aux galeries conventionnelles. Vous pourriez démarrer par quelques expositions dans des cafés près de chez vous qui réservent quelques-uns de leurs murs pour des artistes émergents. Certaines galeries mettent d’ailleurs de l’avant les artistes de la relève. Si vous débutez dans le monde de l’illustration et que vous n’avez jamais exposé, privilégiez ces lieux ! Il peut aussi être intéressant de rejoindre un groupe d’artistes qui participe à des expositions collectives, comme des collègues à vous

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S’EXPOSER

ou des étudiants de votre ancienne école. Les projets collectifs sont souvent une belle porte d’entrée pour débuter en exposition. Le plus ardu sera indéniablement de trouver votre première galerie. Un peu comme pour les contrats, dès que vous aurez réussi une première fois, les choses se faciliteront ensuite.

13.2

QUOI FAIRE QUAND ÇA MARCHE ? Vous avez enfin trouvé l’endroit idéal où faire vos premiers pas en matière d’exposition et le propriétaire semble intéressé par votre travail ? Le vrai boulot commence donc maintenant ! Vous devrez d’abord rédiger une proposition d’exposition. Souvent, on vous demandera de joindre à cette proposition un texte faisant état de votre démarche artistique et décrivant clairement vos intentions quant à l’exposition à venir. Ensuite, vous aurez à fournir un curriculum vitae et quelques photos des œuvres que vous comptez inclure dans votre projet. Bref, vous aurez à préparer un dossier pour faire accepter votre candidature, une sorte de « portfolio bonifié ». Débutez par la rédaction de votre démarche artistique. Expliquez clairement quelle est l’intention derrière les œuvres que vous proposez. Soyez éloquent certes, mais évitez d’écrire de grandes phrases vides ! Trop souvent, les textes de démarches artistiques sont flous, utilisent trop de concepts abstraits ou hermétiques et ne vendent pas du tout le travail de l’artiste. Pensez à ces textes comme une introduction à votre art. Alan Bamberger, sur le site Web www.artbuisness.com, explique en détail l’objectif visé par la rédaction de votre démarche artistique. Il stipule clairement que votre texte doit être explicatif et à la portée de tous. Choisissez bien vos termes et assurez-vous qu’ils soient adéquats. Vous pourriez être tenté de séduire les galeristes en étendant vos connaissances techniques, mais ce n’est pas la place. Il faut plutôt donner quelques clés de lecture au public sur votre méthode et votre choix de médium. Parlez au « je », tentez d’être inclusif. Vous ne vous adressez pas qu’à des érudits. Votre démarche artistique est un complément à votre travail et elle servira à répondre aux questions des visiteurs. Si tant est qu’ils comprennent ce qui y est écrit ! Bamberger propose de rédiger un texte simple qui répond à des questions précises : Pourquoi faites-vous de l’art ? Qu’est-ce qui vous inspire ? Qu’est-ce que votre art signifie ou représente pour vous ?

Qu’y a-t-il d’unique ou de spécial à propos de votre travail ? Qu’est-ce que tout cela représente pour vous ? Si vous n’arrivez pas à mettre des réponses aux précédentes questions sur papier, rien ne vous empêche de faire appel aux services d’un rédacteur expérimenté qui pourra transcrire habilement ce que vous lui expliquerez. Encore une fois, ne tentez pas d’impressionner, mais plutôt d’expliquer. Et si votre demande doit inclure une description du projet, il s’agira d’ajouter à votre démarche artistique quelques mots sur les œuvres choisies, sur le concept derrière ces choix et l’idée particulière derrière ce projet (qui n’est pas toujours le même d’une exposition à une autre). Vous aurez aussi à envoyer un bref portfolio mettant de l’avant quelques œuvres choisies pour l’exposition. Tous les conseils offerts préalablement dans le chapitre 6 sur la constitution d’un bon portfolio sont valables ici, quoiqu’il ne sera pas nécessaire de montrer autant d’œuvres. Ce que le galeriste voudra voir, c’est la cohésion entre votre projet de proposition et les œuvres que vous souhaitez exposer. Tentez de présenter les meilleures oeuvres pour vendre votre concept d’exposition et aussi, assurez-vous que celles présentées communiquent bien entre elles. D’ailleurs, le pari du galeriste se situe toujours entre l’innovation et la valeur sûre. Il devra constamment s’assurer que ce qu’il présente attirera de la clientèle. Ce sera toujours son premier objectif. Est-ce que votre projet peut attirer des acheteurs ? Est-ce que vos œuvres sont suffisamment originales sans être trop risquées ? Mettez-vous dans ses souliers lorsque vous ferez vos choix et gardez en tête votre fil conducteur, votre concept ! D’ailleurs, au fur et à mesure que vous développerez vos projets d’exposition, vous amasserez des articles de journaux et autres couvertures de presse au sujet de votre travail (c’est votre dossier de presse). Demandez également à vos clients et acheteurs de commenter vos œuvres, sur votre site Internet par exemple, ou encore de signer le livre d’or de votre exposition. N’hésitez pas à joindre ces commentaires et articles dans vos propositions, ils sont souvent vos meilleurs ambassadeurs. Une fois votre dossier déposé, vous recevrez une réponse définitive. Certaines galeries ou certains café-bistro qui exposent acceptent les projets systématiquement, contre des frais de location facturés à l’artiste. D’autres attendront d’avoir étudié votre dossier pour accepter votre projet d’exposition, mais vous imposeront une commission sur les ventes qui tournera généralement entre 30 à 50 % du prix de vente. Vous devrez donc calculer cette commission afin que vos prix reflètent cette charge. Pour tarifier vos

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CHAPITR E 13

œuvres, plusieurs critères entreront en ligne de compte. La grandeur des tableaux, la complexité du rendu, les médiums utilisés sont autant de critères à prendre en considération. Encore une fois, faites la tournée des galeries et des sites Internet d’artistes pour obtenir des exemples de prix. Attention à ne pas mettre la barre trop basse, parce que vous arriverez difficilement à augmenter vos tarifs le temps venu. Évidemment, s’il s’agit de votre première exposition, vous pouvez difficilement statuer sur des prix très élevés se comparant à ceux des maîtres. Encore une fois, le juste milieu est souhaitable. Réfléchissez aussi au genre de clientèle qui fréquente les lieux où vous exposez. S’agit-il de collectionneurs aguerris ou de néophytes ? Le galeriste possède-t-il déjà une clientèle fidèle ou doit-on se fier aux passants qui entreront par hasard ? N’hésitez pas à demander l’aide du galeriste si vous arrivez difficilement à établir vos prix, cela fait partie de ses tâches et fonctions. Une fois votre concept élaboré et vos prix fixés, faites-vous une liste de personnes que vous inviterez au vernissage et à découvrir l’exposition pendant toute sa durée. Au-delà du nombre d’œuvres que vous vendrez, ce qui est intéressant pour le galeriste demeure le nombre de visiteurs que vous êtes capable de générer. Il est pertinent de faire une belle et importante soirée de vernissage. Vous souhaiterez sûrement inviter vos proches, mais assurez-vous aussi d’attirer vos clients (actuels et potentiels) pendant toute la durée de votre exposition. Pensez à utiliser vos contacts et vos médias sociaux pour générer du trafic. D’ailleurs, préparez-vous également une liste d’envoi médias. Cherchez sur Internet pour trouver les courriels des critiques d’art des différents médias importants et envoyez-leur une invitation au vernissage. Il est également important de discuter avec le galeriste qui accueillera votre exposition pour connaître sa stratégie de promotion et de communication. Demandez à ceux qui se seront présentés leur opinion sur votre travail, s’ils souhaitent être informés de vos prochaines expositions. S’ils sont « épatés » parce que vous faites, ils en parleront d’eux-mêmes dans leurs réseaux.

13.3

LE MARCHÉ DE L’ART AU QUÉBEC, QU’EN EST-IL ? L’œuvre d’art jouit d’un statut particulier dans le monde de la collection, ne serait-ce que par son absence de statut fonctionnel dans le quotidien.

Pourtant, un tableau de Picasso contemplé par un collectionneur dégage une sémantique tout à fait différente pour un néophyte ou même pour un historien de l’art. Tandis que l’historien de l’art s’attardera sur le traitement de l’espace ou de la couleur dans le tableau ainsi que sur la place qu’il occupe dans la production de l’artiste et de l’époque, le collectionneur se posera les mêmes questions, mais sera nettement plus préoccupé par d’autres motivations. Il observera l’œuvre en fonction de son projet de collection et en ayant toujours un regard périphérique sur l’ensemble de sa collection, stimulé par le besoin de possession si le tableau cadre le moindrement dans les paradigmes de son entreprise. Ensuite, l’historien de l’art est concerné par le marché de l’art et la circulation des œuvres, mais peut très bien s’y intéresser avec un recul qui ne se trouve indéniablement pas chez le collectionneur qui prend une part active dans ce marché. Fondamentalement, le collectionneur d’œuvres d’art est la table tournante du domaine esthétique. S’il n’y avait pas eu d’individu pour apprécier les premières dérogations aux canons d’Aristote, le monde artistique d’aujourd’hui ne connaîtrait sûrement pas les impressionnistes, l’expressionnisme allemand, le cubo-futurisme russe et bien d’autres mouvements maintenant très prisés, qui encouragent toujours à ce jour l’innovation plastique. L’art peut être un intérêt satisfait par les livres sur l’histoire de l’art et la visite de musées. Par contre, la consommation de l’art, surtout lorsqu’elle est concentrée sur un mouvement en particulier, fait du collectionneur une partie intégrante du mouvement en question, permettant à cette voie nouvelle d’expression artistique d’être diffusée et appréciée. Il faut comprendre que la consommation de l’art est la condition sine qua non à l’existence des artistes, leur permettant d’évoluer et d’expérimenter de nouvelles voies esthétiques. Cette constatation ne trouve pas ses racines dans le monde contemporain, bien au contraire. Depuis l’Antiquité, les souverains et les plus nantis de la société permettent aux artistes de survivre, autrefois en leur soumettant des commandes spécifiques, aujourd’hui en appréciant l’audace des créateurs dans un monde laissant une plus grande liberté au discours artistique. Bien que la consommation de l’art reste une activité élitiste en ce qu’elle sous-entend un pouvoir d’achat, les adeptes de l’art sont aujourd’hui plus nombreux, ce qui contribue aussi à cette liberté en créant une arène de goûts plus diversifiée. Cette tendance est d’ailleurs observable sur les grands marchés internationaux, mais qu’en est-il du marché spécifiquement québécois ? Il faut déjà savoir que la tradition de collectionneur n’est pas une pratique ancrée dans les mœurs

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S’EXPOSER

des Québécois depuis plusieurs générations. En effet, historiquement, l’achat d’œuvres d’art et les legs aux musées et autres institutions d’exposition sont, au Canada, plus fortement associés aux cultures anglophones – sans doute du fait que la collection artistique est intimement liée à la capacité d’achat. Par contre, on observe depuis quelques années un glissement dans les habitudes culturelles des Québécois et le commerce de l’art, autrefois strictement élitiste, atteint de plus en plus une vaste clientèle. D’abord, cette réalité doit beaucoup au milieu culturel foisonnant qu’on retrouve dans la métropole. Plusieurs évènements grand public ont vu le jour au fil des années, dont la Foire d’art contemporain sur papier en 2007, la Biennale internationale d’art numérique en 1998 et Nuit blanche sur tableau noir en 1995, et ont participé à démocratiser le monde de l’art visuel. De plus, un certain glissement vers l’art contemporain se remarque davantage ces dernières années, le Groupe des sept et Riopelle cédant un peu de terrain aux artistes de la relève. En 2011, Éric Clément écrivait dans La Presse que « L’art contemporain québécois se porte mieux que jamais. Signe de son dynamisme, 13 galeries du Québec étaient représentées à New York en mars pour la semaine des foires d’art new-yorkaises. Du jamais vu. Auparavant, c’était à Toronto qu’on achetait la production du Québec. Mais c’est de moins en moins vrai. Les artistes québécois, avec un peu d’aide, vendent à New York, Miami et même à Montréal ». En 2011, Clément expliquait également que l’édition de Papier11 (la 11 e Foire d’art contemporain sur papier) connaissait une augmentation de 45 % du nombre de visiteurs alors que ses ventes augmentaient de 39 %. On peut donc s’avancer à dire que le marché de l’art québécois se porte de mieux en mieux. Toutefois, l’engouement pour l’art contemporain et l’augmentation de sa valeur marchande, le sens esthétique et le jugement de valeur sont tous des concepts inhérents à l’art

visuel, mais trop souvent le travail d’un artiste sera jugé uniquement sur la valeur marchande de ses œuvres.

Il faut comprendre que la consommation de l’art est la condition sine qua non à l’existence des artistes, leur permettant d’évoluer et d’expérimenter de nouvelles voies esthétiques. Bien que la consommation de l’art reste une activité élitiste, les adeptes de l’art sont aujourd’hui plus nombreux. Pourtant, comme l’écrit si bien Gilles Daigneault dans le Magazine FORCES, « (…) il n’est jamais commode – ni même très exaltant – de disserter sur les relations problématiques entre l’art et l’argent. D’abord, il y faudrait des tonnes de statistiques bien articulées et, surtout, de nouvelles perspectives. (…) Il arrive, bien sûr, que la réussite financière vienne sanctionner la réussite esthétique, mais faut-il rappeler, par exemple, que les amateurs savaient depuis longtemps que les premières œuvres de Riopelle ou les eauxfortes de Betty Goodwin du début des années 1970 constituaient déjà des points saillants de notre histoire de l’art au moment où le marché les a « découvertes »… D’autre part, il y a toujours des artistes de grande valeur qui ne sont pas présents sur le marché de l’art, et vice versa. » Ne vous découragez donc pas si vous tardez à percer le monde du marché de l’art, sachez que bien des artistes visuels n’ont connu la gloire qu’une fois décédés…

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« Depuis sa création en 1983, Illustration Québec a mis sur pied de multiples outils de promotion à l’intention des illustrateurs. Elle a également conçu des documents traitant de droits d‘auteur, de contrats, de licences et d’autres questions reliées au métier d’illustrateur. Forte de son expérience, Illustration Québec a jugé bon de concevoir ce Guide de survie (2e édition). Cet outil répondra aux questions les plus fréquentes tout en fournissant les pistes de recherche permettant d’obtenir de plus amples informations sur un sujet précis. Il est toutefois indéniable que l’aide provenant de nombreux corps de métiers dont il sera question tout au long de cet ouvrage est irremplaçable. Illustration Québec souhaite ardemment que vous soyez satisfaits de résultat et que ce document puisse vous être d’une grande aide... Bonne lecture ! »

Guide de survie de l’illustrateur - 2e édition

guide de survie de l’illustrateur - 2e édition